Andy Cherniavsky, la fotógrafa del rock postdictadura

Andy Cherniavsky fue parte de las tres grandes columnas de la fotografía: música, moda y publicidad. En El Planeta Urbano contó el rock le acunó para formarse como artista y cómo evolucionó hasta llegar a ser uno de los exponentes más importantes de la fotografía nacional.

Andy Cherniavsky es una fotógrafa que se crió en el universo del rock y que, como ella misma define, el rubro la acunó en los tiempos más difíciles. La artista debió vivir el exilio de su padre durante la última dictadura militar, quien era representante de artistas como Mercedes Sosa y Nacha Guevara, figuras “no bienvenidas” por el gobierno de facto. Cuando su madre viajó a España, Cherniavsky prefirió quedarse en Buenos Aires mientras estudiaba psicología y trabajaba como fotógrafa.

“La industria como hoy la concebimos y todos los trabajos que yo hacía en ese momento eran por amor a la música, al arte, por aprender, por estar en contacto con todas esas estrellas que tampoco lo hacían ni por la plata ni por nada”, contó la fotógrafa.

El rock de los ‘80 tuvo esa impronta de liberación, donde todas las corrientes artísticas atravesadas por la censura se encontraron libres de descubrir nuevos espacios. Paso a paso, Cherniavsky tejió su carrera “como al crochet” donde admite que cada trabajo que hizo logró capitalizarlo: “Amplié también mi seguridad, mis metas y descubrí nuevos talentos”, contó.

Pero no solo se trató de música: su lente recorrió el camino de la moda y la publicidad, lo que le sumó un bagaje particular a su perspectiva artística y la relación con los protagonistas de sus fotos.

“Yo creo que gran parte de lo que es la profesión de fotógrafo, es poder generar ese vínculo (con el sujeto). Nosotros somos directores, directores creativos, directores de actores. Eso es algo que solo trato de enseñar siempre”, relató.

En su nuevo libro Acceso Directo relató cómo fue formarse como profesional en las décadas más duras de Argentina y cómo venir desde el ambiente del rock la formó para entenderse como fotógrafa y artista.

El Planeta Urbano se emite por IP todos los sábados a las 23 con la conducción de Pía Slapka.

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Daniel Grinbank adelantó "Imagine Van Gogh"

Daniel Grinbank, dialogó en IP Cultural sobre "Imagine Van Gogh", la primera muestra de arte inmersivo que llegará a nuestro país en febrero. 

El empresario y productor de espectáculos, Daniel Grinbank, dialogó en IP Cultural sobre "Imagine Van Gogh", la primera muestra de arte inmersivo que llegará a nuestro país en febrero. "La muestra recopila 200 obras de Van Gogh que están diseminadas en varios museos del mundo. Se extrajeron miles de imágenes para generar un efecto de inmersión que es impresionante. A veces estás adentro de una obra, otras frente a ellas y todo esto te genera distintos planos y experiencias que asombran a todos", detalló Grinbank, que es el responsable de traer la muestra a la Argentina. La experiencia podrá disfrutarse a partir del 16 de febrero en La Rural, aunque las entradas están en su mayoría agotadas por la altísima demanda de público. 

¿Qué es "Imagine Van Gogh"?

"Imagine Van Gogh", es una muestra itinerante inmersiva en honor a Vincent Van Gogh, uno de los artistas más grandes de la pintura del SXX. Con más de un millón de entradas vendidas en todo el mundo, cuenta con tecnología de "imagen total" que permite "entrar" en las obras proyectadas en múltiples planos. Creada en 1977 por el fotógrafo francés Albert Plécy, la muestra continúa sorprendiendo por su desarrollo visual actualizado por la curadora actual, Annabelle Mauger. "Pusimos un paquete famliar para que asistan chicos pero la demanda es gigante. Me parece interesantísmo que todos tengan un acercamiento al arte de este genial artista y ya llevamos vendidas 60 mil entradas. Esto superó el mejor de los escenarios previstos", explicó Grinbank que definió a la obra como "un cóctel entre la obra del Van Gogh y la tecnología incorporada". 

Una muestra muy esperada

La exhibición sumerge al público en "una experiencia inmersiva jamás creada", según detalla su página web. Las obras del artista son proyectadas en paredes y suelos de habitaciones, generando una sensación de "habitar" cada una de ellas. "Es una tecnología que permite al espectador tener distanciamiento social. Acortamos de 500 a 150 personas por función, para resguardar los cuidados contra el coronavirus. Esto también va a generar una oportunidad única de estar con menos gente, para poder apreciar aún más las obras y vivir una experiencia singular", indicó Grinbank. Los 200 cuadros proyectados en la exposición, son parte de distintas colecciones de museos como el Orsay de París, el Van Gogh de Ámsterdam, y el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. 

Podés ver IP Cultural, conducido por Valeria Delgado, todos los sábados a las 16 por la pantalla de IP.

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Eugenio Cuttica, el artista del simbolismo energético

El artista habló sobre el método que lo guió para emprender el movimiento simbolista nacional.

La energía de lo espiritual atraviesa toda la obra de Eugenio Cuttica, uno de los artistas íconos del movimiento simbolista nacional. Mientras dedica su tiempo a proponer muestras que buscan reconstruir una idea de lo etéreo, señala que el país recién pudo comprender su obra en las últimas décadas. "Ahora hay como un amor correspondido; yo amo a la Argentina y ahora sí, siento ese amor que me viene hacia atrás", describió en IP Cultural.

Cuttica reside en East Hampton, Nueva York, donde tiene un taller abierto a residentes interesados en aprender su método artístico. Su perspectiva evolucionó sobre las ideas del budismo, gracias al cual admite que logró "desandar el camino" que había comenzado como artista plástico expresionista y pensarse como un vehículo de energía representada a través del arte.

"Yo lo que hago es tratar de hacer el amor con la gente a través del lenguaje, de la pintura. Mi trabajo no es intelectual, no es poner un punto acá, una raya y hacer un trabajo de corrección compositiva. Para mí el arte debe ser, debe conmover o si no, no es arte. Entonces todo esto tiene que ver con lo divino, con que todos nacemos, la conexión con lo divino y lo sagrado. La verdadera espiritualidad, entonces, no sale de mi taller ninguna obra que no esté en el punto de emanación energética", describió Cuttica.

El artista tomó como misión personal formar a sus residentes a partir de la cultura basada en la creencia de la energía de los chakras, donde se plantea que el individuo cumple, a partir de las fibras que logra activar, el rol de "sacerdote, mercader y guerrero". Esta creencia personal lo habilitó a poder plantear al movimiento simbolista dentro del siglo XXI y de la industria cultural del arte como mercancía. "Hago ciertos intercambios de horas de trabajo de ellos por coaching que yo les doy (a sus residentes), donde les enseño a ser el sacerdote, mercader y guerrero; casi todos los artistas son sacerdotes en gran medida, en mediana medida son guerreros, pero ninguno sabe cómo ser el mercader. Entonces yo les enseño el arte de vender arte y el arte de saberse vender", contó.

Cuttica reconoce que su obra despegó cuando dejó de pensar en términos de arte catártico sino representativo de algo "más allá". Una de sus últimas muestras convocó a más de 120 mil personas, por lo que logró convertirse en la obra más convocante del Museo de Bellas Artes para un artista vivo.

"Todos los niños han sido artistas, todos hemos sido niños. O sea que todos hemos sido artistas hasta que en un punto dejamos de serlo por fuerza de las obligaciones cotidianas. Le soltamos la mano a ese niño. Un artista adulto es un niño que ha sobrevivido, que se peleó con todos y finalmente logró sobrevivir", describió el artista.

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"El lago de los cisnes" bajo la lupa de la cuestión de género

Jorge Amarante, director y bailarín de ballet, cree en que es momento de sacarle el polvo a "El lago de los cisnes".

El Director de Ballet Jorge Amarante propone que es tiempo de sacarle el polvo a "El Lago de los Cisnes", una de las obras más conocidas de la disciplina. "El público quiere también cosas nuevas", dijo en IP Cultural y contó cómo reversionó este clásico en una fusión con danza contemporánea que desmitifica el romanticismo y pone sobre relieve los conflictos de género.

La historia de "El lago de los Cisnes" supone una tragedia romántica, donde el personaje del Príncipe Sigfrido se enamora perdidamente de Odette, una joven que sufre de una maldición que la convierte en cisne todas las mañanas. Cuando le llega la hora de elegir una esposa, el protagonista se niega a seleccionar a otra que no sea su enamorada, lo cual es aprovechado por el villano Rothbarth quien captura a Odette e intenta ofrecer convertir a su hija para engañar al joven príncipe. Es sobre este eje de la trama que Amarante invitó a la reflexión: "Dentro de mi visión doy la razón del porqué de estas capturas dentro de un ambiente contemporáneo. En nuestra versión, en realidad es el ámbito de Rothbarth (donde se ofrecen candidatas al "príncipe"), que es un personaje muy oscuro. Todos están con máscaras y todos están siendo justamente cómplices de robar", explicó el director.

Esta perspectiva invita a reflexionar sobre la identidad y la propiedad de los cuerpos, además de desmitificar lo que un cuento de hadas muestra como un escenario común dentro de una dinámica de la fantasía: las jóvenes que le son ofrecidas al príncipe no son solo personas que se presentan por su voluntad, sino que son seleccionadas dentro de un circuito de trata. Así, Amarante cuestiona, en forma de ballet, la normalización de las narrativas clásicas en tanto los roles de género.

"Seguir con lo clásico no es correrlo. Es buscarle otra mirada y esos pequeños por qués", concluyó.

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The NFT Bay, la web que puso en duda el comercio de arte en blockchain

El desarrollador australiano Jeoffrey Huntley creó The NFT Bay, un sitio web para descargar archivos en NFT de manera gratuita.

El desarrollador australiano Jeoffrey Huntley creó The NFT Bay, un sitio web para descargar archivos en NFT de manera gratuita. De esta manera, la fiebre del arte abonado en blockchain se puso en duda, ya que con un click derecho se puede acceder a piezas que tienen dueños que pagaron por ellas y tienen certificado de propiedad. En Cuentos de la Crypto, los Malditos Nerds contaron todo sobre la noticia.

De todas maneras, esto sirve como museo web para las obras que se crean y se comercializan de esa manera. El sitio no deja de considerarse piratería, pero provocó un debate muy profundo sobre si realmente es útil para este tipo de transacciones. En NFT Bay pueden encontrarse aquellas obras en formato imagen. 

Por otro lado, se comenzó a hablar sobre las NFT en los videojuegos y las empresas más importantes salieron a tomar posición. Las que están a favor son Sega, Ubisoft, Square Enix, EA, Epic Games, Take-Two. Las que estuvieron en contra fueron Steam y Xbox.

Malditos Nerds se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 23:30 a 00:00, con la conducción de Rippy Rizza y Guillo Leoz.

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Maradona sigue vivo en los homenajes

En "IP Global" repasamos varios de los tributos que, alrededor del mundo, recuerdan la figura del futbolista convertido en mito global.

En 2020 una noticia conmovió a todo el mundo por igual. Sobre todo, a este mundo tan hiperconectado en el que vivimos hoy. En "IP Global" se repasaron los homenajes hechos al ídolo desde aquel momento.

A más de 12 mil kilómetros de distancia de Argentina y entre los escombros de Binnish, Siria, el pintor Aziz Asmar le rindió uno de los tributos más emotivos apenas a horas de su deceso. Sorprendió por la espontaneidad y rapidez, pero también por el contexto. La imagen del ídolo se erguía en el muro de una vivienda destruida por la tragedia de la guerra. Allí donde ya no quedaba nada en pie, él seguía vivo. 

Una semana después del fallecimiento del máximo emblema de la selección argentina, Mishal Abulais, un adolescente de 13 años que vive en Kerala, India, decidió despedirlo con un video que recorrió las redes sociales y los medios. Diego viajó en más de una oportunidad al gigante del sur asiático, pero en su último tour, en 2017, provocó una verdadera revolución de amor. 

De los deportes que no son el fútbol, se pueden destacar los honores de un equipo que hace gala del honor. Los All Blacks, uno de los seleccionados más prestigiosos del rugby mundial, le dedicaron su famoso haka a Diego frente a la mirada entre orgullosa y algo avergonzada de Los Pumas argentinos.

Maradona estuvo y estará siempre en las tapas de los diarios más importantes. Los ingleses jugaron con el ingenio y su karma. "Diego en las manos de Dios", dejaron impreso sin recelo ni ironía. Y siguiendo con las noticias, los países más recónditos del globo no se quedaron atrás. Pakhtakor, el club más popular de Uzbekistán, salió a la cancha con una camiseta alusiva. En Timor Oriental, una isla asiática que fue colonia portuguesa y limita con Indonesia, un equipo preparó una pancarta especial en conmemoración del Diez.

 

El 15 de junio de este año, en Brasil, el principal rival histórico de la Selección argentina pero quizás no tanto de Maradona, se vivió un hecho elogiable. El video que difundió la Confederación Brasileña fue sencillamente exquisito, un golpe al corazón. Igual al que en la Copa Libertadores había dado el entrenador de Gremio Renato Gaúcho, al ponerse la camiseta albiceleste para dirigir a su equipo: "Fue la forma de honrar a un amigo". 

La última de las conmemoraciones que recordaremos servirá también para agrupar las de todos sus colegas futbolistas, los clubes donde jugó y los amigos que lo lloraron en uno verdaderamente emblemático. El 29 de noviembre de 2020, con el mundo entero aún absorto, Lionel Messi convirtió un gol en el estadio Camp Nou de Barcelona ante Osasuna. En el festejo se sacó la camiseta "blaugrana" y lució una réplica de la de Newell's que usó Maradona en su paso por el club rosarino. El tributo del Diez al Diez conmovió hasta los corazones más helados. Por el significado de ambos futbolistas, pero también porque de Messi se esperaba algo especial. Y la originalidad que mostró el heredero del trono superó lo esperado. 

 

Podés ver IP Global, conducido por Fernando Duclos, todos los sábados a las 21 por la pantalla de IP

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Mauricio Kartun: "El público revalorizó el teatro"

Somos PM se comunicó con uno de los dramaturgos insigna del teatro nacional y le preguntó qué significa el teatro en postpandemia.

Mauricio Kartun es uno de los dramaturgos insignia del teatro nacional. En la fecha de su cumpleaños, Somos PM se comunicó con el artista para preguntarle cómo afectó al teatro la pandemia y qué se sintió volver a las salas con su obra Terrenal.

"La pandemia nos cambió mucho a los que trabajamos acumulando imágenes e ideas que pensamos desarrollar en un futuro. Casi que fue una inundación que nos mojó los libros y todo lo que uno tenía guardado. Todo lo que imaginaba que podía desarrollar perdió vigencia", contó Kartun.

Aunque el período más duro de las restricciones sociales impidió que se abrieran las salas de teatro, Kartun reconoce que logró volver a las salas con "los ojos frescos". La pausa obligada lo dejó experimentar con nuevas perspectivas narrativas y pensar en un mundo completamente transformado. Para el dramaturgo, en este nuevo paradigma el teatro es uno de los espacios que es revalorizado. 

"El teatro durante años y años ocupó el mismo lugar hasta la hora en que desapareció. Ahora en el que perdimos la posibilidad de ir al teatro, nos permitió revalorizarlo y eso lo veo en el público", concluyó. 

Después de una vida donde logró alcanzar el éxito con obras como La Madonnita, Ala de criados, Salomé de chacra, Chau Misterix y El partener entre otros, ¿qué signfica para él este nuevo período de su vida?

"Yo sigo creyendo en el concepto del fluir y creo que en todo caso y hasta el último día importante es fluir. Y para fluir hay que tener energía, el deseo. Cuando tengo una obra me gusta armar un grupo y que esté ahí, divertirnos en un estudio ensayando durante meses para ir a correr el riesgo que hay en una sala de fluir", contó.

Podés ver Somos PM con Pía Slapka y Maximiliano Legnani de lunes a viernes de 14 a 17 por IP Noticias

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Cifra récord para "Diego y yo", de Frida Kahlo

El fundador del Malba, Eduardo Costantini, pagó casi 35 millones de dólares: es la obra más cara de la historia del arte latinoamericano.

El coleccionista y fundador del Malba, Eduardo Costantini, pagó 34.883.000 dólares en una subasta concretada por la firma Sotheby's de Nueva York para quedarse con "Diego y yo", de la pintora mexicana Frida Kahlo. Así se se convirtió en la más cara del arte latinoamericano y destrona a "Baile en Tehuantepec", un cuadro de su compatriota y compañero de vida Diego Rivera que en 2016 había sido adquirido también por el fundador del Malba en 15,7 millones de dólares.

La identidad del comprador fue revelada por la casa de remates en su cuenta oficial de Twitter, en la que definió a Costantini como "un coleccionista de renombre con un compromiso de larga data de apoyar el arte y los artistas latinoamericanos". El fundador del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) y empresario de desarrollos inmobiliarios -Nordelta, su emprendimiento más famoso- pujó telefónicamente para quedarse con "Diego y yo", considerado el último autorretrato de Kahlo entre los muchos que pintó en este formato: Costantini cuatriplicó el anterior máximo histórico de la propia pintora mexicana de 8 millones de dólares logrado en 2016 y con esta adquisición se convirtió en propietario de las dos obras de arte más caras de la región.

De qué se trata "Frida y yo"

La impactante obra que inmortaliza el rostro de la artista en plano cerrado y con un gesto sufriente que remata con lágrimas deslizándose sobre la piel, suma precisamente un retrato de Rivera, quien aparece incrustado en su frente con un ojo adicional. Fue pintada cinco años antes de la muerte de Kahlo y por su tamaño reducido se cree que podría ser una de los que realizó o retocó postrada en la cama, durante las largas convalecencias que la mantenían encerrada entre las paredes de la célebre Casa Azul.

Precisamente con esta obra de pequeñas dimensiones -30 centímetros de alto y 22,4 de ancho-, que ahora es récord la pintora se había convertido en la primera artista plástica latinoamericana en superar el umbral de un millón de dólares cuando se vendió por un millón 400 mil dólares en un remate realizado en 1990. Tres décadas después regresó al mercado con un valor casi 25 veces superior al de su última aparición y al mismo tiempo con el envión suficiente para desplazar doblemente a Rivera del ranking de obras mejor valoradas, que perdió el podio consolidado con "Los rivales" -vendida en 9,8 millones de dólares en mayo de 2018 por la casa Christie's- y el mencionado "Baile en Tehuantepec".

La obra subastada pertenecía al magnate inmobiliario Harry Macklowe y a su esposa Linda, una experta en arte que trabaja en el consejo de administración de la Fundación Guggenheim. Se separaron en 2016, después de 57 años de matrimonio. Un juez dictaminó que las propiedades de la pareja, con un valor aproximado de 2 mil millones de dólares, deberían dividirse por la mitad. De ahí la decisión de vender el cuadro de la pintora mexicana.
 

 

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El artista plástico que medita sobre el caos

Uno de los exponentes más grandes de la tendencia artística Neofiguración charla y expone sus reflexiones sobre la eterna discusión entre el desorden y la estructura. A sus 88 años, sigue pintando, dibujando y escribiendo: "Quiero apurar, porque yo no sé cuántos años más he de vivir, pero quiero terminar algunas cosas que son escritas, sobre mi tema de siempre: el caos", contó Noé.

El tema siempre fue encontrarse frente al caos: para Luis Felipe Noé esa dialéctica entre la estructura y la entropía es lo que lo impulsa a seguir pintando y escribiendo a sus 88 años. El artista plástico, exponente de la tendencia artística Neofiguración, presentó su casa como un muestrario de sus obras y cumplió con su muestra anual en la Galería Rubber.

"Estoy escribiendo. Quiero apurar, porque yo no sé cuántos años más he de vivir, pero quiero terminar algunas cosas que son escritas sobre mi tema de siempre: el caos. Quiero hacer un ensayo en serio", contó Noé. Si hay algo que lo ha impulsado en la vida es la comprensión del choque entre lo abstracto y lo estructurado: dos mundos que a simple vista parecen incompatibles, pero que el artista insiste en que son dos caras de una misma moneda.

"Uno tiene que tratar de estructurarse frente al caos; no es una cuestión de poner orden al caos porque es como querer tapar una olla grande con una tapa de cacerola más chica. Se hunde. Tenemos que tratar de percibir una parte del caos como uno puede y estructurarse a si mismo en función de eso", reflexionó.

El caos como estructura de sí mismo. Eso es lo que plasma Luis Felipe Noé en sus pinturas y sus escritos. Se piensa en relación con el arte y la expresión entre el dibujo, la pintura y la tensión de los elementos que la componen a ambas. "Como antes me interesaba superar la diferencia entre abstracción y figuración, ahora me interesa la diferencia entre dibujo y pintura", describió. Mientras medita, el artista reconoce que el incesante debate del neofigurativismo contra el estilo abstracto terminó por ser una "discusión absurda" que simplemente se diferencia por cuestiones semánticas.

"En realidad nosotros hablamos todo en abstracto. Yo creo que si hay que hacer una diferencia entre los seres humanos y los animales es que somos capaces de vivir en dos realidades simultáneas (...) Nosotros le damos nombres a las cosas, tenemos una suprarealidad. Lo que nosotros pensamos como realidad es una ficción. Yo pienso que si hay tantos puntos de vista distintos y hay discusiones, es porque no coincidimos en las ficciones", concluyó Luis Felipe Noé.

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Hugo Lobo: de Dancing Mood a la Orquesta "Vamos Los Pibes"

El trompetista y líder la popular banda de ska contó en IP Cultural la puesta en marcha del proyecto social para chicos y chicas en el club Atlanta.

Hugo Lobo es el trompetista que se animó a experimentar con la música y de su laboratorio salió Dancing Mood, la banda nacional formada en el 2000 que interpreta desde rock, ska hasta calipso. "Después de Dancing Mood, un montón de bandas jóvenes empezaron a implementar los vientos. Ya no se te reían mucho cuando te preguntaban '¿qué instrumento tocás?' y vos le respondías 'la trompeta'", rió el artista.

La experiencia cumplió 22 años de una pasión que busca despertar curiosidad al público con su amplio repertorio de géneros. El espectro artístico que abarcan sus shows nunca aburre y logró ser aprovechado en pandemia gracias a transmisiones digitales que llegaron a impactar a lo largo de Latinoamérica y España.

Entre sus pasiones está la Orquesta "Vamos Los Pibes", una iniciativa que dirige en el Club Atlético Atlanta y propone desarrollar el lado musical de chicos y chicas que pueden aprender instrumentos como trompeta, trombón, guitarra, percusión, violín, violonchello, flauta traversa y bajo. Los maestros y maestras que colaboran con la iniciativa lo hacen voluntariamente desde hace ya 11 años, cuando se gestó la idea.

"La verdad es que es fue muy emocionante trabajar con chicos y chicas, creo que es el deber que uno tiene. Por lo menos es lo que yo siento de devolverle a la música lo que a uno le dio, que es la fortuna de poder vivir de lo que a uno le gusta. Compartirlo es mostrarle a los pibes y pibas, y a sus familias, que hay otra oportunidad y otro camino, el del arte y la música, y que se puede tomar de una manera no estrictamente académica", agregó Lobo.

Lobo admite que la pandemia fue un momento duro para el proyecto, donde el encierro propició carencias en todo sentido, no solo desde lo monetario, sino desde el trabajo afectivo y de contención que implica el proyecto donde el mediador es la música. De todas maneras, También recalcó que el trabajo de las ollas populares realizadas en el club, las "Ollas Bohemias", continuaron durante los sábados, donde las personas pueden acercarse a recibir comida hasta las 3 de la tarde.

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Leonardo Favio, el artista que encarnó la pasión peronista

A 9 años de su fallecimiento, el icónico cantautor y realizador dejó un legado de grandes discos y películas que reflejaron la argentinidad durante el siglo XX.

Leonardo Favio es considerado uno de los directores y cantautores más importantes de la Historia nacional. El artista dejó un legado de 16 discos y 13 películas antes de fallecer de polineuritis (consecuencia de su afección crónica de Hepatitis C) el 5 de noviembre de 2012.

Favio determinó su propio camino ya cuando era pequeño, desde del momento en que su madre, escritora de radioteatros, le conseguía pequeños papeles en el ámbito. Favio reconoció múltiples veces que había comenzado a escribir sus primeros libretos, pero como su primer talento había sido la música, inició su camino en el espectáculo con guitarra en mano. 

"No hay una estética que esté por fuera de la acción de los artistas. Un imaginario no es algo que está ahí vacante y entonces el artista va y se toma de eso. Es el artista quien genera un imaginario", expresó sobre su labor de artista.

La música de la mano de Favio

Su primer debut como cantante lo llevó directo a “La Botica del Ángel”, el espacio artístico porteño creado por el artista Eduardo Bergara Leumann. Ese día, un ejecutivo de la discográfica CBS le propuso grabar un disco que lo alentó a producir Fuiste mía un verano y O quizás simplemente le regale una rosa, dos canciones icónicas de la época. Gracias a su fama expandida, participó en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar (Chile), donde su música sentó las bases del estilo de baladas románticas de la época y alcanzaron éxito internacional.

Entre sus canciones más populares se encuentran Ella ya me olvidó, Fuiste mía un verano, Para saber cómo es la soledad de Luis Alberto Spinetta y Chiquilladas de José Carabajal. Sus canciones alcanzaron tal éxito que fueron traducidas a más de 14 idiomas.

Su lado cinematográfico

Si bien su nombre ya era reconocido por sus canciones, Favio quería expandirse al mundo del cine. Su primera producción fue el cortometraje El Amigo en 1960 y cinco años después lanzó su largometraje Crónica de un niño solo, el cual fue aclamado por la crítica. En el período siguiente realizó películas como Este es el romance del Aniceto y la Francisca (...), El dependiente y Juan Moreira entre otros.

En el 2000, el Museo Nacional de Cine Argentino realizó una encuesta exclusiva para críticos e historiadores de cine y allí Crónica de un niño solo fue elegido como el mejor film de la Historia nacional. 

La militancia a través del arte

Favio tenía un gran lazo con el peronismo, el cual elogiaba no solo como pensamiento político sino como un fenómeno cultural; incluso fue el encargado de organizar el acto de bienvenida de Perón en 1973 después de 18 años de exilio. 

Tras volver a Argentina luego de exiliarse por la dictadura cívico-militar de 1976, reinició su carrera como realizador cinematográfico y realizó un documental de seis horas llamado Perón, sinfonía del sentimiento donde relata la situación del país entre la Primera Guerra Mundial y la muerte de Juan Domingo Perón.

"Creía tener un conocimiento profundo del peronismo. Pero me di cuenta de que era ingenuo pensar que en esta historia sólo se involucra a nuestro país. En realidad, se involucra a toda la América y el mundo, porque es una filosofía que emerge por amor a la gente", comentó al concluir su documental.

 

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Cultura: el Gobierno subsidiará a los artistas afectados por la pandemia

Se otorgarán hasta 15 mil pesos, correspondientes al quinto pago de la convocatoria “Apoyo extraordinario cultura solidaria” para trabajadores del sector.

La ayuda de hasta 15 mil pesos, correspondiente al quinto pago de la convocatoria “Apoyo extraordinario cultura solidaria”, se otorgará a los artistas trabajadores y trabajadoras de la cultura “que se vieron afectados gravemente como consecuencia de las medidas de distanciamiento adoptadas en virtud de la pandemia del virus COVID-19".

Según informa la resolución publicada en el Boletín Oficial, se intenta “morigerar la situación de vulnerabilidad social de este sector”. Durante la pandemia, los espectáculos fueron los que más rápido sufrieron las consecuencias de las medidas sanitarias y los últimos en volver a la presencialidad. 

Firmado por el ministro de Cultura de la Nación, Tristán Bauer, el texto informa sobre el envío de $761.070.000 a la Administración Nacional de Seguridad Social (ANSES) para ejecutar el subsidio. Para esto, se trasladarán los datos de los beneficiarios. 

El ministerio de Cultura había lanzado un bono de Cultura joven para otorgarles un incentivo de 5 mil pesos para usar en actividades culturales. Con el argumento de que la medida violaba la ley electoral, la jueza federal María Servini suspendió la publicación y operatividad de la misma. 

La resolución toma en consideración que, aunque la situación epidemiológica mejoró, “aún persisten medidas y disposiciones de distanciamiento social, preventivo y obligatorio ante la aparición de nuevas variantes del virus Sars Cov 2 que impactan en las actividades del sector cultural”.

Según informaron integrantes del Movimiento de Espacios Culturales y Artísticos de la Ciudad de Buenos Aires, más del 10% de los centros tuvieron que cerrar en la Ciudad a causa de las restricciones. Los que lograron subsistir intentaron sostener su economía a través de la venta de bebidas y/o entradas a futuro. A la hora de volver a la presencialidad, el aforo seguía poniéndoles el camino cuesta arriba. Algunos centros culturales de Capital que no soportaron la transición del 2020 fueron el Centro Cultural Freire, Espacio 33 en el barrio de Boedo, Ambigú, Casa Indómita y La gran Jaime, entre otros.

 

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Antonio Berni, el padre de Juanito Laguna

Se cumplen 40 años de la muerte del notable pintor y muralista, uno de los artistas argentinos más influyentes del siglo XX.

Se cumplen 40 años de la muerte de Antonio Berni, uno de los pintores argentinos más influyentes del Siglo XX. "El arte es una respuesta a la vida. Ser artista es emprender una manera riesgosa de vivir, es adoptar una de las mayores formas de libertad, es no hacer concesiones. En cuanto a la pintura, es una forma de amor, de transmitir los años en arte", dijo alguna vez. 

Delesio Antonio Berni (Rosario, 14 de mayo de 1905-Buenos Aires, 13 de octubre de 1981) fue pintor, grabador y muralista, nombrado miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes. Varias de sus creaciones tienen como memorables protagonistas a personajes como Juanito Laguna y Ramona Montiel, convertidos en representantes icónicos de los marginados por la sociedad. 

En 1914 ingresó como aprendiz en el taller de vitrales Buxadera y Cía,​donde recibió la enseñanza de su fundador, N. Bruxadera, un artesano catalán. Poco tiempo estuvo en este taller ya que entre 1914 y 1915 su padre volvió a Italia, y Berni fue enviado a la casa de sus abuelos en Roldán. A pesar de que Antonio se alojó poco tiempo allí, estudió pintura en el Centre Catalá de Rosario con los maestros Eugenio Fornells y Enrique Arian.

En 1920, a los 15 años, expuso sus cuadros por primera vez en el Salón "Mari": la muestra constó de 17 óleos (paisajes suburbanos y estudio de flores). Expuso nuevamente en 1923, pero esta vez en la Galería Witcomb de Buenos Aires. Ya por ese entonces recibía los halagos de los críticos en varios artículos publicados el 4 de noviembre de 1923 en los diarios La Nación y La Prensa. Sus primeros cuadros respondieron al impresionismo y al paisajismo.

En 1925, consiguió una beca otorgada por el Jockey Club de Rosario ―y gestionada por su mecenas, el traumatólogo y cirujano Lelio Zeno (1890-1968)― para estudiar en Europa y en noviembre de ese año llegó a Madrid. En febrero de 1926, el Salón de Madrid expuso Puerta cerrada, un paisaje madrileño que llamó la atención. Más tarde pintó otros temas españoles, Toledo y el religioso (1928) y El Torero calvo (1928).

En París asistió a los cursos de los pintores franceses André Lhote y Othon Friesz, en la Academia libre de la calle Grande Chaumiere. Y aunque estudió solo unos meses allí, su influencia se dejó sentir en una serie de desnudos figurativos. Por entonces, después del golpe de Estado de 1930, ya casado y con una hija decidió volver a Argentina. Al regresar, vivió por unos meses en una chacra de la provincia de Santa Fe, para luego instalarse en Rosario y trabajar como empleado municipal.

Tomó parte activa de la vida cultural de la ciudad, organizó la Mutualidad de Estudiantes y Artistas Plásticos. En 1932, en Amigos del Arte expuso sus obras surrealistas de París, y algunos óleos como Toledo o el religioso. Esa muestra fue la primera exposición surrealista en América Latina y también la primera en exponer collage. Se tituló Primera exposición de Arte de Vanguardia. El público no estaba acostumbrado y la muestra resultó difícil. La crítica en pleno la rechazó.

En la década del 30, tuvo su experiencia muralista al intervenir en la construcción de Ejercicio Plástico. Ya él había fundado el grupo "Nuevo Realismo". También pintó La mujer del sweater rojo en 1935, La muchacha del libro en 1936, Nancy en 1941, La chica del balón en 1934, La niña de la guitarra en 1938 y Figura de chico en 1941. Además hizo autorretratos, uno en 1934, otro en 1938 y el último en 1945. En Paula y Lily de 1941, pinta a su esposa de entonces y a su hija. Hacia fines de la década del 50 realiza algunos retratos que tienen como modelo a la poetisa tucumana Ariadna Chaves, una de sus musas argentinas. Expuso con otros grandes pintores contemporáneos a este período como Pedroni, Santieri, Giovanni Bressanini, Mónaco, Luis Videla, Cerrito, Borgarello, Robirosa, Alonso etc.

En 1976 viajó a Nueva York. Allí pintó, hizo grabados, collage y presentó en la "Galería Bonino", una muestra titulada La magia de la vida cotidiana. Durante su estadía en esa ciudad, hizo 58 obras que quedaron en la galería para una muestra en Texas que nunca se realizó. En 1982, después de su muerte, llegaron a Buenos Aires. En esa época también pintó tres óleos referidos a Juanito y a Ramona, Juanito en la calle, Juanito Laguna going to the factory, El sueño de Ramona.

Últimos años de Antonio Berni

Preocupado por el mundo que lo rodeaba, en Nueva York quiso conocer a la gente, saber de sus costumbres, de sus posibles necesidades. Así fue como salió a la calle, observó y pintó. Entonces conoció una sociedad opulenta, consumista, donde la publicidad es la mejor vendedora, donde siente que hay riqueza material y pobreza espiritual, muy distante de la de Juanito, o de la de Santiago del Estero, por lo que decidió entonces hacer un arte social con ironía. De esta época es Aeropuerto, Los hippies, Calles de Nueva York, Almuerzo, Chelsea Hotel y Promesa de castidad.

En 1981, se inauguró «La casa de Antonio Berni». Una galería de arte y casa de subastas de más de 400 m² (metros cuadrados), ubicada en la calle Cangallo 332 (zona inusual para el arte, por ser un lugar rodeado de bancos, financieras, bolsa de comercio, bolsa de cereales, etc). Su director fue Humberto Golluscio, amigo personal de Berni. Fue la sala de arte más importante del momento, en la cual se realizó una muestra individual de los murales del Gran Maestro.

 

 

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¿Cómo hizo Rocambole para inmortalizar a "Patricio Rey y los Redonditos de Ricota"?

IP Cultural celebró los 35 años del lanzamiento de "Oktubre" con una entrevista exclusiva con el artista plástico responsable de ilustrar el icónico disco.

Siempre se trató de conmover: Patricio Rey y los Redonditos de Ricota pensaron en desautomatizar a la “gran bestia pop” a través de letras contundentes con ritmos melódicos que parodian el mainstream de la música nacional. Rocambole, el artista plástico creador de las tapas de sus discos, contó en IP Cultural cómo hizo imagen aquel espíritu que rompió el paradigma con sus letras filosas.

 “La idea que yo tenía con mis amigos, en la Cofradía, era que un disco no era solo un compilado de canciones. Un disco nos pareciera una ópera, una obra, un lugar donde se reunía disciplinas diversas: la música estaba presente por supuesto; la poesía, indudable;el resto lo hacía la imagen”, contó el artista plástico.

Con la mente en que las disciplinas que componen un disco (en la era analógica y lejos de las plataformas digitales), Rocambole estudió los afiches de la guerra civil española, los grabados de principios de siglo de Argentina y la gráfica realizada durante y post la Revolución Rusa. Gracias a eso que describió como un “menjunje en la cabeza”, resolvió la idea con los pocos recursos con lo que contaban; después de todo, “Los Redonditos” todavía no habían firmado con ninguna discográfica.

“La impresión de la tapa se hizo de forma artesanal en serigrafía (...). Lo hicimos nosotros mismos; hicimos siete mil tapas en tres días seguidos y sin parar. Los colores tenían que ser pocos porque el sistema de impresión era bastante elemental. Se decidió por el negro, porque era una simbólica anarquista y el rojo no podía faltar si había revolución”, contó Rocambole, describiendo la visual que inmortalizó a “Oktubre”.

Podés ver IP Cultural, conducido por Valeria Delgado, todos los sábados a las 16 por la pantalla de IP

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El Premio Nobel de Literatura fue para Abdulrazak Gurnah

El jurado destacó que sus novelas "se alejan de los estereotipos y muestran un África culturalmente diversificado y desconocido para muchos".

El novelista de Tanzania, Abdulrazak Gurnah, ganó el Premio Nobel de Literatura 2021. El escritor, que reside en Gran Bretaña desde 1960, fue galardonado por el jurado que destacó su mirada "intransigente y compasiva de los efectos del colonialismo y el destino del refugiado en el abismo entre culturas y continentes". Gurnah nació en la isla de Zanzíbar, pero vive en Inglaterra, donde publicó diez novelas y varios cuentos en los que aborda la temática de los asilados en el mundo.

Un ganador inesperado

El jurado destacó que las novelas de Gurnah "se alejan de los estereotipos y muestran un África culturalmente diversificado y desconocido para muchos". Por otra parte, la Academia Sueca remarcó que el autor "rompe conscientemente con las convenciones, cambiando la perspectiva colonial para resaltar la de las poblaciones indígenas". El novelista comenzó a escribir a los 21 años, en el exilio inglés. Si bien su escritura fue desarrollada fuera de su patria, mantuvo una fuerte relación con la tierra que dejó atrás. 

El escritor estudió en la Universidad Bayero Kano en Nigeria, pero luego se trasladó a la Universidad de Kent, donde se doctoró en 1982. En esa casa de altos estudios británica ejerce como profesor y director de los estudios de grado en el departamento de inglés. Sus investigaciones académicas se centran en el post-colonialismo y en el colonialismo especialmente relacionado con África, el Caribe e India. El autor tanzano se impuso ante otros escritores que aparecían como candidatos a ganar el premio, como la francesa Annie Ernaux, el keniano Ngũgĩ wa Thiong’o y el japonés Haruki Murakami. 

Las novelas disponibles en español

El autor tanzano tiene diez novelas y varios cuentos, todos escritos en inglés, y sólo tres obras traducidas al castellano. La primera es Paraíso, una novela histórica, publicada en 1994. En ella, el autor cuenta la historia de Yusuf, un niño nacido en una ciudad ficticia de Tanzania a principios del siglo XX. También se puede conseguir en en español, En la orilla, un relato que cuenta la travesía de un hombre que llega desde una isla del océano Índico a la ciudad de Gattwick. Por último, fue traducida Precario silencio (1998), que retrata la vida de joven que se marcha de Zanzíbar a Inglaterra.

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"Brillando Azul", el nuevo disco que redefinió a Ale Kurz

El vocalista y guitarrista de El Bordo pasó por IP Cultural y contó por qué su nuevo lanzamiento es un quiebre en su carrera.

La pandemia no solo gestó personas probando música sino que también logró que músicos consagrados como Ale Kurz descubrieran una nueva faceta que los redefinen como artista. El vocalista y guitarrista de El Bordo encauzó sus pulsiones durante el aislamiento social en su nuevo disco "Brillando Azul".

El músico define sin dudar que su banda es una "muy sanguínea", con un estilo crudo y real, cuya impronta no fue lo que el período de cuarentena le evocó. Su obra pandémica fue una que construyó poco a poco y de manera espontánea, donde las únicas herramientas fueron su voz, su celular y sus ganas de expresar sus inquietudes a través de su arte. Kurz inclusive cuenta que el lanzaiento final fue casi de casualidad; un día le envió las grabaciones a su productor y lo sorprendió: "Me dijo:'esto es muy distinto a todo lo que hiciste antes. Lo tenemos que grabar ya", contó el músico.

"Son canciones que salieron de esa soledad, ese encierro; de estar dos años guardado sin saber qué iba a hacer. Y mi oficio es hacer canciones; naturalmente estas músicas nacieron, crecieron y germinaron en estas que estoy editando ahora", contó sobre sus nuevos temas.

"Brillando Azul" es un disco pensado como vinilo, donde hay dos temas en cada cara y esas cuatro canciones tienen un camino de experimentación distinta. Mientras que en una reverbera la música electrónica, la otra prepondera la batería digital; otra encuentra espacios tradicionales con una mandolina y la final fogonea con una guitarra acústica. "Estoy contento de salir con una canción que rompe el estilo que hago. El camino más intenso es el que es así de riesgoso y salir de la zona de confort está bueno", agregó Kurz.

Su nuevo trabajo está fuertemente entrelazado con su amor por la literatura, algo con lo que pudo reencontrarse durante la pandemia. El artista reconoce que esa pasión fue alentada fuertemente por sus padres y que inclusive de chico las figuras de las letras le llamaban la atención. La progresión entonces se dio de manera natural hacia la poesía y de allí a la lírica.

"A mi siempre me gustaron los rockeros que tenían contenido. Me gustaba la Renga porque tenía conexión con los libros de Castaneda (...). Cuando hay algo detrás, el contenido tiene que ser subrepticio, pero está bueno que esté. Eso le da una profundidad que permite múltiples interpretaciones", explicó Kurz sobre su modo de producción.

Podés ver IP Cultural, conducido por Valeria Delgado, todos los sábados a las 16 por la pantalla de IP

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Jimi Hendrix, a 51 años de su muerte: ¿Cómo era "el dios de la guitarra"?

Este 18 de septiembre, se cumplen 51 años del fallecimiento de Jimi Hendrix.

Este 18 de septiembre, se cumplen 51 años del fallecimiento del guitarrista Jimi Hendrix. 

Nacido en Seattle, el 27 de noviembre de 1942, James Marshall Hendrix fue uno de los músicos más grandes de la historia del rock. Su estilo único, disruptivo y vanguardista provocó una fusión inexplicable del rock con otros géneros, como el blues. Vivió solamente 27 años y su período creativo marcó un quiebre en la música norteamericana, repleto de psicodelia y potencia. Los críticos musicales coinciden en que la etapa creativa de Hendrix fue breve, de unos cuatro años, pero en ella desarrolló un cambio radical en el rock, con solos de guitarra nunca antes vistos y performances en vivo impactantes. 

La vida breve de un genio musical

Hendrix, de orígenes afrodescendientes e indígenas cheroqui, empezó a tocar la guitarra a los 15 años. Luego de formar parte del ejército, en 1961, se mudó a Tennessee, donde empezó a diagramar su carrera como solista. Por esos años, tomó influencias del jazz y blues norteamericanos, con artistas como Little Richard, B.B.King y Muddy Waters. El panorama revolucionario de los años ´60, con Los Beatles, Rollling Stones y Bob Dylan, entre otros referentes de la época, terminaron de componer su espectro musical. Hendrix, también apodado "Buster", tomó lo que quiso de cada artista para formar un estilo propio, en el que parecía "hablar", con la guitarra. La Revista Rolling Stone explicó que "fue pionero en el uso del instrumento como una fuente de sonido electrónico. Los guitarristas anteriores a él habían experimentado con acoples y distorsión, pero Hendrix convirtió esos efectos y otros en un vocabulario controlado y fluido igual de personal que el blues con el que comenzó". 

A fines de los 60, Hendrix ya tenía armado su propio arte de vanguardia rockero, con reconocimientos en todas partes del mundo. Su banda The Jimi Hendrix Experience llegó al Top 10 estadounidense con temas como "Purple Haze", "Hey Joe" y "The Wind Cries Mary". En 1969 protagonizó el cénit de su carrera musical, al presentarse frente a millones de fanáticos en el Festival de Woodstock. Su despliegue técnico y musical en aquel escenario será recordado por siempre como una lección de talento y un símbolo de rebeldía de la época. Su muerte llegó de manera temprana, debido a una sobredosis de fentanilo, una potente droga derivada de la morfina, y otros barbitúricos. 

 

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China Zorrilla, actriz imprescindible

La actriz uruguaya murió en 2014. Dejó como legado una serie de inolvidables personajes en el cine, el teatro y la televisión.

Se cumplen siete años del fallecimiento de Concepción Matilde Zorrilla de San Martín Muñoz, popularmente conocida como "China" Zorrilla, una de las comediantes más queridas en Argentina y Uruguay.

Nacida en Montevideo, el 14 de marzo de 1922, fue una actriz que supo destilar un talento y frescura únicos sobre los escenarios. Establecida en Buenos Aires desde 1971, "China" hizo toda su carrera actoral en nuestro país, convirtiéndose en un símbolo de la hermandad artística rioplatense. Desenfadada, honesta y sin pelos en la lengua, su postura sobre las tablas fascinó y traspasó las fronteras de varios países hispanoamericanos, que la celebraron como carismática comediante. 

Una actriz imprescindible

Homenajeada con reconocimientos como la Orden al Mérito Gabriela Mistral de Chile, la Legión de Honor francesa y una estampilla del Correo Uruguayo, Zorrilla quedó en el imaginario cultural como una actriz imprescindible. Además de actuar, se destacó como traductora, guionista, directora y productora. Dentro de sus éxitos más recordados se encuentran películas como La nave de los locos, Elsa y Fred y Tocar el cielo. Su popularidad llegó a la cima en el filme Esperando la carroza, un clásico del humor grotesco dirigido por Alejandro Doria. Allí, interpretó a Elvira, una mujer de barrio con clásicos giros realistas que fascinó a todos por sus frases inolvidables. "Yo hago puchero, ella hace puchero", "Qué criatura estúpida" y "No te quedes ahí como una momia griega, sembrando la duda", fueron algunos de los remates que hoy siguen vigentes y hasta se traducen en memes. Antes de morir, el 17 de septiembre de 2014, con 92 años, dedicó sus últimos años a continuar su trabajo en los escenarios contando anécdotas de su vida que provocaban carcajadas y aplausos en todo el público. 

 

 

 

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Fabián Paz y su camino hasta enamorarse de la moda

El conductor de "Buen Plan" visitó El Planeta Urbano y contó cómo abandonó la facultad de psicología para encontrarse con lo que marcó su vida.

Fabián Paz se sumó al universo de El Planeta Urbano para contar cómo se fue descubriendo a partir de una exploración artística visceral. De la Facultad de Psicología hasta modelar por Europa, la figura superó todas las etapas hasta poder encontrarse en la moda.

El conductor, que se desempeña como jurado en "Corte y Confección" y "La Jaula de la Moda", ahora comparte pantalla junto a Iliana Calabró en un "Buen Plan". Pero de primera mano declaró que ya no existe la crítica de la ridiculización y que lo que más busca es encontrar un punto constructivo que tenga algo de entretenimiento. "A mi me gusta picantear y me parece divertido, pero sin llegar a agredir a alguien. Aparte, soy el primero que se ríe de mi", contó.

"Pasamos revista de los looks de los famosos; yo nunca fui crítico de hablar mal de la gente, no me parece que en televisión sume o aporte algo. Siempre lo pienso más del lado del humor", dijo el conductor.

Cuando Fabián se planta, ya sabe cómo y en qué zapatos hacerlo. Paso por su primera etapa donde terminó su carrera de actuación y fue a buscar suerte en México donde finalmente se encontró como modelo. En una época donde aún no se había descubierto el look argentino, el conductor fue convocado a las pasarelas de Milán, París y Nueva York.

"Pero todo esto fue antes de las redes", agregó, casi descartando ese capítulo de su vida. La moda siempre fue algo que lo llevó de la mano hacia nuevos caminos y muy pronto el mundo de la actuación le cansó y decidió volver a plantarse en Argentina. "Lo de la tele me había cansado; en Televisa es un mundo medio raro, tuve episodios de acoso, medio incómodo. Yo ya no era un pibe de 20 años, me agarró más plantado. Y ahí dije 'ya fue', me vuelvo a casa", describió.

La década de los '90 le habilitó abrir su propia marca de diseño de zapatos, luego de haber tenido la oportunidad de estudiar como zapatero en Italia. Su marca resonó en la gente de la música y llegó hasta personas como Gustavo Cerati y la banda Miranda!. Al poco tiempo se alió con su amiga cercana, Guillermina Valdés, donde ganó popularidad a través de la firma de calzado de diseño "Valdez". "Con ese tema soy muy obsesivo porque es mi metier, mi especialidad", dijo Fabián Paz.

Aunque la farándula quiera seguir la narrativa de una supuesta pelea entre los socios, el conductor siempre recalcó que sus intereses simplemente fueron por caminos distintos, y donde Guillermina se encontró en productos de belleza, él se halló en la comunicación. Pero no como "crítico de moda", algo que califica como 'muy vintage', sino como voz calificada que ayude a la construcción de la idea colectiva de estética.

"Descubrí algo pendiente, que me gusta, que tengo feeling con la gente. Es un lugar que me interesa explorar, el de la comunicación", confesó.

El Planeta Urbano se emite por IP todos los sábados a las 23 con la conducción de Luis Corbacho.

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Luciana Paolletti, la artista que encuentra arte en microorganismos

La doctora en Ciencias Biológicas encontró belleza artística dentro de microorganismos.

Según Antoine de Saint-Exupéry, el famoso escritor de El Principito, lo esencial es invisible a los ojos. Bajo esta premisa, Luciana Paolletti, artista plástica, biotecnóloga y Doctora en Ciencias Biológicas, se hizo consciente que lo que se encontraba en los cultivos experimentales de sus proyectos no solo era parte de la ciencia sino también arte.

"Lo que veía era mucho más que un resultado, era una imagen que me atraía. Eso me hizo ver que yo tenía acceso a imágenes que muchas personas no veían y así fue como empecé a acercarme al arte", contó la especialista sobre su descubrimiento, en diálogo con Gabriela Zagordo en Ciencia IP.

Paolletti, que arrancó con su perspectiva cuando realizaba su tesis doctoral de Biotecnología en la Facultad de Ciencias Bioquímicas y Farmaceúticas de la Universidad Nacional de Rosario (UNR), pudo percibir que a lo que ella estaba expuesta diariamente era un tipo de belleza natural pero que el arte convencional todavía no había percibido. Muy pronto se dedicó a explorar esta rama artística, lo que la ayudó a realizar la conexión entre estos dos rubros distantes.

"A la ciencia no le interesa qué bacterias tengo en el patio de mi casa, pero desde el arte abordo temas donde estudio mi entorno cercano y trato de sacar todo lo que puedo, la mayor información. Hago siempre una fusión entre lo subjetivo y lo objetivo lo que hace que los resultados queden totalmente excluidos de lo científico para pertenecer puramente a lo artístico", comentó.

A medida que su interés por la exposición artística fue creciendo, Paolletti reconoció que fue pensando en su expresión en distintas etapas: a principio fotografías de hongos y microorganismos dentro de un soporte para que les permite crecer y luego, comenzar a pintar con ellos distintos paisajes que terminan de ser revelados una vez que estas entidades invaden la muestra. "Una vez que tenía un gran banco de microorganismos, lo que empecé a hacer fue purificarlos y utilizarlos como pigmentos en obras donde ya dibujaba yo con los microorganismos que antes había aislado de distintos lugares", explicó.

Ciencia IP se emite por la pantalla de IP los domingos de 18 a 19, con la conducción de Gabriela Zagordo.

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