Michael Philip Jagger supo inventarse como uno de los íconos culturales más grandes del Siglo XX. El compositor, músico y rockstar, cantante y principal figura de los Rolling Stones -la banda de rock más grande del mundo- nació un 26 de julio de 1943 en Kent, Reino Unido, pero su verdadero hogar sería la pasión absoluta por el rock and roll. Su inconfundible tono de voz barítono comenzó a entonar canciones en la década del ´60, mientras estudiaba en la London School of Economics de Londres. En ese momento, Jagger se reencontró con un amigo de la infancia, Keith Richards, y empezaron a hacer canciones.
Fue el inicio de una relación que los uniría hasta hoy como una de las duplas compositivas más importantes de la cultura musical contemporánea. Sus 78 años lo encuentran en plena actividad creativa, con más de cinco décadas de carrera y reconocimientos de todo tipo. Con los Stones, supo reinventarse y estar siempre a la vanguardia del rock, creando uno de las bandas más importantes del planeta. "Si pierdes tus sueños, es muy probable que pierdas tu mente", es una de sus frases más recordadas, que lo reflejan en su espíritu inquebrantable.
Mick Jagger innovó como nadie en los géneros del rock, blues, hard rock y variantes del rhythm and blues. Es considerado un pionero de la música moderna, con temas que traspasaron culturas como Angie, Satisfaction, Paint It Black y Start Me Up. El talento de sus bailes frenéticos en el escenario, con aleteos e inflamaciones de pecho que recuerdan a un gallo de riña, fue otra de sus características copiada por miles de rolingas en el plano local. Su vestimenta de pantalones ajustados, camperas coloridas y flequillo mantenido hasta el día de hoy, marcó tendencia por generaciones. Su carrera solista y grupal fue multi premiada, con el ingreso al Salón de la Fama del Rock and Roll, tres Grammys y un Golden Globe. En 2003 fue nombrado Caballero de la Orden del Imperio Británico por sus contribuciones a la música contemporánea.
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La Facultad de Periodismo y Comunicación Social de la Universidad Nacional de La Plata entregará el Premio "Rodolfo Walsh" a la Comunicación Popular al Indio Solari, como "referente indiscutible de la música, la cultura, la política y la comunicación" y por "su responsabilidad con la palabra y los procesos sociales y su compromiso con la defensa de los derechos humanos".
En la propuesta, los consejeros de la agrupación afirmaron que creen fundamental reconocer en quien fuera la voz cantante de Los Redondos, "la grandeza y sensibilidad para expresar los sentidos, las voluntades, las miserias y las emociones colectivas, y su determinación para involucrarse en la defensa de los intereses y el bienestar del pueblo".
Por otra parte, Solari, de 72 años, será destacado por "sentar posturas claras y coherentes frente a problemáticas y debates de la sociedad, invitando a la reflexión y a tomar partido. Sin duda alguna, esto resulta un valiente acto de responsabilidad, más aún cuando eso implica cuestionar y confrontar las voces monopólicas y hegemónicas antipopulares".
Por su parte, la decana de la mencionada Facultad, Andrea Varela, destacó la propuesta de la agrupación estudiantil y afirmó: "el Indio es como Diego Maradona, ambos son personas que logran unir al pueblo y a varias generaciones". "Además, las luchas del Indio son las que siempre nos encuentran militando. No es casual que siempre sea atacado por los poderes hegemónicos", añadió.
Roger Waters y Nick Mason estudiaban arquitectura en el Politécnico de Londres cuando decidieron formar The Tea Set, un quinteto de rock underground que había conquistado al público de culto de los circuitos británicos. Pero así como John Lennon dijo que "todo comenzó a moverse realmente" cuando llegó Paul McCartney a The Beatles, la banda casual de estudiantes dio un giro de 180 grados cuando conocieron a Syd Barrett, cantante y guitarrista. Así, el 5 de julio de 1964 se formó Pink Floyd, la banda que rompió el paradigma del rock y abrió paso con su sonido único.
Barrett fue quien llevó la banda a un nuevo nivel y propuso que su deontología se tratara de magia psicodélica, filosofía y una fusión de estilos experimentales. Su primer single See Emily Play llegó al Top 10 de Inglaterra y encarnó el espíritu del "Flower Power" británico, que sumaba mucho más de cinismo Beat que el movimiento en Estados Unidos.
Pink Floyd fue contracultura para aquellos que rechazaban los ritmos más "pop" de Bob Dylan y The Beatles; se transformó en la cristalización de una visión más adulta a la era de la desobediencia civil. El debate constante sobre el género de la banda subyace en que la experimentación y los procesos de los integrantes partían de una formación musical y personal con una perspectiva completamente distinta. Esto fue lo que finalmente desató una desincronización cíclica que se desenlazó en la separación de la formación original, donde cada uno se aisló y buscó su camino propio luego de perder al espíritu intempestivo de Barrett, a quien el abuso de drogas como el LSD lo llevó a tener un comportamiento demasiado errático como para seguir en la banda.
Pink Floyd fundó los arquetipos de dos de los géneros que se fundaron gracias al cuello de botella entre el rock de Elvis Presley y la popularidad del jazz y blues: el rock psicodélico y un rock progresivo con bases bluseras. Su impronta de crítica política reflejó una sociedad que había comenzado a caer estrepitosamente ante la realidad de la Guerra Fría.
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Un día como hoy, hace 50 años, murió en Paris James Douglas Morrison, conocido en todo el mundo como "Jim" Morrison. Cantante y poeta, fue reconocido universalmente por ser uno de los mayores exponentes de la rebeldía del rock. Nacido el 8 de diciembre de 1943, en Melbourne, Florida, su lírica llena de giros sobre libertad, amor, drogas y existencialismo, lo convirtió en un imprescindible de la música del Siglo XX. Gran lector de todo lo que se le cruzaba, desarrolló un gusto temprano por autores como Aldous Huxley, que veían al mundo como una gran alucinación. Ese "más allá" distorsionado lo llevó a tener una vida siempre al límite, cerca de la trilogía de sexo, drogas y rock and roll.
Aquella pulsión incontrolable de mostrar su arte, se vio plasmada cuando decidió formar The Doors, una de las bandas de rock psicodélico que marcó un hito en la historia musical contemporánea. La fuerza en las letras de Morrison, unidos a sus dotes innatos de performer, lo llevaron a la idolatría de las masas que deliraban mirándolo moverse y cantar en el escenario. "Me veo a mi mismo como un humano inteligente, sensible, con el alma de un payaso que me obliga a volar en los momentos más importantes", se definió en una ocasión.
Símbolo de la contracultura juvenil de los años ´60, supo ser uno de los principales referentes de la cultura beatnik, ligada a la literatura, prueba de sustancias y composición. Morrison no sólo fue admirado por músicos contemporáneos como Jimi Hendrix o Carlos Santana, sino que despertó fanatismos en los círculos poéticos que lideraban William Burroughs y Allen Ginsberg. “Si mi poesía intenta algo, es liberar a la gente de sus límites para ver y sentir”, es una de sus frases que reflejó su deseo de libertad. Autor de canciones inoxidables como Light my fire, The end y Break on Through, es recordado como un ícono de arrogancia y belleza. También conocido como El Rey Lagarto o El Chamán, desarrolló una dependencia al alcohol y la heroína que terminarían matándolo.
Morrison dejó este mundo a los 27 años, el 3 de julio de 1971. Si bien el acta de defunción indica que murió por un paro cardíaco, muchos fanáticos dudan de esta versión, porque los peritos no realizaron una autopsia que certifique la causa de muerte. Jim, fue encontrado por su novia, Pamela Courson, sin vida adentro de una bañera de su departamento en el barrio Le Marais, de París. Algunos allegados pusieron en duda esta versión, alegando "circunstancias extrañas" de su deceso. Una de las teorías más fuertes, indicó que El Rey Lagarto le tenía fobia a las agujas, por lo que no podría haber muerto de una sobredosis de heroína, tal como lo afirmó la historia oficial. "Contra el demonio dentro de ti mismo", reza el epitafio de su tumba en el cementerio de Pere Lachaise, manifestando ese misterioso espíritu que lo acompañó durante toda su vida.
La fotógrafa y artista visual, Nora Lezano, conversó con conversó de su presente creativo con Mercedes Ezquiaga, en IP Cultural para IP Noticias. Lezano, que se destacó por realizar fotos icónicas a diferentes personalidades del rock argentino, repasó Los Suicidas, la obra que armó junto al actor Rafael Ferro. "Es una serie de fotos inspiradas en el título de uno de los libros más representativos del escritor Antonio Di Benedetto. A los dos nos había gustado el libro; le tomé unas fotos a Rafa leyendo y las mezclé con otras mías que me había tomado en un retiro en Alicante. De ese cruce salió el trabajo que ya está en todas las redes", explicó la artista y agregó que le gustaría editarlo en papel.
Además, Lezano recordó Fan, la exposición de retratos a personajes míticos del rock nacional y su trabajo visual con Gustavo Cerati para Fuerza Natural, el último disco del artista. "Me hice fotógrafa con Charly y de Gustavo soy gran admiradora desde antes de haberlo conocido. Compartir cosas con ellos fue único. Yo me rateaba del colegio para ir a la casa de Cerati para ver si podía engancharlo (risas). Nunca lo ví, pero desde joven demostré mi amor por la música", relató.
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Lírico, rupturista, poético y cool: todas esas características fueron atribuidas a Miles Dewey Davis III, más conocido como Miles Davis. Desde su nacimiento en Alton, Illinois, el 26 de mayo de 1926, hace 95 años, fue construyendo un mito de la música y el jazz moderno. El trompetista y compositor norteamericano encontró su reconocimiento a la par de figuras como Duke Ellington, John Coltrane, Charlie Parker y Lous Armstrong. Su impronta de vanguardia enfrascada en distintos estilos musicales como el bebop, el vanguardismo y el jazzbop, lo referencian como un intérprete singular e indiscutido.
“Cuando creas en tí, ni el cielo será tu límite”, era una de sus frases más recordadas y una de las que aplicó en toda su carrera musical, plasmada en la libertad de sus composiciones. El sonido intimista y suave que lograba improvisar en su trompeta, lo llevó a tocar desde muy joven en clubes nocturnos de Nueva York. En 1947 grabó junto al saxofonista Charlie Parker del que fue amigo hasta sus últimos días. Incorporó agrupaciones con saxos altos, barítonos, tubas y trompetas, incursionando de manera nunca vista en los grupos de jazz de los años ´50. Esto le valió la admiración de varios colegas como Gerry Mulligan, Kenny Clarke y Lee Konitz.
Sus primeros discos, Young man with a horn (1952), Blue period (1953) y Porgy and Bess (1958), fueron algunos de los pilares de una carrera basada en la melancolía y el aplauso. A fines de los años ´60, comenzó a experimentar en el jazz fusion, con la producción del reconocido compositor Teo Macero, con títulos como Nefertiti o In a silent way acercándose cada vez más al rock. Este género también lo recibe con los brazos abiertos, grabando con artistas que Davis se encarga de descubrir, como el bajista de los Rolling Stones, Darryl Jones o el saxofonista Kenny Garret.
La mezcla de estilos continuó en sus últimos años de vida, grabando temas de Michael Jackson y Cindy Lauper. Falleció el 28 de septiembre de 1991, a los 65 años, en Los Ángeles. “Sé lo que he hecho por la música, pero no me llaman "leyenda". Simplemente me llaman Miles Davis”, declaró en una de sus entrevistas. Así será recordado siempre.
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Bob Dylan nació un 24 de mayo de 1941 para darle una patada al tablero del rock. Pero la etiqueta de “músico” le queda chica: es tan compositor como poeta; el talento para los versos le valió un Nobel de Literatura en 2016, que −entre idas y vueltas− finalmente aceptó. Nacido como Robert Allen Zimmerman, el cantautor estadounidense parió una prolífica obra de 39 álbumes de estudio, desde 1961 hasta 2020, que marcó a fuego la cultura popular del mundo.
A lo largo de su carrera, Dylan atravesó distintas etapas y experimentó diversos géneros. Entre sus hitos más destacados es obligatorio mencionar al festival de folk de Newport, en 1965. Allí, el famoso “Dylan electrificado” se paró frente a una multitud para recibir abucheos y reclamos. ¿La razón? Había abandonado al folk ortodoxo para enfrentar cualquier crítica con un sonido más eléctrico, liderado principalmente por la guitarra de Mike Bloomfield. Así se posicionó como referente de la contracultura y señaló el camino para los intérpretes de rock que vinieron después.
Otro concierto histórico, en San Diego, merece mención: la noche de su bautismo. El 17 de noviembre de 1978, un fanático arrojó una cruz de plata al escenario. Dylan la levantó, y según contó en varias ocasiones, sintió escalofríos y temblores por todo el cuerpo. Una señal, conforme a su interpretación, que lo volcó hacia su veta más religiosa y abrió la puerta a la trilogía discográfica cristiana: Slow Train Coming (1979), Saved (1980) y Shot of Love (1981). Una serie de estrenos que si bien no fueron de los más exitosos a nivel comercial, perfilaron un estilo y fundaron un acontecimiento.
Hits tiene muchos, anécdotas más. Su trayectoria viró entre curvas y contracurvas, aunque con definición: Bob Dylan siempre controló su camino, protagonista de un legado vivo que se insertó en generaciones pasadas y penetrará las venideras. Porque su fórmula es lo genuino y la convicción: “Lo único que puedo hacer es ser yo, sea lo que sea que eso signifique”.
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A través de una imagen compartida en sus redes sociales, el Indio Solari confirmó el lanzamiento de su nuevo libro: "La vida es una misión secreta", que será publicado el 1 de junio por la editorial Penguin Random Hose, reúne 25 canciones del cantante y compositor ilustrados por Serafín (el mismo artista que ya colaboró en su anterior edición "Escenas del delito americano").
“Voy a hacer La vida es una misión secreta, pero no será un CD”, había adelantado sin mayores detalles Solari al periodista y escritor Marcelo Figueras en una entrevista radial, en diciembre de 2020. El mismo autor, amigo personal del cantante, publicó un texto que resume la idea de esta edición: “Este libro es un acto de justicia poética. Porque, por más acostumbrados que estemos a pensar en el Indio como un hombre de palabra(s), lo cierto es que siempre ha sido un artista visual que produce su poesía como pintor antes que como escritor”, escribió Figueras. “En su decisión de iluminar esas palabras que creíamos tan familiares, Serafín procede convencido de que detrás de lo que el Indio escribe siempre hay imágenes; de que todo lo que canta es para conjurar visiones, para forzarnos a ver algo en lo que antes no habíamos reparado”.
El 19 de mayo de 1972, hace 49 años, murió el cantautor argentino José Alberto Iglesias, más conocido como Tanguito. Nacido en Caseros, Provincia de Buenos Aires, el 16 de septiembre de 1945, fue y es reconocido como uno de los pioneros del rock argentino. De espíritu rebelde e introvertido, decidió abandonar los estudios a los 15 años para dedicarse a la música. Empezó cantando en clubes porteños de Flores y Mataderos que pasaban tangos como música principal. De ahí surgió el apodo que lo acompañaría en adelante.
En 1963 debutó como cantante del grupo Los Dukes, grabando los singles "Decí por qué no querés" y “Mi pancha”, su primera composición registrada. Ganó reconocimiento, compartiendo escenario con artistas como Billy Bond y Sandro y Los de Fuego. Formó parte de veladas bohemias en las que se compartía poesía, jazz, rock, junto a otros personajes inolvidables como Miguel Abuelo y Litto Nebbia. “Estoy tan solo y triste acá en este mundo abandonado”, fue una de las frases que escribió con Nebbia y lo eternizaron.
Fue con este último que entabló una gran amistad que lo llevaría a crear el mito fundacional de la historia del rock argentino: la canción La Balsa. Tanguito escribió los primeros acordes de La Balsa en el baño del bar y pizzería La Perla del barrio porteño de Once, la madrugada del 2 de mayo de 1967. Fue publicada el 3 de julio de ese mismo año con un éxito rotundo que contrastaba con la creciente adicción de Tanguito a las anfetaminas.
El cantante comenzó a perder el control hasta ser internado en 1971, en el Hospital Borda en el que fue abandonado a su suerte y sometido a terapias agresivas de electroshock. Tanguito logró fugarse el 19 de mayo de 1972, llegando a la Estación Palermo del tren San Martín. Cerca de las 10:50hs. cayó a las vías del tren en circunstancias poco claras y fue encontrado muerto. Sus canciones quedarán grabadas en el imaginario del rock latinoamericano para siempre.
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Rodolfo García, histórico baterista del rock argentino en bandas como Almendra y Aquelarre, murió luego de haber sufrido un ACV la semana pasada. El miércoles 28 de abril, luego de ver el partido de River por la Copa Libertadores, se desmayó en su casa y debió ser trasladado de urgencia al Hospital Tornú de la Ciudad de Buenos Aires. Allí permanecía con muerte cerebral hasta el momento de su fallecimiento.
Amigo en la adolescencia de Luis Alberto Spinetta, García fue quien lo sumó al grupo Los Larkins, el embrión de lo que fue Almendra -considerada todavía- una de las bandas más grandes de la historia del rock argentino, con un disco debut extraordinario y un legado poético-artístico que perdura hasta el presente. Como baterista, volvió a tocar con Spinetta en las reuniones de Almendra -incluida la célebre noche del show "Spinetta y las bandas eternas" y en Los Amigo, el último grupo que lideró el célebre cantante y compositor. También integró Aquelarre, junto a Emilio Del Guercio, Héctor Starc y Hugo González Neira, otra banda relevante de la primera mitad de los años 70 como parte de llamado "rock progresivo" en boga por aquellos años.
El show de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, la banda acompañante del Indio Solari, emitido el sábado vía streaming desde Villa Epecuén, Provincia de Buenos Aires, se convirtió en un verdadero fenómeno popular, pero virtual. Desde el sábado y hasta el momento, el recital suma más de 1.200.000 de vistas en YouTube y la cifra está en permanente aumento.
Poco antes de las 22hs del sábado se vivió una situación particular para este tipo de espectáculos. El servidor de la empresa a cargo de la venta de entradas y transmisión, colapsó por el ingreso simultáneo de 23.000 mil personas. Así es que la banda decidió “liberar” el contenido y emitirlo en su canal oficial de YouTube: allí, poco después de las 23.30hs, más de 90 mil personas se conectaron (llegaron a ser 500.000). Una vez más, el show se pudo ver gratis: tal como solía pasar en los recitales de Los Redonditos de Ricota y el Indio Solari solista luego, miles ingresaron sin entrada. Un dato del folklore que rodea al artista.
Desde un imponente escenario montado sobre las ruinas de una zona que quedó sepultada por inundaciones a mediados de los años 80, la banda desplegó un largo e intenso show con canciones de la etapa solista de Solari y sí, unos cuantos hits -y canciones de culto, también- de los míticos Redondos. Sobre el final del show, como un espectro, apareció Solari desde las pantallas para cantar dos nuevas canciones: “Las ventajas de rezar solo” y la premonitoria y emocionante “Encuentro con un ángel amateur” -una especie de auto epitafio que él mismo escribió, conocida su condición de salud.
Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, la banda del Indio Solari, tocará vía streaming este sábado desde Epecuén, en la Provincia de Buenos Aires, y ayer pidió a través de sus redes sociales que los fans no vayan a la ciudad bonaerense para verlos en vivo. "Provocar un evento que podría convertirse en masivo, va en contra de la idea misma de esta convocatoria", aseguró la banda.
El grupo integrado por Gaspar Benegas y Baltasar Comotto, en guitarras y voces; Pablo Sbaraglia, en teclados, guitarra y voz; Fernando Nalé, en bajo y voz; Deborah Dixon y Luciana Palacios, en coros; Sergio Colombo, en saxo y voz; Miguel Ángel Tallarita, en trompeta; y Ramiro López Naguil, en batería, pidió disfrutar del show en sus casas.
"Las cosas no están fáciles. Cómo siempre, cuidémonos entre todos", pidieron desde un hilo de su cuenta de Twitter, que fue compartido también desde la cuenta oficial del Indio Solari.
Mick Jagger y Dave Grohl estrenaron por sorpresa una potente canción de puro rock titulada “Easy Sleazy”, que reflexiona sobre la era del coronavirus y la cuarentena. A sus 77 años, el mítico cantante de los Rolling Stones vuelve con este tema escrito por él mismo, donde le pone voz y toca el bajo y la guitarra. Grohl, líder de Foo Fighters y ex Nirvana, pone lo suyo en guitarras también, pero especialmente toca (y muy bien, como siempre) la batería.
En un tuit, Jagger introdujo el estreno. “Quería compartir esta canción que escribí sobre la salida del confinamiento, con un optimismo muy necesario”, escribió. A la vez agradeció la colaboración de Grohl: “fue muy divertido trabajar con vos”. El guitarrista y cantante de Foo Fighters devolvió gentilezas y expresó “es muy difícil poner en palabras lo que significó para mí grabar esta canción con Sir Mick. Es mucho más que un sueño hecho realidad”.
El 5 de abril de 1994 el guitarrista y cantante Kurt Cobain se suicidó de un disparo. A los 27 años como la cara visible de Nirvana, era la estrella de rock del momento. A la vez, era un muchacho con una torturada existencia entre la depresión y continuas recaídas por su adicción a la heroína. Tres días después de su muerte hallaron su cadáver en su casa de Seattle (Washington, EE.UU.). Pasaba a engrosar la lista del “club de los 27” en la historia del rock: allí revisten como socios prominentes leyendas del tamaño de Jim Morrison, Janis Joplin y Jimmy Hendrix. Nacía el mito de Kurt Cobain.
Sobreviviente de una infancia difícil -marcada por el divorcio de sus padres- Cobain fue blanco de maltrato en la escuela y pronto la dejó para dedicarse al vagabundeo y las drogas. En ese camino sin rumbo, se cruzó con una guitarra y una vez más, el rock fue redención para un alma perdida. A fines de los años 80 armó Nirvana con el baterista Dave Grohl y el bajista Chris Novoselic. Publicaron un primer disco del que casi nadie pareció enterarse y a fuerza de una llamativa actitud escénica y poderosas canciones que desataban verdaderas tormentas eléctricas, se hicieron un nombre.
Cuando Nirvana publicó “Nevermind” en 1991 nada hacía prever lo que habría de suceder. Una canción, un video y una letra como manifiesto generacional, todo encapsulado en poco más de 4 minutos bajo el título de “Smell like teen spirit”, generó el impacto de un terremoto en la insípida escena del rock & pop global de ese momento, gobernada por sonidos más bien convencionales: ya sean de Michael Jackson o Madonna, y también U2 y Guns N´ Roses. Nirvana rompió con todo: impuso la palabra “grunge” -sucio, desaliñado- como nuevo género definitorio de una era y disparó a Cobain al Olimpo de las estrellas. Allí, durante poco menos de tres años, no tuvo paz. Más bien todo lo contrario: convertido en millonario y objeto de deseo para los paparazzi, fue incapaz de asimilarlo. En paralelo intentaba llevar adelante una tumultuosa relación amorosa con la también cantante Courtney Love, asumir el nacimiento de la hija de ambos -Francis Bean- y lidiar con giras, entrevistas promocionales y planes de marketing. No lo soportó. Y se pegó un tiro en la sien. Sus canciones lo sobreviven.
Se cumplen 40 años de los cinco recitales que marcaron a una generación entera de argentinas y argentinos fanáticos del rock. Con 3 shows en el estadio Vélez, uno en Mar del Plata y otro en la ciudad santafesina de Rosario, la banda británica Queen aterrizaba en el país en 1981 para cambiarlo todo.
Según cuenta el periodista Juan Manuel Cibeira a Aspen, “ninguna de las productoras locales” podían creer este fenómeno que había traído al país Alfredo Capalbo, un productor musical poco relacionado hasta ese momento con el universo del rock.
Pero así fue: Queen vino a la Argentina en pleno apogeo, después de haber lanzado los éxitos “Another one bites the dust” y “Crazy little thing called love”, y en medio de la dictadura militar que ya hacía varios años que gobernaba el país.
“Fue el evento que resignificó el negocio de la música porque posibilitó que vinieran artistas internacionales que nunca se habían animado a bajar a Latinoamérica”, cuenta Cibeira.
Antonio Birabent pasó por IP Noticias. El músico y actor argentino habló con Nicolás Artusi para Imagen Positiva, sobre distintos temas de su actualidad en el espectáculo. En la sección Café del día, el artista abrió su intimidad respecto de la composición y el amor por la ciudad.
"Los bares de Buenos Aires son algunos de los pocos refugios que quedan para la sensibilidad y la nostalgia. Son lugares que me hacen sentir uno con la ciudad", declaró el compositor.
La última montaña, su nuevo disco compuesto junto a su padre Moris, es el resultado de esa exploración frustrada durante la pandemia. "Necesitamos salir de la ciudad e imaginar otros paisajes. Tenemos ese vicio de observar y escribir; tanto mi padre como yo estamos muy contentos de la recepción del disco", aseguró.
El álbum rescata la figura del hombre que pasea sin rumbo fijo y deja que la ciudad lo sorprenda. "Hay discos enteros que escribí en esa actitud de viajante sin destino; me gusta decir que soy un caminante atento", sostuvo.
Birabent presentará el disco junto a Moris el 17 de febrero en el auditorio del Parque Centenario.
El clásico café de la mañana de Nico Artusi en “Imagen Positiva”, se compartió con el músico cordobés Gabriel Pedernera, integrante del power trío Eruca Sativa y productor de buena parte de los mejores discos de rock argentino de la última década. “La música de Spinetta, especialmente las etapas de Invisible y Pescado Rabioso, me detonó”, contó Pedernera sobre sus años de adolescencia y descubrimiento del rock como motor vital.
Sobre el significado de la música en tanto banda de sonido de la vida cotidiana de las personas (él, como fan de los Beatles por ejemplo; o aquello que le sucede a los fans de su banda), contó que “el hecho que una música te acompañe y te acompañe en momentos importantes de tu vida, la convierte en algo súper especial y la persona que hay detrás de eso también se convierte en súper especial. Me pasa a veces, cuando estamos girando, encontrarme con familias que vienen a ver a Eruca: padre o madre e hija/o… La conexión que se genera entre ellos a través de la música me vuela la cabeza, porque tiene que ver con la emoción y lo que significa la música para todos nosotros”.
