Dickens, el escritor del neorrealismo victoriano

Un 9 de junio de 1870, Charles Dickens sufrió un ataque cardíaco que terminó no solo con su vida, sino que dejó inconclusa una de las historias cuyo misterioso final causó un revuelo permanente en la sociedad. El escritor nacido en Porthsmouth, Inglaterra, fue famoso por sus crudas descripciones de la Revolución Industrial en contraste con sus personajes satíricos de personalidades exacerbadas. Parte de ese talento para captar ese claroscuro de la realidad inglesa en el período victoriano, tenía que ver con haber vivido en carne propia una contradicción: el avance tecnológico acelerado en perjuicio de las relaciones humanas.

El joven Charles enfrentó la labor infantil luego de que su padre fue arrestado por la cárcel de deudores. A los doce años trabajó en la fábrica de botas de un familiar de su madre, trabajo que fue forzado a seguir inclusive cuando su familia ya hubiese saldado la deuda. El escritor jamás olvidó su experiencia y dedicó gran parte de su obra a denunciar las condiciones decadentes que sometieron a los trabajadores industriales.

A los 21 años publicó su primera historia “Cena en Poplar Walk” en The Monthly Magazine. A los tres años de esa publicación, el escritor comenzó a publicar los capítulos de novelas por entregas, lo que lo empujó inmediatamente a la fama gracias a la intriga que despertaban sus relatos seriados. Dickens se convirtió en uno de los novelistas más prolíficos del período Victoriano, dedicando la mayor parte de su vida a la creación de obras de ficción. Su amor por la escritura lo caracterizó de tal manera que inclusive se cree que dormía con su cabeza apuntando al norte como cábala para escribir mejor.

Según el diccionario de Oxford (la versión inglesa de la Real Academia Española), el novelista introdujo alrededor de 247 palabras nuevas al vocabulario inglés, todo gracias a la popularización de su trabajo. Sus trabajos más conocidos como “David Copperfield”, “Historia de Dos Ciudades”, “Oliver Twist” y “Un Cuento de Navidad” se instalaron en la cultura pop con tal  trascendencia que el cine los sigue interpretando como clásicos de culto. Lo último que escribió fue “El misterio de Edwin Drood”, la historia que contaba los pormenores de la misteriosa desaparición de un niño huérfano. Su muerte, que dejó sin final la novela, causó una de las polémicas más grandes de la literatura inglesa: ¿qué era lo que finalmente destinaba Dickens para su Edwin Drood?

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

Un 9 de junio de 1870, Charles Dickens sufrió un ataque cardíaco que terminó no solo con su vida, sino que dejó inconclusa una de las historias cuyo misterioso final causó un revuelo permanente en la sociedad. El escritor nacido en Porthsmouth, Inglaterra, fue famoso por sus crudas descripciones de la Revolución Industrial en contraste con sus personajes satíricos de personalidades exacerbadas. Parte de ese talento para captar ese claroscuro de la realidad inglesa en el período victoriano, tenía que ver con haber vivido en carne propia una contradicción: el avance tecnológico acelerado en perjuicio de las relaciones humanas.

El joven Charles enfrentó la labor infantil luego de que su padre fue arrestado por la cárcel de deudores. A los doce años trabajó en la fábrica de botas de un familiar de su madre, trabajo que fue forzado a seguir inclusive cuando su familia ya hubiese saldado la deuda. El escritor jamás olvidó su experiencia y dedicó gran parte de su obra a denunciar las condiciones decadentes que sometieron a los trabajadores industriales.

A los 21 años publicó su primera historia “Cena en Poplar Walk” en The Monthly Magazine. A los tres años de esa publicación, el escritor comenzó a publicar los capítulos de novelas por entregas, lo que lo empujó inmediatamente a la fama gracias a la intriga que despertaban sus relatos seriados. Dickens se convirtió en uno de los novelistas más prolíficos del período Victoriano, dedicando la mayor parte de su vida a la creación de obras de ficción. Su amor por la escritura lo caracterizó de tal manera que inclusive se cree que dormía con su cabeza apuntando al norte como cábala para escribir mejor.

Según el diccionario de Oxford (la versión inglesa de la Real Academia Española), el novelista introdujo alrededor de 247 palabras nuevas al vocabulario inglés, todo gracias a la popularización de su trabajo. Sus trabajos más conocidos como “David Copperfield”, “Historia de Dos Ciudades”, “Oliver Twist” y “Un Cuento de Navidad” se instalaron en la cultura pop con tal  trascendencia que el cine los sigue interpretando como clásicos de culto. Lo último que escribió fue “El misterio de Edwin Drood”, la historia que contaba los pormenores de la misteriosa desaparición de un niño huérfano. Su muerte, que dejó sin final la novela, causó una de las polémicas más grandes de la literatura inglesa: ¿qué era lo que finalmente destinaba Dickens para su Edwin Drood?

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George Orwell: A 72 años de 1984

Un día como hoy, hace 72 años, el escritor británico George Orwell publicó 1984, una de las novelas de ficción distópica más importantes de la historia. La obra creó y fijó conceptos muy originales para la época que luego se convertirían en ejes centrales del debate antropológico y científico. Orwell inventó una sociedad en una Londres del futuro, de corte fascista. Los habitantes del planeta, incluidos en un plan global de control absoluto, son observados las 24 horas por una figura vigilante llamada Gran Hermano. El escritor incluyó temáticas narrativas ficticias para criticar la realidad de los estados dictatoriales.

En sus páginas se condenan cuestiones como: totalitarismo, manipulación informativa, represión política y acecho masivo del pensamiento. Winston Smith, el personaje principal, es un burócrata que tiene como misión principal reescribir los hechos de la historia para que coincidan con la armonía del Ingsoc, el único partido gobernante. El uso de la ironía y la metáfora a lo largo de la narración, avanzan en el terreno de la denuncia social contra el autoritarismo. La novela fue catalogada por los críticos como “una claustrofóbica fábula del totalitarismo”, creando fuertes controversias sobre la vida en sociedad. Los personajes, obedeciendo a la figura omnipresente del Gran Hermano, pierden su valor individual y su privacidad. De esta manera, Orwell criticó las maneras del comunismo stalinista. 

“No creo que la sociedad que describo vaya a pasar forzosamente; lo que sí creo, si se tiene en cuenta que el libro es una sátira, es que puede ocurrir algo parecido”, declaró el intelectual británico sobre su propia obra. Orwell escribió la novela en la isla de Jura, Escocia, entre 1947 y 1948, mientras padecía tuberculosis. Esa enfermedad terminaría con su vida un año después, el 21 de enero de 1950. 

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

Un día como hoy, hace 72 años, el escritor británico George Orwell publicó 1984, una de las novelas de ficción distópica más importantes de la historia. La obra creó y fijó conceptos muy originales para la época que luego se convertirían en ejes centrales del debate antropológico y científico. Orwell inventó una sociedad en una Londres del futuro, de corte fascista. Los habitantes del planeta, incluidos en un plan global de control absoluto, son observados las 24 horas por una figura vigilante llamada Gran Hermano. El escritor incluyó temáticas narrativas ficticias para criticar la realidad de los estados dictatoriales.

En sus páginas se condenan cuestiones como: totalitarismo, manipulación informativa, represión política y acecho masivo del pensamiento. Winston Smith, el personaje principal, es un burócrata que tiene como misión principal reescribir los hechos de la historia para que coincidan con la armonía del Ingsoc, el único partido gobernante. El uso de la ironía y la metáfora a lo largo de la narración, avanzan en el terreno de la denuncia social contra el autoritarismo. La novela fue catalogada por los críticos como “una claustrofóbica fábula del totalitarismo”, creando fuertes controversias sobre la vida en sociedad. Los personajes, obedeciendo a la figura omnipresente del Gran Hermano, pierden su valor individual y su privacidad. De esta manera, Orwell criticó las maneras del comunismo stalinista. 

“No creo que la sociedad que describo vaya a pasar forzosamente; lo que sí creo, si se tiene en cuenta que el libro es una sátira, es que puede ocurrir algo parecido”, declaró el intelectual británico sobre su propia obra. Orwell escribió la novela en la isla de Jura, Escocia, entre 1947 y 1948, mientras padecía tuberculosis. Esa enfermedad terminaría con su vida un año después, el 21 de enero de 1950. 

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

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Eduardo Aliverti recomienda "su podio de lecturas"

Eduardo Aliverti, locutor, periodista y docente, visitó Biblioteca IP para compartir su "podio de lecturas", en el que se destacan autores como Borges, Alemán y Bukowski. 

El primer libro de los elegidos por el periodista es "Fervor de Buenos Aires", escrito por Jorge Luis Borges: "Es uno de los escritores que más me apasiona porque no puedo parar de admirarlo. Nunca deja de sorprenderme. Hay escritores que te cansan, que se vuelven predecibles. En el caso de Borges, uno vuelve siempre a él". Sobre el libro, dice: "Lo destaqué porque me cautiva su poesía. La construcción de las figuras que hace Borges te hace descubrir cosas cada vez que lo vas leyendo, no deja de conmoverme". Y agrega: "Universalmente, Borges va a ser considerado a la altura de Shakespeare o de Cervantes".

"Capitalismo: crimen perfecto o emancipación" de Jorge Alemán, el segundo libro analizado por Eduardo Aliverti. "Jorge tiene una capacidad de pensamiento crítica muy basta; pero sobre todo, desafía. Lo que plantea en este libro es que el capitalismo no tiene adversario. Eso plantea una nueva escena respecto a este momento particular que está viviendo la humanidad". Profundiza: "La palabra emancipación alude esencialmente a pensar cómo emanciparse de la lógica impuesta de manera universal", concluye.

La tercera obra corresponde al autor de Charles Bukowski: "Hollywood", publicado en 1989"Es el admirador de los fracasados, de los perdedores", explica el periodista. "Cuando uno piensa en Bukowski es como pensar en nuestro Soriano −comenta−. Se puede establecer una suerte de hilo conceptual en cómo el se plantea irse descubriendo a medida que escribe, a lo Virginia Woolf". Sobre los detalles particulares de sus obras, argumentó: "Las frases cortas, los adjetivos contundentes, los énfasis en algunos verbos... esas son las cosas que me apasionan".

Biblioteca IP es un programa que se emite todos los fines de semana con Maxi Legnani en IP.

 

Eduardo Aliverti, locutor, periodista y docente, visitó Biblioteca IP para compartir su "podio de lecturas", en el que se destacan autores como Borges, Alemán y Bukowski. 

El primer libro de los elegidos por el periodista es "Fervor de Buenos Aires", escrito por Jorge Luis Borges: "Es uno de los escritores que más me apasiona porque no puedo parar de admirarlo. Nunca deja de sorprenderme. Hay escritores que te cansan, que se vuelven predecibles. En el caso de Borges, uno vuelve siempre a él". Sobre el libro, dice: "Lo destaqué porque me cautiva su poesía. La construcción de las figuras que hace Borges te hace descubrir cosas cada vez que lo vas leyendo, no deja de conmoverme". Y agrega: "Universalmente, Borges va a ser considerado a la altura de Shakespeare o de Cervantes".

"Capitalismo: crimen perfecto o emancipación" de Jorge Alemán, el segundo libro analizado por Eduardo Aliverti. "Jorge tiene una capacidad de pensamiento crítica muy basta; pero sobre todo, desafía. Lo que plantea en este libro es que el capitalismo no tiene adversario. Eso plantea una nueva escena respecto a este momento particular que está viviendo la humanidad". Profundiza: "La palabra emancipación alude esencialmente a pensar cómo emanciparse de la lógica impuesta de manera universal", concluye.

La tercera obra corresponde al autor de Charles Bukowski: "Hollywood", publicado en 1989"Es el admirador de los fracasados, de los perdedores", explica el periodista. "Cuando uno piensa en Bukowski es como pensar en nuestro Soriano −comenta−. Se puede establecer una suerte de hilo conceptual en cómo el se plantea irse descubriendo a medida que escribe, a lo Virginia Woolf". Sobre los detalles particulares de sus obras, argumentó: "Las frases cortas, los adjetivos contundentes, los énfasis en algunos verbos... esas son las cosas que me apasionan".

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Dan Breitman: "Recorrí toda Venecia en ojotas"

Lourdes Sánchez recorre los mejores restaurantes de la Capital Federal en "Comer para creer", los domingos al mediodía por la pantalla de IP. En esta ocasión, visitó "Olivetti", dónde se pueden degustar sabores típicos de la región de Italia. Además, la conductora entrevistó a Dan Breitman, actor, humorista, bailarín y cantante. 

"Estuve en el sur de Italia, así que algo conozco", dijo Breitman que, entre risas, contó una divertida anécdota transcurrida en Venecia. "Estábamos con unos compañeros en nuestro día libre, nos tomamos un tren para recorrer. Una de las vestuaristas llevó la cámara de fotos y me pidió que le saque una foto, pero yo antes quería tomar un poco el agua. Bajo por las escaleritas y escucho que de atrás me dicen que tenga cuidado con el "verdín". Sin darme cuenta, me tropecé y caí adentro de un canal de Venecia. La gente me aplaudía". Remató: "Metimos toda la ropa que tenía mojada en una bolsa de nylon y tuve que comprarme unas ojotas, recorrí todo Venecia en ojotas... Muy poco glamouroso". 

Respecto a su vínculo con el aislamiento pandémico, el humorista contó: "Al principio fue un poco difícil, hasta que a mitad de año me llamaron para el Cantando y enseguida dije que sí. Yo estaba feliz, el hecho de haber empezado en julio y en enero poder seguir en la pista ya me hacía feliz".

Comer para creer se emite todos los domingos en la pantalla de IP, de 12 hs a 13 hs. Podés ver el programa completo en el sitio web de Canal 9.

Lourdes Sánchez recorre los mejores restaurantes de la Capital Federal en "Comer para creer", los domingos al mediodía por la pantalla de IP. En esta ocasión, visitó "Olivetti", dónde se pueden degustar sabores típicos de la región de Italia. Además, la conductora entrevistó a Dan Breitman, actor, humorista, bailarín y cantante. 

"Estuve en el sur de Italia, así que algo conozco", dijo Breitman que, entre risas, contó una divertida anécdota transcurrida en Venecia. "Estábamos con unos compañeros en nuestro día libre, nos tomamos un tren para recorrer. Una de las vestuaristas llevó la cámara de fotos y me pidió que le saque una foto, pero yo antes quería tomar un poco el agua. Bajo por las escaleritas y escucho que de atrás me dicen que tenga cuidado con el "verdín". Sin darme cuenta, me tropecé y caí adentro de un canal de Venecia. La gente me aplaudía". Remató: "Metimos toda la ropa que tenía mojada en una bolsa de nylon y tuve que comprarme unas ojotas, recorrí todo Venecia en ojotas... Muy poco glamouroso". 

Respecto a su vínculo con el aislamiento pandémico, el humorista contó: "Al principio fue un poco difícil, hasta que a mitad de año me llamaron para el Cantando y enseguida dije que sí. Yo estaba feliz, el hecho de haber empezado en julio y en enero poder seguir en la pista ya me hacía feliz".

Comer para creer se emite todos los domingos en la pantalla de IP, de 12 hs a 13 hs. Podés ver el programa completo en el sitio web de Canal 9.

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"Me hice fotógrafa con Charly García"

La fotógrafa y artista visual, Nora Lezano, conversó con conversó de su presente creativo con Mercedes Ezquiaga, en IP Cultural para IP Noticias. Lezano, que se destacó por realizar fotos icónicas a diferentes personalidades del rock argentino, repasó Los Suicidas, la obra que armó junto al actor Rafael Ferro. "Es una serie de fotos inspiradas en el título de uno de los libros más representativos del escritor Antonio Di Benedetto. A los dos nos había gustado el libro; le tomé unas fotos a Rafa leyendo y las mezclé con otras mías que me había tomado en un retiro en Alicante. De ese cruce salió el trabajo que ya está en todas las redes", explicó la artista y agregó que le gustaría editarlo en papel. 

Además, Lezano recordó Fan, la exposición de retratos a personajes míticos del rock nacional y su trabajo visual con Gustavo Cerati para Fuerza Natural, el último disco del artista. "Me hice fotógrafa con Charly y de Gustavo soy gran admiradora desde antes de haberlo conocido. Compartir cosas con ellos fue único. Yo me rateaba del colegio para ir a la casa de Cerati para ver si podía engancharlo (risas). Nunca lo ví, pero desde joven demostré mi amor por la música", relató. 

Podés ver IP Cultural todos los sábados a las 16 hs por la pantalla de IP

La fotógrafa y artista visual, Nora Lezano, conversó con conversó de su presente creativo con Mercedes Ezquiaga, en IP Cultural para IP Noticias. Lezano, que se destacó por realizar fotos icónicas a diferentes personalidades del rock argentino, repasó Los Suicidas, la obra que armó junto al actor Rafael Ferro. "Es una serie de fotos inspiradas en el título de uno de los libros más representativos del escritor Antonio Di Benedetto. A los dos nos había gustado el libro; le tomé unas fotos a Rafa leyendo y las mezclé con otras mías que me había tomado en un retiro en Alicante. De ese cruce salió el trabajo que ya está en todas las redes", explicó la artista y agregó que le gustaría editarlo en papel. 

Además, Lezano recordó Fan, la exposición de retratos a personajes míticos del rock nacional y su trabajo visual con Gustavo Cerati para Fuerza Natural, el último disco del artista. "Me hice fotógrafa con Charly y de Gustavo soy gran admiradora desde antes de haberlo conocido. Compartir cosas con ellos fue único. Yo me rateaba del colegio para ir a la casa de Cerati para ver si podía engancharlo (risas). Nunca lo ví, pero desde joven demostré mi amor por la música", relató. 

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"Escribo para que los demás me encuentren"

Gigliola Zecchin, popularmente conocida como "Canela", en diálogo con Biblioteca IP para compartir el detrás de su libro "Poesía reunida". Desde su rol de periodista cultural, escritora y editora realizó esta compaginación de su obra que se propone relatar su perspectiva del mundo "hacía atrás", desde el presente hasta el año 2000; el cual fue el inicio de su búsqueda en el arte poético.

"El libro habla de cómo la poesía me interpela a mi" relata Canela sobre su manera de pensarse como escritora ante su audiencia. "No puedo hablar de mi misma porque para eso escribo, para que lo demás me encuentren" dijo. Además, contó cómo abarcó la tarea de la escritura durante toda su vida: "escribo desde pequeña, mi madre hablaba en proverbios" comentó y recordó, a su vez, su infancia en Italia y la presencia de su madre como musa inspiracional y gestora de su arte. "Soy autora de los guiones de casi todos mis programas", expuso y sumó "con mi marido escribíamos poesía y eso nos enamoró". En la vida de Canela, la poesía y la palabra abarcan de manera transversal cada una de sus vivencias. "Recién en el año 2000 yo empecé a retomar lo que estaba escribiendo y noté que no estaba escribiendo nada nuevo. Saqué todas las hojas del escritorio, tomé una y empecé a trabajar sobre la poesía", comentó en referencia a cómo comenzó el proceso de su libro "Poesía reunida". "No le quiero contar a nadie lo que veo, quiero vivirlo" concluyó en referencia a su punto de partida para la creación de su prosa poética. 

Biblioteca IP es un programa que se emite todos los fines de semana con Maxi Legnani en IP.
 

Gigliola Zecchin, popularmente conocida como "Canela", en diálogo con Biblioteca IP para compartir el detrás de su libro "Poesía reunida". Desde su rol de periodista cultural, escritora y editora realizó esta compaginación de su obra que se propone relatar su perspectiva del mundo "hacía atrás", desde el presente hasta el año 2000; el cual fue el inicio de su búsqueda en el arte poético.

"El libro habla de cómo la poesía me interpela a mi" relata Canela sobre su manera de pensarse como escritora ante su audiencia. "No puedo hablar de mi misma porque para eso escribo, para que lo demás me encuentren" dijo. Además, contó cómo abarcó la tarea de la escritura durante toda su vida: "escribo desde pequeña, mi madre hablaba en proverbios" comentó y recordó, a su vez, su infancia en Italia y la presencia de su madre como musa inspiracional y gestora de su arte. "Soy autora de los guiones de casi todos mis programas", expuso y sumó "con mi marido escribíamos poesía y eso nos enamoró". En la vida de Canela, la poesía y la palabra abarcan de manera transversal cada una de sus vivencias. "Recién en el año 2000 yo empecé a retomar lo que estaba escribiendo y noté que no estaba escribiendo nada nuevo. Saqué todas las hojas del escritorio, tomé una y empecé a trabajar sobre la poesía", comentó en referencia a cómo comenzó el proceso de su libro "Poesía reunida". "No le quiero contar a nadie lo que veo, quiero vivirlo" concluyó en referencia a su punto de partida para la creación de su prosa poética. 

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Leonardo Favio: el genio del cine argentino

Un 28 de mayo de 1938, nació en Las Catitas, Mendoza, Fuad Jorge Jury Olivera, conocido por todos como Leonardo Favio. Artista destacado y multifacético, se destacó por ser cantautor, guionista, actor y uno de los más grandes directores de cine del país. Considerado “de culto” en Latinoamérica y el mundo por su extensa y brillante filmografía, Favio marcó para siempre la historia del cine local. Llegó a Buenos Aires en 1958 y probó suerte como extra en la película El Ángel de España, dirigida por Enrique Carreras, uno de sus maestros junto a Leopoldo Torre Nilsson. Su pasión y compromiso por el cine lo llevó a dirigir muy joven. Crónica de un niño solo (1968) fue su primera producción, considerada por la crítica como la mejor película de la historia del cine argentino. 

Al éxito en pantalla grande se le sumó el prestigio internacional como cantante. El mismo año del estreno de su primera cinta, Favio publicó Fuiste mía un verano, su primer álbum de canciones románticas que lo catapultó a la fama en toda América. El asedio de los fans y las giras, agobiaban su personalidad relajada e íntima por lo que decidió dejar los escenarios para dedicarse de lleno al cine. La decisión fue acertada: sus filmes Juan Moreira (1973) y Nazareno Cruz y el lobo (1975), representaron un hito cinematográfico sin igual, llegando con Nazareno a ser la cinta más vista en salas con 3.600 mil espectadores. 

La dictadura cívico-militar argentina de 1976 lo persiguió por su fuerte compromiso con la militancia peronista a favor de los más necesitados. Durante esos años oscuros, el artista se exilió en Colombia, realizando giras por toda Latinoamérica. Regresó en 1987 para producir Gatica el Mono, estrenada en 1993 con excelentes críticas. Luego vinieron: Perón, sinfonía del sentimiento (1999) y Aniceto (2008) su última película. Falleció de neumonía el 5 de noviembre de 2012, a los 74 años. "Si hay algo que le pido a Dios, es amar todavía más a la gente. A los que no tienen posibilidades de ser escuchados. Estar con ellos; caminar con ellos. No hay ningún misterio; todo es cuestión de amor", es una de sus frases que reflejó aquel legado de esperanza y compromiso social que siempre supo mostrar. 

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

 

Un 28 de mayo de 1938, nació en Las Catitas, Mendoza, Fuad Jorge Jury Olivera, conocido por todos como Leonardo Favio. Artista destacado y multifacético, se destacó por ser cantautor, guionista, actor y uno de los más grandes directores de cine del país. Considerado “de culto” en Latinoamérica y el mundo por su extensa y brillante filmografía, Favio marcó para siempre la historia del cine local. Llegó a Buenos Aires en 1958 y probó suerte como extra en la película El Ángel de España, dirigida por Enrique Carreras, uno de sus maestros junto a Leopoldo Torre Nilsson. Su pasión y compromiso por el cine lo llevó a dirigir muy joven. Crónica de un niño solo (1968) fue su primera producción, considerada por la crítica como la mejor película de la historia del cine argentino. 

Al éxito en pantalla grande se le sumó el prestigio internacional como cantante. El mismo año del estreno de su primera cinta, Favio publicó Fuiste mía un verano, su primer álbum de canciones románticas que lo catapultó a la fama en toda América. El asedio de los fans y las giras, agobiaban su personalidad relajada e íntima por lo que decidió dejar los escenarios para dedicarse de lleno al cine. La decisión fue acertada: sus filmes Juan Moreira (1973) y Nazareno Cruz y el lobo (1975), representaron un hito cinematográfico sin igual, llegando con Nazareno a ser la cinta más vista en salas con 3.600 mil espectadores. 

La dictadura cívico-militar argentina de 1976 lo persiguió por su fuerte compromiso con la militancia peronista a favor de los más necesitados. Durante esos años oscuros, el artista se exilió en Colombia, realizando giras por toda Latinoamérica. Regresó en 1987 para producir Gatica el Mono, estrenada en 1993 con excelentes críticas. Luego vinieron: Perón, sinfonía del sentimiento (1999) y Aniceto (2008) su última película. Falleció de neumonía el 5 de noviembre de 2012, a los 74 años. "Si hay algo que le pido a Dios, es amar todavía más a la gente. A los que no tienen posibilidades de ser escuchados. Estar con ellos; caminar con ellos. No hay ningún misterio; todo es cuestión de amor", es una de sus frases que reflejó aquel legado de esperanza y compromiso social que siempre supo mostrar. 

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Oscar Wilde: el calvario del escritor condenado por su orientación sexual

Un 27 de mayo de 1896, el escritor irlandés Oscar Wilde fue condenado a prisión por ser homosexual. Radicado desde muy joven en Londres, donde ejerció su profesión de periodista, fue en esa ciudad que, en el tope de su fama, tuvo que padecer un infierno. Wilde era una celebridad en la ciudad: reconocido por el éxito de sus puestas teatrales y su inteligencia en las tertulias de la época. En 1896, a poco de haberse estrenado La importancia de llamarse Ernesto, una de sus obras maestras, el escritor comenzó un romance con lord Alfred Douglas, el hijo del marqués de Queensberry, quien le envió una carta tratándolo de sodomita.

Wilde tomó la posta y denunció al marqués por calumnias, pero el juicio se le dio vuelta. Los jueces no solo desestimaron su acusación, sino que se le inició otro proceso en su contra, por sodomía y grave indecencia. El resultado fue el castigo del Tribunal a dos años de trabajos forzados en la Cárcel de Reading. Las crónicas de la época indican que los británicos estaban muy atrasados en cuestiones de derechos individuales y que la sentencia intentó ser un ejemplo para erradicar esas prácticas de la sociedad. Esto generó una mayor intolerancia sexual en toda Europa, con la persecución de artistas homosexuales y condenas con el mismo carácter de injusticia.

Los últimos días y "La balada de la cárcel de Reading"

El dramaturgo vivió su período en la cárcel de la peor manera: su cuerpo quedó deteriorado debido a los castigos constantes dentro del recinto. Sin embargo, eso no le impidió escribir una de sus mejores obras: "La balada de la cárcel de Reading", donde reafirma valientemente su amor por Douglas. Años más tarde, el brillante hombre de letras moriría en un hotel de París, abandonado y sin dinero. El tiempo se encargaría de restaurar su obra y su legado como un ejemplo, no solamente de talento literario, sino de lucha por los derechos de las personas. 

​​Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

Un 27 de mayo de 1896, el escritor irlandés Oscar Wilde fue condenado a prisión por ser homosexual. Radicado desde muy joven en Londres, donde ejerció su profesión de periodista, fue en esa ciudad que, en el tope de su fama, tuvo que padecer un infierno. Wilde era una celebridad en la ciudad: reconocido por el éxito de sus puestas teatrales y su inteligencia en las tertulias de la época. En 1896, a poco de haberse estrenado La importancia de llamarse Ernesto, una de sus obras maestras, el escritor comenzó un romance con lord Alfred Douglas, el hijo del marqués de Queensberry, quien le envió una carta tratándolo de sodomita.

Wilde tomó la posta y denunció al marqués por calumnias, pero el juicio se le dio vuelta. Los jueces no solo desestimaron su acusación, sino que se le inició otro proceso en su contra, por sodomía y grave indecencia. El resultado fue el castigo del Tribunal a dos años de trabajos forzados en la Cárcel de Reading. Las crónicas de la época indican que los británicos estaban muy atrasados en cuestiones de derechos individuales y que la sentencia intentó ser un ejemplo para erradicar esas prácticas de la sociedad. Esto generó una mayor intolerancia sexual en toda Europa, con la persecución de artistas homosexuales y condenas con el mismo carácter de injusticia.

Los últimos días y "La balada de la cárcel de Reading"

El dramaturgo vivió su período en la cárcel de la peor manera: su cuerpo quedó deteriorado debido a los castigos constantes dentro del recinto. Sin embargo, eso no le impidió escribir una de sus mejores obras: "La balada de la cárcel de Reading", donde reafirma valientemente su amor por Douglas. Años más tarde, el brillante hombre de letras moriría en un hotel de París, abandonado y sin dinero. El tiempo se encargaría de restaurar su obra y su legado como un ejemplo, no solamente de talento literario, sino de lucha por los derechos de las personas. 

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Dalia Gutmann: "Quería ser Betty Elizalde, pero mis papelones me llevaron a hacer reír"

La actriz Dalia Gutmann conversó de su actualidad artística con Nicolás Artusi, en la sección Café del Día de Imagen Positiva. La comediante entregó algunos detalles de Ida y Vuelta, el nuevo programa de entrevistas que la tendrá como conductora, los viernes a las 12hs. por Canal (á). "Antes que todo quise ser una locutora seria; quería ser Betty Elizalde, pero mis papelones me llevaron a hacer reír. Por eso esta es una buena oportunidad para mezclar esos dos mundos que tanto me gustan", declaró. 

Además, confesó que tuvo una preparación importante para jugar su nuevo rol con profesionalismo. "Me tocó entrevistar a gente muy grosa pero que no sabía nada de ellos; era un desafío leer antes para estar bien informada y preguntar desde ese lugar me pareció un trabajo realmente apasionante", sintetizó. También señaló que nunca dejó de lado su espontaneidad a la hora de realizar las entrevistas, para que las conversaciones fluyan desde un lugar de confianza mutua. "Parezco re volada y espontánea pero soy re obsesiva. Lo que intento es compensar la obsesión con la espontaneidad, porque en el fondo se muy bien hacia dónde llevar el diálogo", remató. 

Podés ver Imagen Positiva de lunes a viernes con Paloma Bosker y Nicolás Artusi de 9 hs a 12 hs por IP Noticias

La actriz Dalia Gutmann conversó de su actualidad artística con Nicolás Artusi, en la sección Café del Día de Imagen Positiva. La comediante entregó algunos detalles de Ida y Vuelta, el nuevo programa de entrevistas que la tendrá como conductora, los viernes a las 12hs. por Canal (á). "Antes que todo quise ser una locutora seria; quería ser Betty Elizalde, pero mis papelones me llevaron a hacer reír. Por eso esta es una buena oportunidad para mezclar esos dos mundos que tanto me gustan", declaró. 

Además, confesó que tuvo una preparación importante para jugar su nuevo rol con profesionalismo. "Me tocó entrevistar a gente muy grosa pero que no sabía nada de ellos; era un desafío leer antes para estar bien informada y preguntar desde ese lugar me pareció un trabajo realmente apasionante", sintetizó. También señaló que nunca dejó de lado su espontaneidad a la hora de realizar las entrevistas, para que las conversaciones fluyan desde un lugar de confianza mutua. "Parezco re volada y espontánea pero soy re obsesiva. Lo que intento es compensar la obsesión con la espontaneidad, porque en el fondo se muy bien hacia dónde llevar el diálogo", remató. 

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Martín Ron: de pintar a Tévez en Fuerte Apache a muralista top en el mundo

Martín Ron asegura que no le gustan los rankings, pero siempre que en el mundo se habla de muralistas, él siempre aparece entre los diez mejores. Martín es cofundador del programa "Embellecimiento Urbano" y​ fue el primero en pintar un mural de grandes dimensiones. En una entrevista íntima con Mercedes Ezquiaga en IP Cultural habló de sus trabajos y de su futuro. 

Ron pintó el mural más grande de Argentina. Días antes de que empiece la cuarentena en el 2020, pintó en Banfield un mural de más de 50 metros de alto. Sobre esto el artista, un poco en broma y otro poco en serio, dice: "si lo pienso dos veces no me subiría, el miedo siempre me acompaña". Este año, volvió a zona sur para sorprender con otro mural: "uno fue hecho antes de la pandemia y el otro durante. Los murales de Banfield hablan de dos mundos diferentes" señala.

Martín es ese artista que no se cansa de superarse a sí mismo. El próximo paso es pintar un mural de 98 metros de altura en la calle Corrientes, en pleno centro porteño. Para realizar esta obra, va a necesitar casi 300 litros de pintura. Todavía no está definido el diseño pero seguro, como siempre, va a sorprender.       

Podés ver IP Cultural todos los sábados a las 16 hs por la pantalla de IP Noticias

Martín Ron asegura que no le gustan los rankings, pero siempre que en el mundo se habla de muralistas, él siempre aparece entre los diez mejores. Martín es cofundador del programa "Embellecimiento Urbano" y​ fue el primero en pintar un mural de grandes dimensiones. En una entrevista íntima con Mercedes Ezquiaga en IP Cultural habló de sus trabajos y de su futuro. 

Ron pintó el mural más grande de Argentina. Días antes de que empiece la cuarentena en el 2020, pintó en Banfield un mural de más de 50 metros de alto. Sobre esto el artista, un poco en broma y otro poco en serio, dice: "si lo pienso dos veces no me subiría, el miedo siempre me acompaña". Este año, volvió a zona sur para sorprender con otro mural: "uno fue hecho antes de la pandemia y el otro durante. Los murales de Banfield hablan de dos mundos diferentes" señala.

Martín es ese artista que no se cansa de superarse a sí mismo. El próximo paso es pintar un mural de 98 metros de altura en la calle Corrientes, en pleno centro porteño. Para realizar esta obra, va a necesitar casi 300 litros de pintura. Todavía no está definido el diseño pero seguro, como siempre, va a sorprender.       

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Coco Sily: "mi estilo coloquial y simpático es lo que me identifica con la gente"

El actor Fernando Coco Sily participó del ciclo Café del día con Nicolás Artusi para Imagen Positiva por IP. El artista hizo un repaso por su larga trayectoria y recordó algunos éxitos que lo marcaron significativamente. "Con Los Roldán tuvimos 45 puntos de rating, pero todos me recuerdan Compatriotas el programa que hicimos en 2004 con Pedro Saborido y Daniel Aráoz", sentenció. 

También se refirió a presente como conductor de Fuerte al medio, el programa que se emite todos los días de 12 a 15 hs. por AM Radio 10. "Estuve diez años haciendo FM y venía con un ritmo tranquilo. Cuando me proponen lo de Radio 10 les aclaré que no tenía el rigor periodístico que tal vez estaban buscando y me aclararon que querían algo más distendido; por eso acepté", le contó a Nico Artusi. "Es un ritmo de locos. No quiero perder mi estilo coloquial y simpático, que es lo que mejor me sale y más me identifica con la gente", agregó. 

Sily presentará El Rey del streaming, un espectáculo online en vivo con la participación de su colega y amigo Daniel Aráoz. "Daniel es el tío de mis hijos y la relación perduró en el tiempo más allá del trabajo. El streaming es mío y lo invité a él a participar. Puedo anticipar que vamos a hacer dos personajes de un cuento de Fontanarrosa que nos parece impresionante". 

Podés ver Imagen Positiva de lunes a viernes con Paloma Bosker y Nicolás Artusi de 9 hs a 12 hs por IP Noticias

El actor Fernando Coco Sily participó del ciclo Café del día con Nicolás Artusi para Imagen Positiva por IP. El artista hizo un repaso por su larga trayectoria y recordó algunos éxitos que lo marcaron significativamente. "Con Los Roldán tuvimos 45 puntos de rating, pero todos me recuerdan Compatriotas el programa que hicimos en 2004 con Pedro Saborido y Daniel Aráoz", sentenció. 

También se refirió a presente como conductor de Fuerte al medio, el programa que se emite todos los días de 12 a 15 hs. por AM Radio 10. "Estuve diez años haciendo FM y venía con un ritmo tranquilo. Cuando me proponen lo de Radio 10 les aclaré que no tenía el rigor periodístico que tal vez estaban buscando y me aclararon que querían algo más distendido; por eso acepté", le contó a Nico Artusi. "Es un ritmo de locos. No quiero perder mi estilo coloquial y simpático, que es lo que mejor me sale y más me identifica con la gente", agregó. 

Sily presentará El Rey del streaming, un espectáculo online en vivo con la participación de su colega y amigo Daniel Aráoz. "Daniel es el tío de mis hijos y la relación perduró en el tiempo más allá del trabajo. El streaming es mío y lo invité a él a participar. Puedo anticipar que vamos a hacer dos personajes de un cuento de Fontanarrosa que nos parece impresionante". 

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El día en que partió Chet Baker, un ángel triste del jazz

Chesney Henry Baker Jr. nació en Yale, Oklahoma, el 23 de diciembre de 1929. Es reconocido como uno de los artistas del jazz más representativos de la historia. Apodado como el James Dean del jazz por su buen porte, Chet Baker fue un talento innato. Su aventura terminó el 13 de mayo de 1988, a los 58 años. Baker cayó semi inconsciente bajo los efectos de las drogas por la ventana de un hotel, en Ámsterdam. 

Trompetista y cantante, el músico estadounidense inició sus interpretaciones de manera autodidacta. Sus melodías nostálgicas derivadas del estilo West Coast de los años '50, hicieron que la crítica lo ubicara en el olimpo de la música improvisada junto a Gerry Mulligan, Charlie Parker y Miles Davis. Su elegancia e intimidad interpretativa lo llevaron de inmediato a tocar con las agrupaciones de Mulligan y Parker. En 1953 el productor musical Dick Bock lo escuchó cantando en un club nocturno y le propuso grabar un disco con su voz. Baker aceptó y el experimento fue un éxito. A partir de ese momento, Baker empezó a cantar en sus discos, con una voz nostálgica e inconfundible que le abrió nuevos públicos en Europa y Estados Unidos. 

También conocido como El Elvis blanco del jazz, vivió sus años de gloria y reconocimiento agobiado por la heroína. En los años ´60 vivió en Europa, alternando giras en Francia, Alemania, Holanda y España. 

Fue Dizzy Gillespie, su colega y amigo, que logró ayudarlo a controlar su adicción, con dosis de metadona. En 1973, cuando parecía que su carrera había terminado, Baker regresó a los escenarios. La primera actuación la realizó en un club nocturno de Nueva York y la otra durante un concierto de Gerry Mulligan en el Carnegie Hall, en 1974. Considerado un nómada del jazz y de la vida, pasó el resto de su vida viajando, tocando y enfrentando sus fantasmas de adicciones y maltrato a las mujeres con las que salía. Será recordado por la nostalgia en cada una de sus notas, en sintonía con su propia vida.

Chesney Henry Baker Jr. nació en Yale, Oklahoma, el 23 de diciembre de 1929. Es reconocido como uno de los artistas del jazz más representativos de la historia. Apodado como el James Dean del jazz por su buen porte, Chet Baker fue un talento innato. Su aventura terminó el 13 de mayo de 1988, a los 58 años. Baker cayó semi inconsciente bajo los efectos de las drogas por la ventana de un hotel, en Ámsterdam. 

Trompetista y cantante, el músico estadounidense inició sus interpretaciones de manera autodidacta. Sus melodías nostálgicas derivadas del estilo West Coast de los años '50, hicieron que la crítica lo ubicara en el olimpo de la música improvisada junto a Gerry Mulligan, Charlie Parker y Miles Davis. Su elegancia e intimidad interpretativa lo llevaron de inmediato a tocar con las agrupaciones de Mulligan y Parker. En 1953 el productor musical Dick Bock lo escuchó cantando en un club nocturno y le propuso grabar un disco con su voz. Baker aceptó y el experimento fue un éxito. A partir de ese momento, Baker empezó a cantar en sus discos, con una voz nostálgica e inconfundible que le abrió nuevos públicos en Europa y Estados Unidos. 

También conocido como El Elvis blanco del jazz, vivió sus años de gloria y reconocimiento agobiado por la heroína. En los años ´60 vivió en Europa, alternando giras en Francia, Alemania, Holanda y España. 

Fue Dizzy Gillespie, su colega y amigo, que logró ayudarlo a controlar su adicción, con dosis de metadona. En 1973, cuando parecía que su carrera había terminado, Baker regresó a los escenarios. La primera actuación la realizó en un club nocturno de Nueva York y la otra durante un concierto de Gerry Mulligan en el Carnegie Hall, en 1974. Considerado un nómada del jazz y de la vida, pasó el resto de su vida viajando, tocando y enfrentando sus fantasmas de adicciones y maltrato a las mujeres con las que salía. Será recordado por la nostalgia en cada una de sus notas, en sintonía con su propia vida.

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Antonio Berni, un artista que pintó oro con basura

Antonio Berni nació un 14 de mayo de 1905 para revolucionar la historia artística nacional. El pintor, oriundo de Rosario, tuvo su primer contacto artístico a los nueve años, cuando ingresó al taller de vitrales Bruxadera y Cía. El dueño del lugar le introdujo al Centro Catalán de la región para que se animara a tomar clases de pintura.

Gracias a ese pequeño empujón, Berni expuso una galería a sus 15 años y en 1923 volvió a hacerlo en la galería Witcomb de Buenos Aires, donde impresionó a toda la prensa nacional. No mucho después ganó una beca para estudiar en Europa, donde cambió y formó toda su perspectiva. Después de todo, fue allí donde quedó ilusionado con el movimiento surrealista y comenzó a estudiar la teoría marxista con Henri Lefebvre. Pero cuando volvió al país, se encontró con una Argentina azotada por la desocupación y la desigualdad social.

Descartó rápidamente al surrealismo y comenzó a moverse en los circuitos del “nuevo realismo”, movimiento que le ayudó a describir la situación social de las clases trabajadoras del país mediante obras como “Manifestación”, que realizó en 1934.

De sus viajes por las provincias comenzó la narrativa visual de Juanito Laguna, un niño ficticio de clase baja. Berni lo retrataba en escenas cotidianas que evidenciaba su situación de pobreza como metáfora del desasosiego que existía en las clases más vulnerables. A partir de esa narrativa también encontró a Ramona Montiel, un personaje que caracterizaba con un tenor menos inocente que a Juanito: la joven había tenido que incurrir al trabajo sexual como manera de subsistencia. Se cree que Berni realizó un estudio fotográfico de distintos prostíbulos para inspirarse y crear las condiciones de Ramona.

Pero lo más llamativo de estas obras, era el medio que elegía para representarlos: “Yo andaba haciendo apuntes por las barriadas y advertí que no me alcanzaba la pintura en sí para llegar a la intensidad expresiva que buscaba. Por eso empecé a buscar de la calle lo que encontraba y lo iba incorporando a la tela”, describió en una entrevista.

Sí, Berni comenzó a “pintar” con basura. Pero esa revolución del soporte artístico lo llevó a los panteones históricos de la expresión realista. El “nuevo realismo” del rosarino sentó una de las bases más importantes en el arte nacional e inspiró a miles de personas a pensar en la pintura más allá de los soportes tradicionales.

 

Antonio Berni nació un 14 de mayo de 1905 para revolucionar la historia artística nacional. El pintor, oriundo de Rosario, tuvo su primer contacto artístico a los nueve años, cuando ingresó al taller de vitrales Bruxadera y Cía. El dueño del lugar le introdujo al Centro Catalán de la región para que se animara a tomar clases de pintura.

Gracias a ese pequeño empujón, Berni expuso una galería a sus 15 años y en 1923 volvió a hacerlo en la galería Witcomb de Buenos Aires, donde impresionó a toda la prensa nacional. No mucho después ganó una beca para estudiar en Europa, donde cambió y formó toda su perspectiva. Después de todo, fue allí donde quedó ilusionado con el movimiento surrealista y comenzó a estudiar la teoría marxista con Henri Lefebvre. Pero cuando volvió al país, se encontró con una Argentina azotada por la desocupación y la desigualdad social.

Descartó rápidamente al surrealismo y comenzó a moverse en los circuitos del “nuevo realismo”, movimiento que le ayudó a describir la situación social de las clases trabajadoras del país mediante obras como “Manifestación”, que realizó en 1934.

De sus viajes por las provincias comenzó la narrativa visual de Juanito Laguna, un niño ficticio de clase baja. Berni lo retrataba en escenas cotidianas que evidenciaba su situación de pobreza como metáfora del desasosiego que existía en las clases más vulnerables. A partir de esa narrativa también encontró a Ramona Montiel, un personaje que caracterizaba con un tenor menos inocente que a Juanito: la joven había tenido que incurrir al trabajo sexual como manera de subsistencia. Se cree que Berni realizó un estudio fotográfico de distintos prostíbulos para inspirarse y crear las condiciones de Ramona.

Pero lo más llamativo de estas obras, era el medio que elegía para representarlos: “Yo andaba haciendo apuntes por las barriadas y advertí que no me alcanzaba la pintura en sí para llegar a la intensidad expresiva que buscaba. Por eso empecé a buscar de la calle lo que encontraba y lo iba incorporando a la tela”, describió en una entrevista.

Sí, Berni comenzó a “pintar” con basura. Pero esa revolución del soporte artístico lo llevó a los panteones históricos de la expresión realista. El “nuevo realismo” del rosarino sentó una de las bases más importantes en el arte nacional e inspiró a miles de personas a pensar en la pintura más allá de los soportes tradicionales.

 

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"Diego Iluminado", el mural homenaje a Diego Maradona

La obra "Diego iluminado", del artista Alejandro Marmo, será inaugurada por la diputada del Frente de Todos, Gisela Marziotta, este sábado a las 17:30hs, en el Club Villa Mitre de la Ciudad de Buenos Aires. 

El artista es reconocido por sus obras de figuras populares como el mural de Evita en la 9 de Julio.  En esa misma avenida también realizó instalaciones del padre Carlos Mujica y al escritor y político Arturo Jauretche. También llevó instalaciones al Vaticano y América Latina.

"Diego iluminado", es una escultura con un estilo similar a la de Eva Perón ubicada en el Ministerio de Trabajo de la Nación. Marmó realizó una donación de la obra del astro del fútbol mundial. La misma irá rotando por distintos clubes barriales. 

Desde la organización indicaron que, debido a la emergencia sanitaria, será un evento sin público. 
 

 

La obra "Diego iluminado", del artista Alejandro Marmo, será inaugurada por la diputada del Frente de Todos, Gisela Marziotta, este sábado a las 17:30hs, en el Club Villa Mitre de la Ciudad de Buenos Aires. 

El artista es reconocido por sus obras de figuras populares como el mural de Evita en la 9 de Julio.  En esa misma avenida también realizó instalaciones del padre Carlos Mujica y al escritor y político Arturo Jauretche. También llevó instalaciones al Vaticano y América Latina.

"Diego iluminado", es una escultura con un estilo similar a la de Eva Perón ubicada en el Ministerio de Trabajo de la Nación. Marmó realizó una donación de la obra del astro del fútbol mundial. La misma irá rotando por distintos clubes barriales. 

Desde la organización indicaron que, debido a la emergencia sanitaria, será un evento sin público. 
 

 

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Martín Sastre: de Nasha Natasha a crear Lala, una moneda digital para artistas

Martín Sastre es director de cine y artista uruguayo. El año pasado estrenó en Netflix Nasha Natasha, el documental sobre la gira de Natalia Oreiro en Rusia que dirigió y fue un éxito. En diálogo con Valeria Delgado en IP Cultural, contó cómo vivió ese furor. cómo fue su vida en pandemia y por qué dicen que fue un visionario.

Antes de que llegue el coronavirus al planeta y que la vida se digitalice, Martín empezó a pensar un proyecto que hoy cobró mucho sentido. Se trata de Lala, una moneda digital pensada para los artistas, el uruguayo cuenta "la idea siempre fue hacer una moneda digital que se respalde en el trabajo de los y las artistas. Que pusiera en valor el proceso creativo". Desde la plataforma los artistas comparten su proceso creativo a cambio de sus monedas que compran los subscriptores. Para Martín esta es una manera de poner en valor el trabajo de los y las artistas y alejarse del prejuicio de pensar que los artistas "tienen que vivir mal para crear bien"

Además de haber sido un visionario, Sastre estuvo en boca de todos en el 2020 cuando se estreno Nasha Natasha. El director cuenta: "fue un proyecto muy lindo. Muy de verdad. Fue acompañar a una de mis mejores amigas en una gira". Él la acompañó toda la gira y recuerda "atravesar Rusia de esa forma, en pleno invierno, fue como estar en la Rusia de los cuentos populares"

Podés ver IP Cultural, conducido por Valeria Delgado, todos los sábados a las 17 hs por la pantalla de IP.

Martín Sastre es director de cine y artista uruguayo. El año pasado estrenó en Netflix Nasha Natasha, el documental sobre la gira de Natalia Oreiro en Rusia que dirigió y fue un éxito. En diálogo con Valeria Delgado en IP Cultural, contó cómo vivió ese furor. cómo fue su vida en pandemia y por qué dicen que fue un visionario.

Antes de que llegue el coronavirus al planeta y que la vida se digitalice, Martín empezó a pensar un proyecto que hoy cobró mucho sentido. Se trata de Lala, una moneda digital pensada para los artistas, el uruguayo cuenta "la idea siempre fue hacer una moneda digital que se respalde en el trabajo de los y las artistas. Que pusiera en valor el proceso creativo". Desde la plataforma los artistas comparten su proceso creativo a cambio de sus monedas que compran los subscriptores. Para Martín esta es una manera de poner en valor el trabajo de los y las artistas y alejarse del prejuicio de pensar que los artistas "tienen que vivir mal para crear bien"

Además de haber sido un visionario, Sastre estuvo en boca de todos en el 2020 cuando se estreno Nasha Natasha. El director cuenta: "fue un proyecto muy lindo. Muy de verdad. Fue acompañar a una de mis mejores amigas en una gira". Él la acompañó toda la gira y recuerda "atravesar Rusia de esa forma, en pleno invierno, fue como estar en la Rusia de los cuentos populares"

Podés ver IP Cultural, conducido por Valeria Delgado, todos los sábados a las 17 hs por la pantalla de IP.

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Charles Chaplin o cómo hacer reír al mundo

Charles Chaplin nació de una pareja de artistas un 16 de abril de 1889. Según su autobiografía, comenzó su carrera a los 5 años cuando la voz de su madre falló en medio de un show de cabaret: entonces, fue empujado al escenario para ocupar ese espacio. Cuando el pequeño Charles intentó agarrar la propina que le arrojaba la gente, inocencia y modismos infantiles despertaron grandes risas del público. El momento exacto en el que supo que la adrenalina de la risa de un público lo haría feliz.

Su madre fue quien lo animó a perseguir la actuación. Charles abandonó el colegio y se encargó de audicionar para compañías famosas que lo llevaron a actuar en Estados Unidos y consolidar su carrera.

A los seis meses de su segundo tour estadounidense, a Chaplin lo invitaron a participar de New York Motion Picture Company de manera fija, y allí nació el icónico personaje del vagabundo. Esta interpretación lo llevó a ser un fenómeno cultural a partir de 1915: tenía merchandising, aparecía en caricaturas, y hubo canciones que hacían referencia a su personaje. La "Chaplinitis", como la denominaron los medios de la época, conquistó al mundo. Y a nuestros corazones. 

Podés ver "Gente que nos hace bien" con Maximiliano Legnani de lunes a viernes en Somos PM, de 14 hs a 17 hs, en IP Noticias

Charles Chaplin nació de una pareja de artistas un 16 de abril de 1889. Según su autobiografía, comenzó su carrera a los 5 años cuando la voz de su madre falló en medio de un show de cabaret: entonces, fue empujado al escenario para ocupar ese espacio. Cuando el pequeño Charles intentó agarrar la propina que le arrojaba la gente, inocencia y modismos infantiles despertaron grandes risas del público. El momento exacto en el que supo que la adrenalina de la risa de un público lo haría feliz.

Su madre fue quien lo animó a perseguir la actuación. Charles abandonó el colegio y se encargó de audicionar para compañías famosas que lo llevaron a actuar en Estados Unidos y consolidar su carrera.

A los seis meses de su segundo tour estadounidense, a Chaplin lo invitaron a participar de New York Motion Picture Company de manera fija, y allí nació el icónico personaje del vagabundo. Esta interpretación lo llevó a ser un fenómeno cultural a partir de 1915: tenía merchandising, aparecía en caricaturas, y hubo canciones que hacían referencia a su personaje. La "Chaplinitis", como la denominaron los medios de la época, conquistó al mundo. Y a nuestros corazones. 

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Leonardo Da Vinci, el inventor del futuro occidental

El 15 de abril de 1452, en pleno inicio del Renacimiento, nació Leonardo da Vinci, resultado de un amorío secreto entre un notario rico y la hija de un granjero. Poco se sabe de su infancia, a pesar de que da Vinci dejó un legado inmenso de libros y estudios de anatomía, astronomía, botánica, cartografía, ingeniería, pintura y paleontología.

A los 14 años ingresó al taller del famoso pintor florentino Andrea del Verocchio. Allí, mientras trabajaba como ayudante, conoció a muchos de sus contemporáneos, como Botticelli y Perugino. Recién a sus 26 años Leonardo tuvo la oportunidad de trabajar de forma independiente, de la mano de la famosa familia Medici.

Pero no le interesaba la pintura tanto como la epistemología de todas las ciencias (inclusive las que aún no se habían descubierto); un par de años después, se comunicó con Ludovico Sforza (cabeza de la familia que competía con los Medici) para presentar sus servicios. En ese mensaje describió todo lo que había estudiado en el área de ingeniería y diseño de armas, y mencionó al pasar que sí, algo sabía de pintura.

Aunque el atlas de cultura universal lo recuerde por obras como La Mona Lisa, Leonardo da Vinci estaba obsesionado con saber por qué las cosas eran como eran. En su época diseñó un barco volador, carruaje blindado y un helicóptero; todos fueron el preludio de tecnologías que se desarrollarían unos 500 años después.

Podés ver "Gente que nos hace bien" con Maximiliano Legnani de lunes a viernes en Somos PM, de 14hs a 17hs, en IP Noticias

El 15 de abril de 1452, en pleno inicio del Renacimiento, nació Leonardo da Vinci, resultado de un amorío secreto entre un notario rico y la hija de un granjero. Poco se sabe de su infancia, a pesar de que da Vinci dejó un legado inmenso de libros y estudios de anatomía, astronomía, botánica, cartografía, ingeniería, pintura y paleontología.

A los 14 años ingresó al taller del famoso pintor florentino Andrea del Verocchio. Allí, mientras trabajaba como ayudante, conoció a muchos de sus contemporáneos, como Botticelli y Perugino. Recién a sus 26 años Leonardo tuvo la oportunidad de trabajar de forma independiente, de la mano de la famosa familia Medici.

Pero no le interesaba la pintura tanto como la epistemología de todas las ciencias (inclusive las que aún no se habían descubierto); un par de años después, se comunicó con Ludovico Sforza (cabeza de la familia que competía con los Medici) para presentar sus servicios. En ese mensaje describió todo lo que había estudiado en el área de ingeniería y diseño de armas, y mencionó al pasar que sí, algo sabía de pintura.

Aunque el atlas de cultura universal lo recuerde por obras como La Mona Lisa, Leonardo da Vinci estaba obsesionado con saber por qué las cosas eran como eran. En su época diseñó un barco volador, carruaje blindado y un helicóptero; todos fueron el preludio de tecnologías que se desarrollarían unos 500 años después.

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Rubén Szuchmacher recordó al gran actor Alfredo Alcón

El actor y director de teatro Rubén Szuchmacher recordó en Biblioteca IP al actor argentino Alfredo Alcón, al cumplirse 7 años de su muerte. "Con Alfredo tuve que hacer un ejercicio para no quedar apabullado", dijo.

"La experiencia de trabajar con Alcón fue muy intensa. 'El Rey Lear' fue el tercer texto que trabajé con él. Hacer Shakespeare con él fue un regalo celestial. Fue muy impresionante, porque Alfredo venía de hacer una versión en España, con otro texto, otras palabras y otra organización. Nosotros habíamos trabajado en una nueva versión que Alfredo la tomó de una manera sistemática, de tal forma que volvió comprensible cada palabra. Eso es lo que un actor como Alfredo tenía", explicó.

"Shakespeare parece un autor muy difícil y en realidad es un autor prístino. Pero lo es solo cuando los grandes actores, en este caso Alfredo, vuelven materia cada palabra que decía", agregó.

Biblioteca IP se emite por la pantalla de IP los domingos de 18 a 19, con la conducción de Maximiliano Legnani.

El actor y director de teatro Rubén Szuchmacher recordó en Biblioteca IP al actor argentino Alfredo Alcón, al cumplirse 7 años de su muerte. "Con Alfredo tuve que hacer un ejercicio para no quedar apabullado", dijo.

"La experiencia de trabajar con Alcón fue muy intensa. 'El Rey Lear' fue el tercer texto que trabajé con él. Hacer Shakespeare con él fue un regalo celestial. Fue muy impresionante, porque Alfredo venía de hacer una versión en España, con otro texto, otras palabras y otra organización. Nosotros habíamos trabajado en una nueva versión que Alfredo la tomó de una manera sistemática, de tal forma que volvió comprensible cada palabra. Eso es lo que un actor como Alfredo tenía", explicó.

"Shakespeare parece un autor muy difícil y en realidad es un autor prístino. Pero lo es solo cuando los grandes actores, en este caso Alfredo, vuelven materia cada palabra que decía", agregó.

Biblioteca IP se emite por la pantalla de IP los domingos de 18 a 19, con la conducción de Maximiliano Legnani.

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Xul Solar, la pintura y la búsqueda espiritual

Un 9 de abril de 1963 fallecía a sus 75 años en su casa de Tigre Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari, más conocido como Xul Solar. Pintor, escultor, escritor, astrólogo, esoterista y lingüista, entre muchas otras cosas, es uno de los artistas plásticos argentinos más relevantes del siglo XX.

Nació el 14 de diciembre de 1887 en la localidad bonaerense de San Fernando. Gracias a su educación se vinculó con las artes plásticas y la música, pero también por otras cuestiones como la religión, los idiomas, la numerología y la astrología. Fue a sus 25 años que viajó a Europa donde residió por doce años, entró en contacto con nuevas corrientes artísticas y donde acuñó su seudónimo. 

Sus primeras obras fueron en óleo y témpera: “Nido de fénices” y “Entierro”. También fue influenciado por el cubismo, el futurismo y el surrealismo. Llegó incluso a conocer a Picasso y Modigliani, y sus obras se vieron cargadas de un carácter místico y simbólico, que expresaban su búsqueda espiritual. 

Gente que nos hace bien es una sección de "Somos PM", conducido por Pía Slapka, Maxi Legnani y Ana Sicilia de lunes a viernes de 14 a 17 hs.

Un 9 de abril de 1963 fallecía a sus 75 años en su casa de Tigre Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari, más conocido como Xul Solar. Pintor, escultor, escritor, astrólogo, esoterista y lingüista, entre muchas otras cosas, es uno de los artistas plásticos argentinos más relevantes del siglo XX.

Nació el 14 de diciembre de 1887 en la localidad bonaerense de San Fernando. Gracias a su educación se vinculó con las artes plásticas y la música, pero también por otras cuestiones como la religión, los idiomas, la numerología y la astrología. Fue a sus 25 años que viajó a Europa donde residió por doce años, entró en contacto con nuevas corrientes artísticas y donde acuñó su seudónimo. 

Sus primeras obras fueron en óleo y témpera: “Nido de fénices” y “Entierro”. También fue influenciado por el cubismo, el futurismo y el surrealismo. Llegó incluso a conocer a Picasso y Modigliani, y sus obras se vieron cargadas de un carácter místico y simbólico, que expresaban su búsqueda espiritual. 

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Pablo Picasso, el pintor de la realidad del siglo XX

Pablo Picasso murió el 8 de abril de 1973, luego de haber pintado ininterrumpidamente durante sus 91 años. En esos momentos estaba pintando el cuadro "Mujer acostada y cabeza", una obra que estudiaba la deconstrucción figurativa de la imagen femenina.

Pero así como lo último que sostuvo fue un pincel, su primer vocablo de niño había sido "piz" de la palabra "lápiz", al pedirle a su madre que le pase algo para dibujar. Su padre, José Ruiz Blasco, artista y profesor de la Escuela Provincial de Bellas Artes, le enseñó todo lo que sabía al pequeño Picasso.

A los 10 años su familia se mudó a Coruña donde el niño oficialmente comenzó su carrera artística. Reconocido como prodigio, viajó a Francia para estudiar todo lo que el arte europeo podía ofrecerle.

Allí conoció a su mejor amigo, el poeta Guillaume Apollinaire. Su leyenda artística era tal, que cuando la Mona Lisa fue robada del Museo del Louvre en 1911, las autoridades pensaron inmediatamente que el dúo había tenido algo que ver.

Al ser uno de los pocos pintores estimado por sus contemporáneos, fue el fundador del movimiento cubista, además de una obra tan extensa que pudo ser documentada con exactitud. Gracias a esa cronología, el mundo de la pintura tiene un registro apasionado de la realidad artística de un mundo atravesado por dos Guerras Mundiales y la bestial Guerra Civil Española.

Picasso y las mujeres

Pablo Picasso ejerció violencia contra todas sus parejas. Olga Khoklova soportó el maltrato físico y  fue usada como sujeto de estudio artístico. Khoklova se enteró de cada una de las infidelidades de su esposo, especialmente de la de Marie Thèrese Walter, la adolescente de 17 años que por la adoración que profesaba por Picasso la llevó a aceptar prácticas sádicas. Francoise Gilot,  fue la única mujer que lo abandonó y Picasso la retrató con el rostro partido.

En el libro ‘Picasso y las mujeres’, Paula Izquierdo sostiene que a Picasso las mujeres le producían un entusiasmo que despertaba su creatividad, pero, cuando la relación decaía, la imagen de la mujer retratada se deterioraba hasta convertirla en un esperpento.

Gente que nos hace bien es una sección de Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, con la conducción de Pía Slapka, Maximiliano Legnani y Ana Sicilia

Pablo Picasso murió el 8 de abril de 1973, luego de haber pintado ininterrumpidamente durante sus 91 años. En esos momentos estaba pintando el cuadro "Mujer acostada y cabeza", una obra que estudiaba la deconstrucción figurativa de la imagen femenina.

Pero así como lo último que sostuvo fue un pincel, su primer vocablo de niño había sido "piz" de la palabra "lápiz", al pedirle a su madre que le pase algo para dibujar. Su padre, José Ruiz Blasco, artista y profesor de la Escuela Provincial de Bellas Artes, le enseñó todo lo que sabía al pequeño Picasso.

A los 10 años su familia se mudó a Coruña donde el niño oficialmente comenzó su carrera artística. Reconocido como prodigio, viajó a Francia para estudiar todo lo que el arte europeo podía ofrecerle.

Allí conoció a su mejor amigo, el poeta Guillaume Apollinaire. Su leyenda artística era tal, que cuando la Mona Lisa fue robada del Museo del Louvre en 1911, las autoridades pensaron inmediatamente que el dúo había tenido algo que ver.

Al ser uno de los pocos pintores estimado por sus contemporáneos, fue el fundador del movimiento cubista, además de una obra tan extensa que pudo ser documentada con exactitud. Gracias a esa cronología, el mundo de la pintura tiene un registro apasionado de la realidad artística de un mundo atravesado por dos Guerras Mundiales y la bestial Guerra Civil Española.

Picasso y las mujeres

Pablo Picasso ejerció violencia contra todas sus parejas. Olga Khoklova soportó el maltrato físico y  fue usada como sujeto de estudio artístico. Khoklova se enteró de cada una de las infidelidades de su esposo, especialmente de la de Marie Thèrese Walter, la adolescente de 17 años que por la adoración que profesaba por Picasso la llevó a aceptar prácticas sádicas. Francoise Gilot,  fue la única mujer que lo abandonó y Picasso la retrató con el rostro partido.

En el libro ‘Picasso y las mujeres’, Paula Izquierdo sostiene que a Picasso las mujeres le producían un entusiasmo que despertaba su creatividad, pero, cuando la relación decaía, la imagen de la mujer retratada se deterioraba hasta convertirla en un esperpento.

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