Andy Cherniavsky, la fotógrafa del rock postdictadura

Andy Cherniavsky fue parte de las tres grandes columnas de la fotografía: música, moda y publicidad. En El Planeta Urbano contó el rock le acunó para formarse como artista y cómo evolucionó hasta llegar a ser uno de los exponentes más importantes de la fotografía nacional.

Andy Cherniavsky es una fotógrafa que se crió en el universo del rock y que, como ella misma define, el rubro la acunó en los tiempos más difíciles. La artista debió vivir el exilio de su padre durante la última dictadura militar, quien era representante de artistas como Mercedes Sosa y Nacha Guevara, figuras “no bienvenidas” por el gobierno de facto. Cuando su madre viajó a España, Cherniavsky prefirió quedarse en Buenos Aires mientras estudiaba psicología y trabajaba como fotógrafa.

“La industria como hoy la concebimos y todos los trabajos que yo hacía en ese momento eran por amor a la música, al arte, por aprender, por estar en contacto con todas esas estrellas que tampoco lo hacían ni por la plata ni por nada”, contó la fotógrafa.

El rock de los ‘80 tuvo esa impronta de liberación, donde todas las corrientes artísticas atravesadas por la censura se encontraron libres de descubrir nuevos espacios. Paso a paso, Cherniavsky tejió su carrera “como al crochet” donde admite que cada trabajo que hizo logró capitalizarlo: “Amplié también mi seguridad, mis metas y descubrí nuevos talentos”, contó.

Pero no solo se trató de música: su lente recorrió el camino de la moda y la publicidad, lo que le sumó un bagaje particular a su perspectiva artística y la relación con los protagonistas de sus fotos.

“Yo creo que gran parte de lo que es la profesión de fotógrafo, es poder generar ese vínculo (con el sujeto). Nosotros somos directores, directores creativos, directores de actores. Eso es algo que solo trato de enseñar siempre”, relató.

En su nuevo libro Acceso Directo relató cómo fue formarse como profesional en las décadas más duras de Argentina y cómo venir desde el ambiente del rock la formó para entenderse como fotógrafa y artista.

El Planeta Urbano se emite por IP todos los sábados a las 23 con la conducción de Pía Slapka.

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Primer show de los Rolling Stones sin Charlie Watts

La banda de rock más grande del mundo inició su gira por Estados Unidos con un recital en la ciudad de Saint Louis, estado de Missouri

Los Rolling Stones ofrecieron el primer show de su historia sin Charlie Watts en la batería. "Extrañaremos mucho a Charlie, dentro y fuera del escenario", dijo Mick Jagger en el Dome de St. Louis.

La banda que lideran los septuagenarios Jagger y Richards -secundados por Ron Wood, parte de la banda desde 1975- retomó la gira No Filter, postergada en 2020 con el inicio de la pandemia, en la ciudad capital del estado de Missouri, Estados Unidos. “Este es nuestro primer concierto que hacemos sin él”, dijo el cantante y agradeció al público por la ovación que sucedió a la proyección de fotos del fallecido baterista, en una pausa del show antes de dedicar a su memoria la icónica canción stone "Tumbling dice". 

El show abrió con la seguidilla de “Street Fighting Man” e “It´s Only Rock and Roll”, verdaderos clásicos del grupo. A lo largo de casi dos horas, Sus Majestades Satánicas recorrieron su gran historia discográfica, con otros hits como "Wild Horses", "Start me Up", "Miss You" y "Paint it Black" e incluso sorprendieron con “19th Nervous Breakdown”, un tema de 1966 que no tocaban en vivo desde hacía mucho tiempo.

 

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Jimi Hendrix, a 51 años de su muerte: ¿Cómo era "el dios de la guitarra"?

Este 18 de septiembre, se cumplen 51 años del fallecimiento de Jimi Hendrix.

Este 18 de septiembre, se cumplen 51 años del fallecimiento del guitarrista Jimi Hendrix. 

Nacido en Seattle, el 27 de noviembre de 1942, James Marshall Hendrix fue uno de los músicos más grandes de la historia del rock. Su estilo único, disruptivo y vanguardista provocó una fusión inexplicable del rock con otros géneros, como el blues. Vivió solamente 27 años y su período creativo marcó un quiebre en la música norteamericana, repleto de psicodelia y potencia. Los críticos musicales coinciden en que la etapa creativa de Hendrix fue breve, de unos cuatro años, pero en ella desarrolló un cambio radical en el rock, con solos de guitarra nunca antes vistos y performances en vivo impactantes. 

La vida breve de un genio musical

Hendrix, de orígenes afrodescendientes e indígenas cheroqui, empezó a tocar la guitarra a los 15 años. Luego de formar parte del ejército, en 1961, se mudó a Tennessee, donde empezó a diagramar su carrera como solista. Por esos años, tomó influencias del jazz y blues norteamericanos, con artistas como Little Richard, B.B.King y Muddy Waters. El panorama revolucionario de los años ´60, con Los Beatles, Rollling Stones y Bob Dylan, entre otros referentes de la época, terminaron de componer su espectro musical. Hendrix, también apodado "Buster", tomó lo que quiso de cada artista para formar un estilo propio, en el que parecía "hablar", con la guitarra. La Revista Rolling Stone explicó que "fue pionero en el uso del instrumento como una fuente de sonido electrónico. Los guitarristas anteriores a él habían experimentado con acoples y distorsión, pero Hendrix convirtió esos efectos y otros en un vocabulario controlado y fluido igual de personal que el blues con el que comenzó". 

A fines de los 60, Hendrix ya tenía armado su propio arte de vanguardia rockero, con reconocimientos en todas partes del mundo. Su banda The Jimi Hendrix Experience llegó al Top 10 estadounidense con temas como "Purple Haze", "Hey Joe" y "The Wind Cries Mary". En 1969 protagonizó el cénit de su carrera musical, al presentarse frente a millones de fanáticos en el Festival de Woodstock. Su despliegue técnico y musical en aquel escenario será recordado por siempre como una lección de talento y un símbolo de rebeldía de la época. Su muerte llegó de manera temprana, debido a una sobredosis de fentanilo, una potente droga derivada de la morfina, y otros barbitúricos. 

 

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Leo García denunció ataque homofóbico

El cantante relató el hecho ocurrido en General Rodríguez, a través de una sucesión de publicaciones en su cuenta de Instagram.

Leo García denunció que fue golpeado en un bar de General Rodríguez, Oeste del GBA. Desde su cuenta de Instagram, el cantante mostró las consecuencias de los golpes. "Me pasó por ser gay", dijo.

El músico que integró la banda de Gustavo Cerati y vive en la localidad bonaerense de General Rodríguez contó que fue atacado cuando se acercó a iniciar una conversación con un hombre en un bar. "Hablé con un chico y cuando le tiré una onda gay, así respondieron", relató en una de sus stories. "No estoy para acusar a nadie, pero esto no es maquillaje", señaló el cantante y remarcó que fue atacado por su sexualidad "sin manifestarla"

Sus seguidores comentaron los posteos y ante la insistencia para que consiga atención médica, el compositor respondió: "No voy a ir al hospital, no pueden hacer nada". Por su parte, desde la comisaría de General Rodríguez se informó que el músico respondió al personal a través del portero eléctrico de su departamento y confirmó el hecho, pero no realizó denuncia formal. 

"Si ustedes me quieren tienen que defenderme. Miren como me pegaron. No tengo palabras. No me dolió. Volví a General Rodríguez y así me recibieron. Seamos amor y paz. Así es como me recibió el oeste, la gente de donde yo nací. Aguante jesucristo. No me duele, se resiste. Voy a seguir adelante. No estoy drogado, tomé un poco de alcohol. Yo voy a seguir tocando", afirmó.

Y continuó: "El chico que me pegó y me tiró con todo pensó que por ser homosexual lo estaba molestando. Qué importa quién ganó o perdió. La homofobia no para más. Tenemos que reparar este país. Prefiero morirme".

 

 

 

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Chano a pericia psiquiátrica

El examen determinará si el cantante puede declarar ante el fiscal, en la causa que investiga por qué y cómo recibió el disparo de un policía.

Chano Moreno Charpentier será evaluado psiquiátricamente para determinar si está en condiciones de declarar en la causa que investiga el incidente ocurrido a fines de julio en Exaltación de la Cruz.

El cantante se encuentra internado en Boulogne para un tratamiento por sus adicciones y será examinado por especialistas del cuerpo médico psiquiátrico del Departamento Judicial de San Isidro. El fiscal Martín Zocca, a cargo de la Unidad Funcional de Instrucción (UFI) 1 de Zárate-Campana, finalizó con las declaraciones testimoniales en el marco de la causa, por lo que espera escuchar al músico para luego analizar las evidencias y resolver la situación procesal del policía.Por su parte, el abogado Fernando Soto, defensor del oficial que disparó al cantante, Facundo Amendolara, informó que ya se designó a un perito de parte para que participe de la pericia.

Dónde está internado Chano

Chano está internado en un centro terapéutico de Boulogne, adonde fue trasladado para tratar sus adicciones, según él mismo contó en un video difundido por su familia al ser dado de alta del Sanatorio Otamendi. Allí fue llevado tras haber recibido un disparo en el abdomen por el que tuvo que ser intervenido.

El policía Amendolara está imputado del delito de "lesiones gravísimas agravadas por el uso de arma de fuego y por haber sido cometidas por un funcionario policial", que prevé 15 años de prisión. El fiscal busca establecer si el policía disparó para defenderse del músico, que habría amenazado con atacarlo durante un brote psicótico, o si se excedió en sus funciones. 

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Freddie Mercury cumpliría 75 años: ¿Cómo era el genio fundador de Queen?

Nacido como Farrok Bulsara, pero conocido por todo el mundo como Freddie Mercury, el líder de Queen cumpliría 75 años, el 5 de septiembre.

Nacido como Farrok Bulsara, pero conocido por todo el mundo como Freddie Mercury, el líder de Queen cumpliría 75 años, el 5 de septiembre. Oriundo de la localidad de Stone Town, en Zanzíbar, África, se convirtió en uno de los cantantes y compositores de pop rock más importantes del Siglo XX. Intérprete de una voz barítono inigualable sus canciones se volvieron parte del ideario cultural de todo el planeta. Autor de clásicos como Bohemian RhapsodyWe Are the ChampionsSomebody to LoveKiller Queen, es considerado por la crítica y el público como uno de los referentes culturales con mayor influencia en la escena de la música. 

Un líder musical indiscutido

Con un carisma y dinamismo únicos en escena, Mercury supo plasmar movimientos que marcaron a fuego el rock para todas las generaciones venideras. Su vestuario extravagante desafió  los estereotipos de la época, convirtiéndolo en un símbolo de rebeldía contra el poder establecido. Su habilidad innata para interpretar canciones en la radio de oído, lo llevó a estudiar piano durante su infancia y adolescencia en Bombay. A los 18 años llegó a Inglaterra y con el tiempo revolucionó la escena local. Allí conoció al cantante y artista visual Tim Staffell, que le presentó a Brian May y Roger Taylor, con quienes empezó a tocar en su banda, Smile, que luego pasaría a llamarse Queen. El desarrollo artístico de Bulsara fue enorme dentro de la banda, llegando a convertir a Queen en una de las agrupaciones más importantes de la historia. Con 900 millones de copias vendidas, se posicionaron como la banda con mayor cantidad de discos vendidos en todo el planeta. Su concierto del Live Aid de 1985 es recordado por los fanáticos y la crítica como uno de los mejores que haya ofrecido una agrupación en vivo. La temprana muerte de Freddie Mercury, el 24 de noviembre de 1991, producto del SIDA, terminó con la carrera de un artista único. 

Un regalo de cumpleaños

Desde 2016, Freddie Mercury tiene su propio asteroide. La propuesta fue llevada adelante por su colega y amigo personal, Brian May, el día que Freddie hubiese cumplido 70 años. May, que también es doctor en Astrofísica, anunció en aquella oportunidad que el asteroide 17473 pasaría a llamarse "Freddiemercury", de acuerdo con los datos de la International Astronomical Union. 

 

 

 

 

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¿Cómo fue el último show de Sui Géneris?

Se cumplen 46 años de aquel 5 de septiembre de 1975, en que Nito Mestre y Charly García le ponían fin a la mítica banda, pionera del rock nacional.

Los shows de despedida, conocidos como "Adiós Sui Generis" fueron en el Luna Park, con dos funciones que convocaron a unas 30 mil personas. Conocido como uno de los eventos más relevantes del rock argentino, los dos recitales del 5 de septiembre cerraron la historia de la agrupación de folk. Además de Charly y Nito, la banda contaba con Rinaldo Rafanelli en el bajo y Juan Rodríguez en la batería. Aquellas presentaciones dieron como resultado la grabación de tres discos en vivo: Adios Sui Generis I, II y III, curado por el histórico productor, Jorge Álvarez. 

¿Por qué se separaron?

La crítica coincide en que la separación de Sui Generis se dio por una multiplicidad de factores. Entre los principales, se mencionan el hastío mediático que recibía la banda, algunos roces entre Charly y Nito, la locura de los fans y el cansancio general de los músicos a los que les pedían siempre los mismos temas. Además, García quiso darle un giro artístico diferente a la agrupación y propuso hacer un álbum instrumental que ya tenía nombre: "Ha sido". Esta idea no cuadró entre los demás integrantes que buscaban repetir viejas fórmulas, así que las partes decidieron finalizar su vínculo.

Cuentan las crónicas de la época que la doble jornada de recitales en el Luna Park fue algo caótica, con una convocatoria inesperada que alcanzó 30 mil espectadores. En principio se pensaba hacer un solo recital, pero debido a la masividad convocada, se hicieron dos conciertos en el mismo día, porque la gente no entraba en el estadio. Allí sonaron por última vez, clásicos como Confesiones de invierno, Aprendizaje y Rasguña las piedras. “Era demasiado joven y no la pasaba bien. Era como una fiesta en la que todos disfrutan menos el anfitrión. No me quería casar con nadie. Y menos con Nito”, declaró Charly García, al recordar el final.

 

 

 

 

Se cumplen 46 años de aquel 5 de septiembre de 1975, en que Nito Mestre y Charly García le ponían fin a la mítica banda, pionera del rock nacional.

Los shows de despedida, conocidos como "Adiós Sui Generis" fueron en el Luna Park, con dos funciones que convocaron a unas 30 mil personas. Conocido como uno de los eventos más relevantes del rock argentino, los dos recitales del 5 de septiembre cerraron la historia de la agrupación de folk. Además de Charly y Nito, la banda contaba con Rinaldo Rafanelli en el bajo y Juan Rodríguez en la batería. Aquellas presentaciones dieron como resultado la grabación de tres discos en vivo: Adios Sui Generis I, II y III, curado por el histórico productor, Jorge Álvarez. 

¿Por qué se separaron?

La crítica coincide en que la separación de Sui Generis se dio por una multiplicidad de factores. Entre los principales, se mencionan el hastío mediático que recibía la banda, algunos roces entre Charly y Nito, la locura de los fans y el cansancio general de los músicos a los que les pedían siempre los mismos temas. Además, García quiso darle un giro artístico diferente a la agrupación y propuso hacer un álbum instrumental que ya tenía nombre: "Ha sido". Esta idea no cuadró entre los demás integrantes que buscaban repetir viejas fórmulas, así que las partes decidieron finalizar su vínculo.

Cuentan las crónicas de la época que la doble jornada de recitales en el Luna Park fue algo caótica, con una convocatoria inesperada que alcanzó 30 mil espectadores. En principio se pensaba hacer un solo recital, pero debido a la masividad convocada, se hicieron dos conciertos en el mismo día, porque la gente no entraba en el estadio. Allí sonaron por última vez, clásicos como Confesiones de invierno, Aprendizaje y Rasguña las piedras. “Era demasiado joven y no la pasaba bien. Era como una fiesta en la que todos disfrutan menos el anfitrión. No me quería casar con nadie. Y menos con Nito”, declaró Charly García, al recordar el final.

 

 

 

 

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Gustavo Cerati, un hombre alado

Luego de cuatro años en estado coma a causa de un accidente cerebrovascular, el líder de Soda Stéreo murió el 4 de septiembre de 2014.

Gustavo Cerati es un mito del rock latino. Y desde el 4 de septiembre de 2014, cuando murió luego de cuatro años internado, su leyenda se agiganta día tras día. 

Cerati cambió la historia del rock en el continente. Con su banda Soda Stereo primero y como solista después, delineó con su obra buena parte de la poética y estética de la música popular contemporánea en América latina. Su estilo de cantar y tocar la guitarra, el aura de sus canciones -muchas de ellas, verdaderos super hits hasta el día de hoy- y su imagen de eterno príncipe oscuro, lozano y elegante, lo mantienen vivo.  

El 15 de mayo de 2010 en el campus de la Universidad Simón Bolívar de Caracas, Venezuela, en el marco de la gira que presentaba el disco “Fuerza Natural”, dio su último recital. Luego de tocar la canción "Lago en el cielo" y sin saberlo, Gustavo Cerati se despidió para siempre de la música. Luego del show, sufrió un accidente cerebrovascular que lo tuvo en coma durante cuatro años hasta su muerte.

La gira de "Ahí Vamos", disponible en YouTube

Un documental con imágenes y testimonios de la gira internacional del disco "Ahí Vamos" (2006) está disponible en el canal oficial del artista en YouTube. Esta obra audiovisual cubre los recitales realizados en México, Argentina, Uruguay, Puerto Rico, Estados Unidos, Chile, Colombia, Perú y España, entre junio de 2006 y mayo de 2007, que había sido editado originalmente como material extra en un DVD lanzado en abril del 2007.

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Piti Fernández: "Me intriga el universo del lenguaje"

El cantautor y líder de Las Pastillas del Abuelo, "Piti" Fernández, dialogó en IP Cultural, sobre su presente artístico. 

El cantautor y líder de Las Pastillas del Abuelo, "Piti" Fernández, dialogó en IP Cultural, sobre su presente artístico. 

El músico habló con Valeria Delgado de la etapa solista y de los shows programados con Las Pastillas, en el Gran Rex, del 27, 28, 29 de agosto, a las que sumaron las del 1 y 2 de septiembre. "El año que viene cumplimos 20 años con la banda y la idea para celebrarlo, es hacer 20 presentaciones en el Luna Park. Es un lindo objetivo que tenemos por delante", declaró el artista. "Piti", también está presentando "el cómo y el qué", su nuevo videoclip de su segunda placa solista "Caminos Bríos", que tiene como invitado a Willy Quiroga, el mítico cantante de Vox Dei. "Este disco habla del lenguaje como algo inherente al ser humano. No hay ser humano si no hay lenguaje; me interesa saber cómo programamos nuestras conductas a través de las palabras. Me intriga mucho todo ese universo, para rimar, jugar y en lo que es el día a día", explicó. 

Arte y pandemia

Además, el cantante reflexionó acerca de este tiempo de pandemia y la influencia que tuvo en su faceta compositiva. "Sentí que toda la naturaleza vino a cobrarnos lo que hicimos mal como humanidad", indicó. Por su parte, consideró que la experiencia pandémica debería dejar una enseñanza a todas las personas, para que el mundo pueda cambiar para bien. "Hasta la Organización Mundial de la Salud duda del origen del virus. Antes pensaba que se había formado en la naturaleza, pero ahora creo que fue armado en un laboratorio. Es todo muy confuso y a la naturaleza le debemos mucho más que este quilombo", sentenció. 

Podés ver IP Cultural, conducido por Valeria Delgado, todos los sábados a las 16 por la pantalla de IP. 

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Murió Charlie Watts, el alma de los Stones

El músico inglés, miembro fundador de la icónica banda en la historia del rock, falleció en un hospital de Londres a los 80 años.

A través del Twitter oficial de la banda, los Rolling Stones anunciaron que su baterista Charlie Watts falleció en un hospital no especificado de Londres. El músico había anunciado que no se uniría al último tour de la banda por complicaciones de salud, aunque había remarcado que estaba intentando recuperarse para volver a la formación.

El músico cumplió 80 años en junio y formaba parte de la banda desde 1963. También se dedicaba al diseño gráfico y nunca abandonó su pasión por el dibujo ya que aprovechaba a bosquejar cada habitación de hotel mientras estaba de gira. En 2004 se reveló que Watts estaba batallando contra el cáncer de garganta, luego de haber pasado por un duro proceso de rehabilitación por adicción a drogas y alcohol en la década de los '80.

"Con gran tristeza debemos anunciar la muerte de nuestro querido Charlie Watts. Ha fallecido pacíficamente en un hospital de Londres rodeado de toda su familia. Charlie era un esposo, padre y abuelo adorado, además de miembro de The Rolling Stones y uno de los grandes bateristas de su generación", dice el comunicado que se publicó a través del Twitter oficial de la banda.

Según los medios británicos, Watts estaba recuperándose de una operación luego que los médicos encontraran un "problema". Aunque aún no se han esclarecido los detalles, sí se sabe que está relacionado por su paso en el quirófano.

Charlie Watts, el discreto baterista estrella

  • El músico conoció a Brian Jones, Ian Stewart, Mick Jagger y Keith Richards en los clubs de R&B de Londres. En 1963, un año después de su primer encuentro lograron convencerlo de unirse a The Rolling Stones para sustituir a su anterior baterista, Tony Chapman.
  • Su equipo de fútbol favorito era el Tottenham. Intentó convencer a Jagger para que se convierta en fan al llevarlo a un partido, aunque no lo logró.
  • Cuando terminó su educación formal, comenzó a trabajar en una agencia de publicidad. Durante ese tiempo se dedicó a ser baterista de varias bandas de jazz.
  • Detestaba dar entrevistas y solo muy pocos medios consiguieron exclusivas con él. "Lo único que me interesaba era tocar la batería, el resto me repelía", dijo sobre eso.
  • Una de sus anécdotas más conocidas cuenta una vez que Mick Jagger entró a su camerino gritando "¿Dónde está mi baterista?". En respuesta a esto, Watts le propinó un puñetazo en la cara y le respondió que él "no era el baterista de nadie". "Más bien, vos serás mi cantante", agregó durante el altercado.
  • Watts nunca perdió su amor por el jazz: tocó en varias big bands y fundó la "Charlie Watts Orchestra".
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Sandro de América: historia de un ídolo

El repaso por su vida y obra, revela el tamaño de este artista que marcó un antes y un después en la música popular del continente.

Se llamaba Roberto Sánchez, pero todos lo conocieron como Sandro, el nombre que marcó un hito en la historia de la música hispanoparlante. Nacido en Buenos Aires el 19 de agosto de 1945, supo deleitar al público con diferentes estilos musicales, como rock, melódico y pop. Su perfil de joven rebelde calcado de los movimientos y expresiones de Elvis Presley, junto a inspiraciones latinas románticas, marcaron su personalidad en los escenarios desde siempre. Considerado uno de los pioneros del rock en español, abandonó los estudios secundarios para dedicarse por completo a la música. Junto a su primer grupo, Sandro y Los de Fuego, inició una revolución musical en los '60, al entonar canciones en español de los pioneros norteamericanos como Paul Anka y Jerry Lee Lewis. 

Sandro de América: la historia de un ídolo

El auge del rock and roll de aquellos años lo llevó a tener miles de fanáticos que imitaban sus movimientos en el escenario. Conocido como "El Gitano", generó un quiebre en su carrera cuando, a fines de los '60, decidió abandonar el rock para centrarse en la balada romántica. Este giro inesperado provocó su consagración definitiva en todo el continente, con una cifra total de 8 millones de copias vendidas y 52 discos publicados. Temas como Rosa Rosa, Dame el fuego de tu amor, Penumbras y Una muchacha y una guitarra, marcaron a generaciones de seguidores en toda Latinoamérica. Su imagen de sex simbol fue venerada por "Las Nenas", el grupo de fanáticas que lo seguían en cada presentación y vitoreaban con gritos eufóricos después de cada tema. La fama del cantante se extendió tanto que en los '70 llegó a ser conocido como Sandro de América.

Este apodo lo acompañaría hasta el día de su muerte, el 4 de enero de 2010, a los 64 años, producto de una enfermedad pulmonar crónica por sus años de adicción al tabaco. El Gitano falleció en la ciudad mendocina de Guaymallén, luego de varios meses de intentar recuperarse de un doble trasplante de corazón y pulmones, practicado en el Hospital Italiano de esta provincia. 

Grabaciones inéditas

Con motivo de los 76 años del nacimiento del cantante, la discográfica Sony Music lanzó "Tengo una historia así", un nuevo álbum de Sandro, con nueve temas reversionados y dos inéditos. Todos fueron grabados por el artista en vida y curado por especialistas bajo la mirada de la viuda del cantante, Olga Garaventa. El material ya se puede escuchar en las plataformas de la web y también puede pedirse en formato físico. 

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Murió Pil Trafa, el cantante de Los Violadores 

El músico y referente del punk, Henrique Héctor Chalar, conocido como Pil Trafa, murió este viernes de un paro cardíaco a los 62 años.

El músico y referente del punk, Henrique Héctor Chalar, conocido como Pil Trafa, murió este viernes de un paro cardíaco a los 62 años. Chalar fue el fundador de Los Violadores, la mítica banda argentina pionera del punk latinoamericano.  "Con profundo dolor lamentamos comunicar el fallecimiento de nuestro querido líder, Enrique Chalar. Pil nos dejó físicamente esta tarde de manera repentina en su casa de Lima, Perú, a raíz de un paro cardiorrespiratorio", expresó el comunicado publicado en el Facebook de su banda, Pilsen. "Nos deja un guerrero, un pionero del punk y underground latinoamericano, letrista iluminado, portavoz de toda una generación, peleador e incansable capitán de mil batallas. No hay palabras que alcancen para expresar nuestro pesar. Acompañamos especialmente a su mujer y a su hijo en este momento y abrazamos a todos sus seguidores que tanto significaron siempre para Pil", concluyó el comunicado. 

Un pionero del punk latino

Pil Trafa nació el 1 de febrero de 1959, en el barrio porteño de Villa Urquiza. Comenzó a tocar desde muy chico, siendo influenciado por artistas como Luis Alberto Spinetta, Deep Purple y el movimiento punk de la escena londinense de fines de los setenta. "Me acuerdo que en la revista El Expreso Imaginario decían que el punk era una basura, lo peor, que era para dárselo al árbitro. Yo no nací músico, nadie en mi familia toca, y vi una oportunidad en el punk para los que no estudiamos música. En aquella época era todo jazz rock y sinfónico, todo virtuoso, todo prolijo. Yo necesitaba otra cosa"​, declaró en una entrevista sobre su estilo musical. 

 

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Gustavo Cerati y su enorme influencia artística

La gran estrella del rock latino de todos los tiempos cumpliría hoy 62 años: su legado sigue vivo en la música del continente.

Con justicia Gustavo Cerati es considerado una leyenda del rock, un artista total cuya enorme influencia se extiende a través de cuatro décadas en la música popular del continente. Con su banda Soda Stereo primero y como solista después, delineó con su obra buena parte de la poética y estética del movimiento de pop, rock y otros tantos géneros surgidos en América latina. Desde comienzos de la década de los años 80, la impronta musical de Cerati es un hito cuya marca continúa en vigencia, hoy 11 de agosto: en tiempo real, justo en el día en que hubiera cumplido 62 años. 

La irradiación del efecto Soda Stéreo a lo largo y ancho del continente impactó por una estética, un sonido y una actitud casi desconocidos hasta entonces. Cerati fue uno de los primeros héroes modernos del rock latino, por sus canciones, su estilo de interpretación vocal, los sonidos que extraía de su guitarra eléctrica y también específicamente su look, justo en la era audiovisual que despuntaba en todo el mundo a principios de los 80. El rock, como tal, era entendido en esta parte del mundo como una militancia y una actitud, pero no todavía como una imagen. Cerati cambió la historia.

Bandas y solistas de todo el continente como Café Tacuba, Aterciopelados, Shakira, Los Amigos Invisibles, Los Tres, Juanes, Mon Laferte, Babasónicos y Tan Biónica entre tantos otros, surgieron con su mirada en el espejo de Cerati y Soda Stéreo. “Fueron el trío conquistador que regó de sonidos contemporáneos y canciones poderosas cada rincón del continente, y sirvió de influencia a cientos, tal vez miles, de artistas y grupos que se inspiraron en la música y los versos sinuosos que tan bien sonaron en su canto", dijo con su habitual y florida verba Andrés Calamaro, contemporáneo de Cerati.

 

El último show de Gustavo Cerati

Fue la noche del 15 de mayo de 2010 en el campus de la Universidad Simón Bolívar de Caracas, Venezuela, en el marco de la gira que presentaba el disco “Fuerza Natural” publicado en todo el continente en 2009. Luego de tocar la canción "Lago en el cielo" y sin saberlo, Gustavo Cerati se despidió para siempre de la música. Luego del show, sufrió un accidente cerebrovascular que lo tuvo en coma durante cuatro años hasta su muerte el 4 de septiembre de 2014.


 

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Mario Barassi: "Los Super Ratones somos una familia"

El guitarrista y compositor Mario Barassi, integrante de Los Súper Ratones, conversó con Valeria Delgado para IP Cultural, sobre el presente y pasado de una banda que supo reinventarse en la escena del rock nacional.

El guitarrista y compositor Mario Barassi, integrante de Los Súper Ratones, conversó con Valeria Delgado para IP Cultural, sobre el presente y pasado de una banda que supo reinventarse en la escena del rock nacional. "Empezamos como banda en el año 1985 en Mar del Plata y de ahí formamos algo impresionante; siempre nos consideramos una familia", confesó Barassi. La banda de pop rock lanzó "Carreras de aviones", el décimo álbum de la agrupación publicado el 29 de noviembre de 2019 por la discográfica independiente Nacho Records, con distribución de Sony. Este disco es el primero luego de la muerte de José Luis Properzi, alias "Person", el cantante y líder de la agrupación que murió de cáncer a los 48 años, en 2015.

La vida después de "Person"

"Carreras de aviones", también es el primer material que la banda publicó en diez años. Además, Barassi recordó la producción musical que hicieron junto a su amigo "Person", hasta su fallecimiento. "En muy pocos días se cumplen seis años de su partida. Jamás pensamos que uno de nosotros se iba a ir a los 48 años y en el caso de "Person", era un artista excepcional, formidable. Tenía un carisma especial", reflexionó. Por su parte, el cantautor rememoró la personalidad de quien fuera uno de los principales compositores del rock local. "Él estaba en la batería y era imposible dejar de mirarlo. Fijate que el rol del baterista en una banda siempre es estar un poco más atrás del escenario, pero Person era magnético, la verdad que lo extrañamos muchísimo", destacó. 

Podés ver IP Cultural, conducido por Valeria Delgado, todos los sábados a las 16 h por la pantalla de IP.

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Andy Warhol, la estrella del pop art

El artista estadounidense que revolucionó el arte de la segunda mitad del siglo XX, resultó una fuerte influencia para la cultura rock.

La obra e influencia del artista estadounidense Andy Warhol en la cultura popular de los últimos 50 años, mantiene su onda expansiva hasta el presente. Y aparece potenciada por una extrema conexión con el rock y varios de los grandes nombres de su historia: Velvet Underground, David Bowie, Rolling Stones, John Lennon y Bob Dylan entre otros. En algunas ocasiones, Warhol fue la semilla y estímulo directo de varios momentos gloriosos de la historia del rock relacionados con esas figuras; en otras, fue distinguido eslabón de una cadena de producción comercial que aumentó el atractivo a partir de sus ideas y diseños. En resumen, aunque nunca compuso una canción ni subió a un escenario, Andy Warhol fue una auténtica estrella de rock.

Andrew Warhola -tal su verdadero apellido-, nació el 6 de agosto de 1928 en Pittburgh, estado de Pensilvania, en un hogar de padres polacos. Hoy cumpliría 93 años. Artista símbolo y creador del Pop Art, logró captar la atención del mundo con este movimiento artístico de mediados del siglo XX basado en la simpleza de la vida cotidiana e inspirado en la cultura de masas. 

 

Velvet Underground y la tapa de la banana

Como inspirador y principal impulsor, creó las condiciones para el surgimiento de Velvet Underground, una de las bandas más influyentes del rock “alternativo” de todos los tiempos. A mediados de los años 60, dos jóvenes músicos con pretensiones artísticas, Lou Reed y John Cale, fueron el germen de la banda a la que -por imposición del mismísimo Andy- habría de sumarse la modelo alemana Nico. Allí nació The Velvet Underground & Nico, cuyo primer disco resultó de alto impacto y no solo por las canciones. La tapa, con la icónica imagen de una banana sobre fondo blanco y la sugestiva frase-invitación “peel slowly and see” (pelala lentamente y vas a ver), marcó un hito. Allí nació el art rock.


 

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Valeria Acevedo: "El amor no me inspira"

La cantautora Valeria Acevedo pasó por la sección Café del Día, en Imagen Positiva. La artista visitó los estudios de IP y conversó con Nicolás Artusi sobre su presente musical que la verá presentando su último álbum, "Delirio Spam", el 4 de septiembre en The Roxy.

La cantautora Valeria Acevedo pasó por la sección Café del Día, en Imagen Positiva. La artista visitó los estudios de IP y conversó con Nicolás Artusi sobre su presente musical que la verá presentando su último álbum, Delirio Spam, el 4 de septiembre en The Roxy. "El 2020 extrañé los shows en vivo porque el streaming no es lo mismo. Pensé que no iba a poder inspirarme con nada encerrada adentro de mi casa pero mi mente pudo vencer a la ansiedad y los ataques de pánico (risas)", expresó la cantante. 

Temas nuevos y vuelta a los escenarios

Además, Acevedo remarcó la alegría que le dio el hecho de volver a los escenarios con público, respetando los protocolos. Quienes vayan a verla podrán escuchar por primera vez los singles lanzados por la artista durante la pandemia, como Flashemos colores, Ando buscando y Que salga. "La verdad que estoy muy contenta de poder estar casi a mitad de año con un show en vivo. Es algo inesperado y está buenísimo", sintetizó. También se refirió a los autores del rock nacional que influenciaron su creatividad. "Charly siempre está en mi corazón y en mi playlist; busco creación en mi mente y voy desde artistas como el Pity hasta lo que me pasó en el kiosco, lo cotidiano. El amor no me inspira (risas). Cuando estoy enamorada no escribo nada", resumió. 

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Mick Jagger: el padre de los Rolling Stones sigue vigente

Michael Philip Jagger supo inventarse como uno de los íconos culturales más grandes del Siglo XX. El compositor, músico y rockstar, cantante y principal figura de los Rolling Stones -la banda de rock más grande del mundo- nació un 26 de julio de 1943 en Kent, Reino Unido, pero su verdadero hogar sería la pasión absoluta por el rock and roll. Su inconfundible tono de voz barítono comenzó a entonar canciones en la década del ´60, mientras estudiaba en la London School of Economics de Londres. En ese momento, Jagger se reencontró con un amigo de la infancia, Keith Richards, y empezaron a hacer canciones.

Fue el inicio de una relación que los uniría hasta hoy como una de las duplas compositivas más importantes de la cultura musical contemporánea. Sus 78 años lo encuentran en plena actividad creativa, con más de cinco décadas de carrera y reconocimientos de todo tipo. Con los Stones, supo reinventarse y estar siempre a la vanguardia del rock, creando uno de las bandas más importantes del planeta. "Si pierdes tus sueños, es muy probable que pierdas tu mente", es una de sus frases más recordadas, que lo reflejan en su espíritu inquebrantable. 

Reconocimientos y canciones

Mick Jagger innovó como nadie en los géneros del rock, blues, hard rock y variantes del rhythm and blues. Es considerado un pionero de la música moderna, con temas que traspasaron culturas como Angie, Satisfaction, Paint It Black y Start Me Up. El talento de sus bailes frenéticos en el escenario, con aleteos e inflamaciones de pecho que recuerdan a un gallo de riña, fue otra de sus características copiada por miles de rolingas en el plano local. Su vestimenta de pantalones ajustados, camperas coloridas y flequillo mantenido hasta el día de hoy, marcó tendencia por generaciones. Su carrera solista y grupal fue multi premiada, con el ingreso al Salón de la Fama del Rock and Roll, tres Grammys y un Golden Globe. En 2003 fue nombrado Caballero de la Orden del Imperio Británico por sus contribuciones a la música contemporánea. ​

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

Michael Philip Jagger supo inventarse como uno de los íconos culturales más grandes del Siglo XX. El compositor, músico y rockstar, cantante y principal figura de los Rolling Stones -la banda de rock más grande del mundo- nació un 26 de julio de 1943 en Kent, Reino Unido, pero su verdadero hogar sería la pasión absoluta por el rock and roll. Su inconfundible tono de voz barítono comenzó a entonar canciones en la década del ´60, mientras estudiaba en la London School of Economics de Londres. En ese momento, Jagger se reencontró con un amigo de la infancia, Keith Richards, y empezaron a hacer canciones.

Fue el inicio de una relación que los uniría hasta hoy como una de las duplas compositivas más importantes de la cultura musical contemporánea. Sus 78 años lo encuentran en plena actividad creativa, con más de cinco décadas de carrera y reconocimientos de todo tipo. Con los Stones, supo reinventarse y estar siempre a la vanguardia del rock, creando uno de las bandas más importantes del planeta. "Si pierdes tus sueños, es muy probable que pierdas tu mente", es una de sus frases más recordadas, que lo reflejan en su espíritu inquebrantable. 

Reconocimientos y canciones

Mick Jagger innovó como nadie en los géneros del rock, blues, hard rock y variantes del rhythm and blues. Es considerado un pionero de la música moderna, con temas que traspasaron culturas como Angie, Satisfaction, Paint It Black y Start Me Up. El talento de sus bailes frenéticos en el escenario, con aleteos e inflamaciones de pecho que recuerdan a un gallo de riña, fue otra de sus características copiada por miles de rolingas en el plano local. Su vestimenta de pantalones ajustados, camperas coloridas y flequillo mantenido hasta el día de hoy, marcó tendencia por generaciones. Su carrera solista y grupal fue multi premiada, con el ingreso al Salón de la Fama del Rock and Roll, tres Grammys y un Golden Globe. En 2003 fue nombrado Caballero de la Orden del Imperio Británico por sus contribuciones a la música contemporánea. ​

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

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Premio "Rodolfo Walsh" para Indio Solari

La Facultad de Periodismo y Comunicación Social de la Universidad Nacional de La Plata entregará el Premio "Rodolfo Walsh" a la Comunicación Popular al Indio Solari, como "referente indiscutible de la música, la cultura, la política y la comunicación" y por "su responsabilidad con la palabra y los procesos sociales y su compromiso con la defensa de los derechos humanos".

En la propuesta, los consejeros de la agrupación afirmaron que creen fundamental reconocer en quien fuera la voz cantante de Los Redondos, "la grandeza y sensibilidad para expresar los sentidos, las voluntades, las miserias y las emociones colectivas, y su determinación para involucrarse en la defensa de los intereses y el bienestar del pueblo".

Por otra parte, Solari, de 72 años, será destacado por "sentar posturas claras y coherentes frente a problemáticas y debates de la sociedad, invitando a la reflexión y a tomar partido. Sin duda alguna, esto resulta un valiente acto de responsabilidad, más aún cuando eso implica cuestionar y confrontar las voces monopólicas y hegemónicas antipopulares".

Por su parte, la decana de la mencionada Facultad, Andrea Varela, destacó la propuesta de la agrupación estudiantil y afirmó: "el Indio es como Diego Maradona, ambos son personas que logran unir al pueblo y a varias generaciones". "Además, las luchas del Indio son las que siempre nos encuentran militando. No es casual que siempre sea atacado por los poderes hegemónicos", añadió.

La Facultad de Periodismo y Comunicación Social de la Universidad Nacional de La Plata entregará el Premio "Rodolfo Walsh" a la Comunicación Popular al Indio Solari, como "referente indiscutible de la música, la cultura, la política y la comunicación" y por "su responsabilidad con la palabra y los procesos sociales y su compromiso con la defensa de los derechos humanos".

En la propuesta, los consejeros de la agrupación afirmaron que creen fundamental reconocer en quien fuera la voz cantante de Los Redondos, "la grandeza y sensibilidad para expresar los sentidos, las voluntades, las miserias y las emociones colectivas, y su determinación para involucrarse en la defensa de los intereses y el bienestar del pueblo".

Por otra parte, Solari, de 72 años, será destacado por "sentar posturas claras y coherentes frente a problemáticas y debates de la sociedad, invitando a la reflexión y a tomar partido. Sin duda alguna, esto resulta un valiente acto de responsabilidad, más aún cuando eso implica cuestionar y confrontar las voces monopólicas y hegemónicas antipopulares".

Por su parte, la decana de la mencionada Facultad, Andrea Varela, destacó la propuesta de la agrupación estudiantil y afirmó: "el Indio es como Diego Maradona, ambos son personas que logran unir al pueblo y a varias generaciones". "Además, las luchas del Indio son las que siempre nos encuentran militando. No es casual que siempre sea atacado por los poderes hegemónicos", añadió.

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A 57 años de la fundación de Pink Floyd

Roger Waters y Nick Mason estudiaban arquitectura en el Politécnico de Londres cuando decidieron formar The Tea Set, un quinteto de rock underground que había conquistado al público de culto de los circuitos británicos. Pero así como John Lennon dijo que "todo comenzó a moverse realmente" cuando llegó Paul McCartney a The Beatles, la banda casual de estudiantes dio un giro de 180 grados cuando conocieron a Syd Barrett, cantante y guitarrista. Así, el 5 de julio de 1964 se formó Pink Floyd, la banda que rompió el paradigma del rock y abrió paso con su sonido único.

Barrett fue quien llevó la banda a un nuevo nivel y propuso que su deontología se tratara de magia psicodélica, filosofía y una fusión de estilos experimentales. Su primer single See Emily Play llegó al Top 10 de Inglaterra y encarnó el espíritu del "Flower Power" británico, que sumaba mucho más de cinismo Beat que el movimiento en Estados Unidos. 

Pink Floyd fue contracultura para aquellos que rechazaban los ritmos más "pop" de Bob Dylan y The Beatles; se transformó en la cristalización de una visión más adulta a la era de la desobediencia civil. El debate constante sobre el género de la banda subyace en que la experimentación y los procesos de los integrantes partían de una formación musical y personal con una perspectiva completamente distinta. Esto fue lo que finalmente desató una desincronización cíclica que se desenlazó en la separación de la formación original, donde cada uno se aisló y buscó su camino propio luego de perder al espíritu intempestivo de Barrett, a quien el abuso de drogas como el LSD lo llevó a tener un comportamiento demasiado errático como para seguir en la banda.

Pink Floyd fundó los arquetipos de dos de los géneros que se fundaron gracias al cuello de botella entre el rock de Elvis Presley y la popularidad del jazz y blues: el rock psicodélico y un rock progresivo con bases bluseras. Su impronta de crítica política reflejó una sociedad que había comenzado a caer estrepitosamente ante la realidad de la Guerra Fría. 

5 canciones para celebrar su aniversario

  • Comfortably Numb (del disco The Wall)
  • Wish You Were Here (del disco Wish You Were Here)
  • Another Brick in the Wall (Part II) (del disco The Wall)
  • Money (del disco The Dark Side of The Moon)
  • Echoes (del disco Meddle)

 

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

Roger Waters y Nick Mason estudiaban arquitectura en el Politécnico de Londres cuando decidieron formar The Tea Set, un quinteto de rock underground que había conquistado al público de culto de los circuitos británicos. Pero así como John Lennon dijo que "todo comenzó a moverse realmente" cuando llegó Paul McCartney a The Beatles, la banda casual de estudiantes dio un giro de 180 grados cuando conocieron a Syd Barrett, cantante y guitarrista. Así, el 5 de julio de 1964 se formó Pink Floyd, la banda que rompió el paradigma del rock y abrió paso con su sonido único.

Barrett fue quien llevó la banda a un nuevo nivel y propuso que su deontología se tratara de magia psicodélica, filosofía y una fusión de estilos experimentales. Su primer single See Emily Play llegó al Top 10 de Inglaterra y encarnó el espíritu del "Flower Power" británico, que sumaba mucho más de cinismo Beat que el movimiento en Estados Unidos. 

Pink Floyd fue contracultura para aquellos que rechazaban los ritmos más "pop" de Bob Dylan y The Beatles; se transformó en la cristalización de una visión más adulta a la era de la desobediencia civil. El debate constante sobre el género de la banda subyace en que la experimentación y los procesos de los integrantes partían de una formación musical y personal con una perspectiva completamente distinta. Esto fue lo que finalmente desató una desincronización cíclica que se desenlazó en la separación de la formación original, donde cada uno se aisló y buscó su camino propio luego de perder al espíritu intempestivo de Barrett, a quien el abuso de drogas como el LSD lo llevó a tener un comportamiento demasiado errático como para seguir en la banda.

Pink Floyd fundó los arquetipos de dos de los géneros que se fundaron gracias al cuello de botella entre el rock de Elvis Presley y la popularidad del jazz y blues: el rock psicodélico y un rock progresivo con bases bluseras. Su impronta de crítica política reflejó una sociedad que había comenzado a caer estrepitosamente ante la realidad de la Guerra Fría. 

5 canciones para celebrar su aniversario

  • Comfortably Numb (del disco The Wall)
  • Wish You Were Here (del disco Wish You Were Here)
  • Another Brick in the Wall (Part II) (del disco The Wall)
  • Money (del disco The Dark Side of The Moon)
  • Echoes (del disco Meddle)

 

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

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A 50 años de la muerte del "Rey Lagarto"

Un día como hoy, hace 50 años, murió en Paris James Douglas Morrison, conocido en todo el mundo como "Jim" Morrison. Cantante y poeta, fue reconocido universalmente por ser uno de los mayores exponentes de la rebeldía del rock. Nacido el 8 de diciembre de 1943, en Melbourne, Florida, su lírica llena de giros sobre libertad, amor, drogas y existencialismo, lo convirtió en un imprescindible de la música del Siglo XX. Gran lector de todo lo que se le cruzaba, desarrolló un gusto temprano por autores como Aldous Huxley, que veían al mundo como una gran alucinación. Ese "más allá" distorsionado lo llevó a tener una vida siempre al límite, cerca de la trilogía de sexo, drogas y rock and roll. 

Aquella pulsión incontrolable de mostrar su arte, se vio plasmada cuando decidió formar The Doors, una de las bandas de rock psicodélico que marcó un hito en la historia musical contemporánea. La fuerza en las letras de Morrison, unidos a sus dotes innatos de performer, lo llevaron a la idolatría de las masas que deliraban mirándolo moverse y cantar en el escenario. "Me veo a mi mismo como un humano inteligente, sensible, con el alma de un payaso que me obliga a volar en los momentos más importantes", se definió en una ocasión.

Símbolo de la contracultura juvenil de los años ´60, supo ser uno de los principales referentes de la cultura beatnik, ligada a la literatura, prueba de sustancias y composición. Morrison no sólo fue admirado por músicos contemporáneos como Jimi Hendrix o Carlos Santana, sino que despertó fanatismos en los círculos poéticos que lideraban William Burroughs y Allen Ginsberg. “Si mi poesía intenta algo, es liberar a la gente de sus límites para ver y sentir”, es una de sus frases que reflejó su deseo de libertad. Autor de canciones inoxidables como Light my fire, The end y Break on Through, es recordado como un ícono de arrogancia y belleza. También conocido como El Rey Lagarto o El Chamán, desarrolló una dependencia al alcohol y la heroína que terminarían matándolo.  

Su misteriosa muerte

Morrison dejó este mundo a los 27 años, el 3 de julio de 1971. Si bien el acta de defunción indica que murió por un paro cardíaco, muchos fanáticos dudan de esta versión, porque los peritos no realizaron una autopsia que certifique la causa de muerte. Jim, fue encontrado por su novia, Pamela Courson, sin vida adentro de una bañera de su departamento en el barrio Le Marais, de París. Algunos allegados pusieron en duda esta versión, alegando "circunstancias extrañas" de su deceso. Una de las teorías más fuertes, indicó que El Rey Lagarto le tenía fobia a las agujas, por lo que no podría haber muerto de una sobredosis de heroína, tal como lo afirmó la historia oficial. "Contra el demonio dentro de ti mismo", reza el epitafio de su tumba en el cementerio de Pere Lachaise, manifestando ese misterioso espíritu que lo acompañó durante toda su vida. 

Un día como hoy, hace 50 años, murió en Paris James Douglas Morrison, conocido en todo el mundo como "Jim" Morrison. Cantante y poeta, fue reconocido universalmente por ser uno de los mayores exponentes de la rebeldía del rock. Nacido el 8 de diciembre de 1943, en Melbourne, Florida, su lírica llena de giros sobre libertad, amor, drogas y existencialismo, lo convirtió en un imprescindible de la música del Siglo XX. Gran lector de todo lo que se le cruzaba, desarrolló un gusto temprano por autores como Aldous Huxley, que veían al mundo como una gran alucinación. Ese "más allá" distorsionado lo llevó a tener una vida siempre al límite, cerca de la trilogía de sexo, drogas y rock and roll. 

Aquella pulsión incontrolable de mostrar su arte, se vio plasmada cuando decidió formar The Doors, una de las bandas de rock psicodélico que marcó un hito en la historia musical contemporánea. La fuerza en las letras de Morrison, unidos a sus dotes innatos de performer, lo llevaron a la idolatría de las masas que deliraban mirándolo moverse y cantar en el escenario. "Me veo a mi mismo como un humano inteligente, sensible, con el alma de un payaso que me obliga a volar en los momentos más importantes", se definió en una ocasión.

Símbolo de la contracultura juvenil de los años ´60, supo ser uno de los principales referentes de la cultura beatnik, ligada a la literatura, prueba de sustancias y composición. Morrison no sólo fue admirado por músicos contemporáneos como Jimi Hendrix o Carlos Santana, sino que despertó fanatismos en los círculos poéticos que lideraban William Burroughs y Allen Ginsberg. “Si mi poesía intenta algo, es liberar a la gente de sus límites para ver y sentir”, es una de sus frases que reflejó su deseo de libertad. Autor de canciones inoxidables como Light my fire, The end y Break on Through, es recordado como un ícono de arrogancia y belleza. También conocido como El Rey Lagarto o El Chamán, desarrolló una dependencia al alcohol y la heroína que terminarían matándolo.  

Su misteriosa muerte

Morrison dejó este mundo a los 27 años, el 3 de julio de 1971. Si bien el acta de defunción indica que murió por un paro cardíaco, muchos fanáticos dudan de esta versión, porque los peritos no realizaron una autopsia que certifique la causa de muerte. Jim, fue encontrado por su novia, Pamela Courson, sin vida adentro de una bañera de su departamento en el barrio Le Marais, de París. Algunos allegados pusieron en duda esta versión, alegando "circunstancias extrañas" de su deceso. Una de las teorías más fuertes, indicó que El Rey Lagarto le tenía fobia a las agujas, por lo que no podría haber muerto de una sobredosis de heroína, tal como lo afirmó la historia oficial. "Contra el demonio dentro de ti mismo", reza el epitafio de su tumba en el cementerio de Pere Lachaise, manifestando ese misterioso espíritu que lo acompañó durante toda su vida. 

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