Murió la escritora y poeta Tamara Kamenszain a los 74 años

La poeta y novelista Tamara Kamenszain murió este miércoles a los 74 tras padecer de cáncer. Familiares, amigos y admiradores de su obra la despidieron con mensajes de afecto en las redes sociales.

Nacida en 1947 en Buenos Aires, estudió filosofía y es considerada como parte del movimiento poético llamado "neobarrocos", junto a Arturo Carrera y Néstor Perlongher. Autora de reconocidos libros como "El texto silencioso", "La edad de la poesía" y "La boca del testimonio", la escritora se desempeñó también como periodista cultural y maestra de una generación de poetas.

¿Hay descuento? ¿estamos viejos?

ningún golpe oracular abolirá el tiempo

pero en el juego que jugamos se apuesta a una infancia nueva

si adivino el parpadeo te acerco a mis motivos

si me dejo ir ya no puedo hablar de amor

Tamara Kamenszain, últimos versos de su libro "Solos y Solas" (2005).                        

Tamara Kamenszain, ¿poeta o poetisa?

La palabra "poetisa" dentro del mundo de la literatura siempre suscitó polémicas por ser "poeta" una palabra que podía utilizarse para ambos géneros. La aparición de la palabra "poetisa", en cambio, fue usada para referirse a la lírica de las mujeres, muchas veces tildada cursi o afectada, dentro del mundo poético.

Tamara Kamenszain reivindicó la palabra "poetisa" en su libro "Chicas en tiempos suspendidos": “Palabra dulce, que dejamos de lado porque nos avergonzaba, y sin embargo, ahora vuelve en un pañuelo que nuestras antepasadas ataron a la garganta de sus líricas roncas”.

La poeta y novelista Tamara Kamenszain murió este miércoles a los 74 tras padecer de cáncer. Familiares, amigos y admiradores de su obra la despidieron con mensajes de afecto en las redes sociales.

Nacida en 1947 en Buenos Aires, estudió filosofía y es considerada como parte del movimiento poético llamado "neobarrocos", junto a Arturo Carrera y Néstor Perlongher. Autora de reconocidos libros como "El texto silencioso", "La edad de la poesía" y "La boca del testimonio", la escritora se desempeñó también como periodista cultural y maestra de una generación de poetas.

¿Hay descuento? ¿estamos viejos?

ningún golpe oracular abolirá el tiempo

pero en el juego que jugamos se apuesta a una infancia nueva

si adivino el parpadeo te acerco a mis motivos

si me dejo ir ya no puedo hablar de amor

Tamara Kamenszain, últimos versos de su libro "Solos y Solas" (2005).                        

Tamara Kamenszain, ¿poeta o poetisa?

La palabra "poetisa" dentro del mundo de la literatura siempre suscitó polémicas por ser "poeta" una palabra que podía utilizarse para ambos géneros. La aparición de la palabra "poetisa", en cambio, fue usada para referirse a la lírica de las mujeres, muchas veces tildada cursi o afectada, dentro del mundo poético.

Tamara Kamenszain reivindicó la palabra "poetisa" en su libro "Chicas en tiempos suspendidos": “Palabra dulce, que dejamos de lado porque nos avergonzaba, y sin embargo, ahora vuelve en un pañuelo que nuestras antepasadas ataron a la garganta de sus líricas roncas”.

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Roberto Arlt, el cronista de la calle

Roberto Arlt es considerado con justicia uno de los escritores argentinos más importantes e influyentes del siglo XX. Fue un apasionado autodidacta que se inventó a sí mismo y así plasmó una obra literaria respaldada por su vida. “Yo no soy un escritor que inventa”, solía decir, “yo soy un inventor que escribe”. Sus famosas Aguafuertes, retratos de un tiempo y un lugar (Buenos Aires, años 30) publicados en el diario El Mundo son un buen ejemplo de la vitalidad de su obra: urgentes, brutales y dotadas de un tipo de construcción sintáctica que desafiaba cualquier regla académica. También escribió cuatro novelas esenciales –El juguete rabioso (1926), Los siete locos (1929), Los lanzallamas (1931) y El amor brujo (1932)- y una buena cantidad de cuentos de una intensidad existencialista única.  

Las Aguafuertes porteñas de Arlt

En 1928 Roberto Arlt publicó su primera nota de este estilo en el periódico El Mundo. Inició así una sección que apareció a diario y prácticamente sin interrupciones hasta su muerte el 26 de julio de 1942. Allí retomó pero sobre todo, potenció las características de un género periodístico de amplia y sólida trayectoria: el costumbrismo. Sus rasgos discursivos propios incluyen: títulos expresivos que resumen el contenido del artículo, un singular modo de iniciar y cerrar cada texto; personajes genéricos presentados mediante una perspectiva que exagera características (a modo de "caricatura" escrita), relato de sucesos reales y lugares concretos, y la inclusión de diálogos en el habla de la calle que potencian su sentido.  

 

Roberto Arlt es considerado con justicia uno de los escritores argentinos más importantes e influyentes del siglo XX. Fue un apasionado autodidacta que se inventó a sí mismo y así plasmó una obra literaria respaldada por su vida. “Yo no soy un escritor que inventa”, solía decir, “yo soy un inventor que escribe”. Sus famosas Aguafuertes, retratos de un tiempo y un lugar (Buenos Aires, años 30) publicados en el diario El Mundo son un buen ejemplo de la vitalidad de su obra: urgentes, brutales y dotadas de un tipo de construcción sintáctica que desafiaba cualquier regla académica. También escribió cuatro novelas esenciales –El juguete rabioso (1926), Los siete locos (1929), Los lanzallamas (1931) y El amor brujo (1932)- y una buena cantidad de cuentos de una intensidad existencialista única.  

Las Aguafuertes porteñas de Arlt

En 1928 Roberto Arlt publicó su primera nota de este estilo en el periódico El Mundo. Inició así una sección que apareció a diario y prácticamente sin interrupciones hasta su muerte el 26 de julio de 1942. Allí retomó pero sobre todo, potenció las características de un género periodístico de amplia y sólida trayectoria: el costumbrismo. Sus rasgos discursivos propios incluyen: títulos expresivos que resumen el contenido del artículo, un singular modo de iniciar y cerrar cada texto; personajes genéricos presentados mediante una perspectiva que exagera características (a modo de "caricatura" escrita), relato de sucesos reales y lugares concretos, y la inclusión de diálogos en el habla de la calle que potencian su sentido.  

 

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Agustina Bazterrica sobre su distopía "Cadáver exquisito"

La escritora Agustina Bazterrica estuvo en diálogo con Maximiliano Legnani en Biblioteca IP donde habló sobre “Cadáver exquisito”, por la que ganó el Premio Ladies of horror. “Los lectores la resignificaron”, señaló.

La novela de Bazterrica es una distopía que plantea un universo pospandémico en donde la carne animal ya no existe y los seres humanos tienen que recurrir al canibalismo. “En el caso de la novela, el virus está cuestionado, no se sabe si es real o no”, indicó sobre el virus mortal que contextualiza al libro. “Lo usé como recurso pensando en algo verosímil que podría ocurrir y que, de hecho, sabemos que ocurrió”, indicó. 
 

Biblioteca IP se emite por la pantalla de IP los domingos de 17 a 18 con la conducción de Maximiliano Legnani.

La escritora Agustina Bazterrica estuvo en diálogo con Maximiliano Legnani en Biblioteca IP donde habló sobre “Cadáver exquisito”, por la que ganó el Premio Ladies of horror. “Los lectores la resignificaron”, señaló.

La novela de Bazterrica es una distopía que plantea un universo pospandémico en donde la carne animal ya no existe y los seres humanos tienen que recurrir al canibalismo. “En el caso de la novela, el virus está cuestionado, no se sabe si es real o no”, indicó sobre el virus mortal que contextualiza al libro. “Lo usé como recurso pensando en algo verosímil que podría ocurrir y que, de hecho, sabemos que ocurrió”, indicó. 
 

Biblioteca IP se emite por la pantalla de IP los domingos de 17 a 18 con la conducción de Maximiliano Legnani.

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Okupas vuelve con banda sonora renovada en Netflix

Bruno Stagnaro, prolífico director de las populares producciones locales Pizza, Birra, Faso, Okupas y Un Gallo Para Esculapio pasó por Malditos Nerds y contó todo sobre la industria y el regreso de Okupas, con banda sonora renovada, en Netflix. "Hay mucha gente que no la pudo conocer porque estaba retirada de circuito exhibición estándar. Hay mucha expectativa porque, si bien está muy anclada al momento en que se hizo durante la crisis en el 2000, esperamos que haya aspectos de la historia de la amistad que son actuales", contó en diálogo con Rippy Rizza y Guillo Leoz.

Esta nueva versión de Okupas cuenta con una nueva banda sonora que incluye 50 temas que Santiago Motorizado hizo especialmente, pero no como renovación artística sino por motivos del copyright de las canciones que se usaron en aquel momento: "En ese momento en la TV podías usar lo que quisieras si pagabas un canon. Entonces usamos todos los clásicos: los Rolling Stones, Jimmy Hendrix, The Doors. Cuando la legislación cambió se planteó que había que pagar todos los temas por separado, algo completamente prohibitivo y fuera de toda lógica para una serie de este país".

Malditos Nerds se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 23:30 a 00:00, con la conducción de Rippy Rizza y Guillo Leoz.

Bruno Stagnaro, prolífico director de las populares producciones locales Pizza, Birra, Faso, Okupas y Un Gallo Para Esculapio pasó por Malditos Nerds y contó todo sobre la industria y el regreso de Okupas, con banda sonora renovada, en Netflix. "Hay mucha gente que no la pudo conocer porque estaba retirada de circuito exhibición estándar. Hay mucha expectativa porque, si bien está muy anclada al momento en que se hizo durante la crisis en el 2000, esperamos que haya aspectos de la historia de la amistad que son actuales", contó en diálogo con Rippy Rizza y Guillo Leoz.

Esta nueva versión de Okupas cuenta con una nueva banda sonora que incluye 50 temas que Santiago Motorizado hizo especialmente, pero no como renovación artística sino por motivos del copyright de las canciones que se usaron en aquel momento: "En ese momento en la TV podías usar lo que quisieras si pagabas un canon. Entonces usamos todos los clásicos: los Rolling Stones, Jimmy Hendrix, The Doors. Cuando la legislación cambió se planteó que había que pagar todos los temas por separado, algo completamente prohibitivo y fuera de toda lógica para una serie de este país".

Malditos Nerds se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 23:30 a 00:00, con la conducción de Rippy Rizza y Guillo Leoz.

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Murió el músico Palo Pandolfo

El músico Roberto Palo Pandolfo fue encontrado muerto este jueves en la Ciudad de Buenos Aires. Si bien aun se desconocen las causas de su fallecimiento, personal de la Comisaría Vecinal N° 6 de la Policía de la Ciudad informó que cayó inconsciente en la Avenida Díaz Vélez 5200, en el barrio de Caballito. Rápidamente se solicitó la presencia de una ambulancia del SAME.

Con Don Cornelio y La Zona (1987), la banda que integraban Palo, el guitarrista Alejandro Varela, el bajista Federico Ghazarossian, el tecladista Daniel Gorostegui, el baterista Claudio Fernández y el saxofonista Fernando Colombo, se convirtió en referente del rock argentino de la era. Su segundo y último disco de estudio, el oscurísimo Patria o muerte (1988) cerró la historia de la banda, con el agregado de un disco no planeado en vivo que aparecería recién en 1996.

La historia de Los Visitantes fue mucho más extensa, con cuatro discos de estudio (Salud universal, Espiritango, Madetrita y Desequilibrio), el disco en vivo En caliente y la recopilación despedida Herido de distancia. Así, entre 1993 y 2000 la banda que comenzó su recorrido con Ghazarossian, Gorostegui, Karina Cohen y Jorge Albornoz expandió el universo sonoro, partiendo del pospunk que caracterizó a Don Cornelio para abrevar en músicas que podían ir del pop a lo acústico, las músicas latinoamericanas y hasta algún aire tanguero.

Pandolfo inició su camino solista en 2001 con A través de los sueños, disco que abrió una nueva cadena de creaciones de un Pandolfo cada vez más libre en sus elecciones estilísticas, en los últimos tiempos respaldado por su banda La Hermandad. Los últimos lanzamientos fueron los tres volúmenes de El vuelo del dragón, discos en vivo en los que combinó canciones solistas con algunas de sus ex bandas. En todo ese recorrido, además, el músico le dio también especial protagonismo a su devenir poético; como uno de los grandes impulsores del grupo de poetas Verbonautas, en los años '90 convocó a recitales de poesía que se desarrollaban a sala llena, con un público tan enfervorizado como si se tratara de un recital de rock.

Según información de la Comisaría Vecinal 6, este jueves un transeúnte que caminaba por la Avenida Díaz Vélez lo habría visto caer al piso y perder el conocimiento. Luego de que fuera trasladado al Hospital Durand se confirmó su fallecimiento a las 15.25 de este jueves y se instruyó la investigación de la causa.

El músico Roberto Palo Pandolfo fue encontrado muerto este jueves en la Ciudad de Buenos Aires. Si bien aun se desconocen las causas de su fallecimiento, personal de la Comisaría Vecinal N° 6 de la Policía de la Ciudad informó que cayó inconsciente en la Avenida Díaz Vélez 5200, en el barrio de Caballito. Rápidamente se solicitó la presencia de una ambulancia del SAME.

Con Don Cornelio y La Zona (1987), la banda que integraban Palo, el guitarrista Alejandro Varela, el bajista Federico Ghazarossian, el tecladista Daniel Gorostegui, el baterista Claudio Fernández y el saxofonista Fernando Colombo, se convirtió en referente del rock argentino de la era. Su segundo y último disco de estudio, el oscurísimo Patria o muerte (1988) cerró la historia de la banda, con el agregado de un disco no planeado en vivo que aparecería recién en 1996.

La historia de Los Visitantes fue mucho más extensa, con cuatro discos de estudio (Salud universal, Espiritango, Madetrita y Desequilibrio), el disco en vivo En caliente y la recopilación despedida Herido de distancia. Así, entre 1993 y 2000 la banda que comenzó su recorrido con Ghazarossian, Gorostegui, Karina Cohen y Jorge Albornoz expandió el universo sonoro, partiendo del pospunk que caracterizó a Don Cornelio para abrevar en músicas que podían ir del pop a lo acústico, las músicas latinoamericanas y hasta algún aire tanguero.

Pandolfo inició su camino solista en 2001 con A través de los sueños, disco que abrió una nueva cadena de creaciones de un Pandolfo cada vez más libre en sus elecciones estilísticas, en los últimos tiempos respaldado por su banda La Hermandad. Los últimos lanzamientos fueron los tres volúmenes de El vuelo del dragón, discos en vivo en los que combinó canciones solistas con algunas de sus ex bandas. En todo ese recorrido, además, el músico le dio también especial protagonismo a su devenir poético; como uno de los grandes impulsores del grupo de poetas Verbonautas, en los años '90 convocó a recitales de poesía que se desarrollaban a sala llena, con un público tan enfervorizado como si se tratara de un recital de rock.

Según información de la Comisaría Vecinal 6, este jueves un transeúnte que caminaba por la Avenida Díaz Vélez lo habría visto caer al piso y perder el conocimiento. Luego de que fuera trasladado al Hospital Durand se confirmó su fallecimiento a las 15.25 de este jueves y se instruyó la investigación de la causa.

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Premio "Rodolfo Walsh" para Indio Solari

La Facultad de Periodismo y Comunicación Social de la Universidad Nacional de La Plata entregará el Premio "Rodolfo Walsh" a la Comunicación Popular al Indio Solari, como "referente indiscutible de la música, la cultura, la política y la comunicación" y por "su responsabilidad con la palabra y los procesos sociales y su compromiso con la defensa de los derechos humanos".

En la propuesta, los consejeros de la agrupación afirmaron que creen fundamental reconocer en quien fuera la voz cantante de Los Redondos, "la grandeza y sensibilidad para expresar los sentidos, las voluntades, las miserias y las emociones colectivas, y su determinación para involucrarse en la defensa de los intereses y el bienestar del pueblo".

Por otra parte, Solari, de 72 años, será destacado por "sentar posturas claras y coherentes frente a problemáticas y debates de la sociedad, invitando a la reflexión y a tomar partido. Sin duda alguna, esto resulta un valiente acto de responsabilidad, más aún cuando eso implica cuestionar y confrontar las voces monopólicas y hegemónicas antipopulares".

Por su parte, la decana de la mencionada Facultad, Andrea Varela, destacó la propuesta de la agrupación estudiantil y afirmó: "el Indio es como Diego Maradona, ambos son personas que logran unir al pueblo y a varias generaciones". "Además, las luchas del Indio son las que siempre nos encuentran militando. No es casual que siempre sea atacado por los poderes hegemónicos", añadió.

La Facultad de Periodismo y Comunicación Social de la Universidad Nacional de La Plata entregará el Premio "Rodolfo Walsh" a la Comunicación Popular al Indio Solari, como "referente indiscutible de la música, la cultura, la política y la comunicación" y por "su responsabilidad con la palabra y los procesos sociales y su compromiso con la defensa de los derechos humanos".

En la propuesta, los consejeros de la agrupación afirmaron que creen fundamental reconocer en quien fuera la voz cantante de Los Redondos, "la grandeza y sensibilidad para expresar los sentidos, las voluntades, las miserias y las emociones colectivas, y su determinación para involucrarse en la defensa de los intereses y el bienestar del pueblo".

Por otra parte, Solari, de 72 años, será destacado por "sentar posturas claras y coherentes frente a problemáticas y debates de la sociedad, invitando a la reflexión y a tomar partido. Sin duda alguna, esto resulta un valiente acto de responsabilidad, más aún cuando eso implica cuestionar y confrontar las voces monopólicas y hegemónicas antipopulares".

Por su parte, la decana de la mencionada Facultad, Andrea Varela, destacó la propuesta de la agrupación estudiantil y afirmó: "el Indio es como Diego Maradona, ambos son personas que logran unir al pueblo y a varias generaciones". "Además, las luchas del Indio son las que siempre nos encuentran militando. No es casual que siempre sea atacado por los poderes hegemónicos", añadió.

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Lady Mufa: los secretos de una caster eSports profesional

Cecilia Duarte, más conocida como Lady Mufa, es abogada streamer y caster de League of Legends (LOL). En Malditos Nerds contó todos los secretos de esta nueva profesión dentro del mundo de los eSports. "El que no sabe jugar tiene que ingeniársela de otra manera para salir adelante en este ámbito", contó entre risas.

"Empecé a castear por accidente, cuando comencé a crear contenido no conocía a nadie y me empecé a meter en cualquier organización que pedía creadores y en ese revoleo terminé transmitiendo un torneo y como los caster fallaron me invitaron", contó en diálogo con Rippy Rizza y Guillo Leoz.

Creadora de Doomfire Gaming, organización que realiza eventos de eSports en Latinoamérica, actualmente es caster de LVP, la liga Profesional Argentina: "Ya es otro nivel, el máximo a nivel nacional y se visualiza más lo que es el juego competitivo a nivel internacional".

El futuro de League of Legends

"LOL está en constante crecimiento y creo que no ha tocado su techo todavía porque también se han abierto a mobile, que es la clave en la región latinoamericana donde es más accesible conseguir un teléfono para jugar que una computadora", expresó.

Malditos Nerds se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 23:30 a 00:00, con la conducción de Rippy Rizza y Guillo Leoz.

Cecilia Duarte, más conocida como Lady Mufa, es abogada streamer y caster de League of Legends (LOL). En Malditos Nerds contó todos los secretos de esta nueva profesión dentro del mundo de los eSports. "El que no sabe jugar tiene que ingeniársela de otra manera para salir adelante en este ámbito", contó entre risas.

"Empecé a castear por accidente, cuando comencé a crear contenido no conocía a nadie y me empecé a meter en cualquier organización que pedía creadores y en ese revoleo terminé transmitiendo un torneo y como los caster fallaron me invitaron", contó en diálogo con Rippy Rizza y Guillo Leoz.

Creadora de Doomfire Gaming, organización que realiza eventos de eSports en Latinoamérica, actualmente es caster de LVP, la liga Profesional Argentina: "Ya es otro nivel, el máximo a nivel nacional y se visualiza más lo que es el juego competitivo a nivel internacional".

El futuro de League of Legends

"LOL está en constante crecimiento y creo que no ha tocado su techo todavía porque también se han abierto a mobile, que es la clave en la región latinoamericana donde es más accesible conseguir un teléfono para jugar que una computadora", expresó.

Malditos Nerds se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 23:30 a 00:00, con la conducción de Rippy Rizza y Guillo Leoz.

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Quino, el dibujante que protestó con la voz de Mafalda

Quino, así se llamaba para todos Joaquín Salvador Lavado Tejón, el dibujante hijo de españoles que nació el 17 de julio de 1932. Desde muy joven sabía que lo suyo estaba en el dibujo, que su personalidad estaba encauzada por lo que podía hacer con el lápiz y que mucho de lo que el mundo necesitaba exteriorizar requería de de un código secreto disfrazado de tira cómica.

Fue la sutileza de los comentarios de su Mafalda la que traspasó los límites de la censura de una época marcada por la dictadura. Chiquita, inocente, mujer: ¿cuál podría haber sido su mensaje? Y si bien en España las recopilaciones si llevaron una faja que indicaba que era una "tira cómica para adultos", muchos censores no entendían la ironía de la niña que hablaba de lo poco que le gustaba la sopa como de lo retorcido de las condiciones políticas mundiales.

El genio y la admiración de sus colegas

Para la dibujante colombiana Adriana Mosquera, creadora de Magola y ganadora del Gran Premio Diógenes en Argentina, gracias a sus personajes interiorizó que "las niñas tenían derecho a protestar, tener voz propia y querer cambiar el mundo".

“Yo no sa­bía que Quino era hom­bre, yo creí que Ma­fal­da la ha­cía una mu­jer. Dice tan­tas co­sas que son de ac­tua­li­dad, hu­ma­ni­dad, eco­lo­gía, pla­ne­ta, de po­lí­ti­ca y lo dice una niña y eso para mí era sor­pren­den­te. Yo es­ta­ba acos­tum­bra­da a ver que todo lo ha­cía hom­bres, su­per­hé­roes y lue­go sale Ma­fal­da con una fuer­za de­mo­le­do­ra”, ex­pre­só la artista.

Parte de esa sensibilidad venía como sello registrado de la personalidad del dibujante, quién siempre se mostró humilde y receptivo. Según sus colegas, en su tiempo libre se dedicaba a contestar todas las cartas de sus lectores, inclusive años después que dejara de dibujar a Mafalda. Uno de sus compañeros de editorial recuerda que cuando le llegó una carta de una muchacha adolescente, muy preocupada porque no se dibujaba más Mafalda, Quino respondió: "mientras tenga lectoras como vos, Mafalda no desaparecerá. La dibujé durante 10 años, imaginate a vos misma desde tus 3 años hasta ahora haciendo la misma cosa ¿hubieras sido capaz? Lo dudo. Vivir es ir cambiando...además la vida nos cambia queramos o no".

Mafalda está incluido en la cultura pop nacional que logró atravesar los límites del territorio: en la estación Argentine del metro de París hay un mural dedicado a las figuras nacionales siendo observadas por la niña, sus tiras cómicas fueron traducidas en 30 idiomas, incluyendo al chino y al finlandés. Quino rechazó varios doctorados honoris causa alrededor del mundo en vida, ya que para él su tiempo estaba dedicado a dibujar.  Su filosofía se cristalizó en una entrevista del diario español El País, donde apenas años antes de su fallecimiento se le preguntó: "Quino, ¿Pensaba usted que tantos años después se iba a seguir dedicando al dibujo?"

"Sí, bueno no esperaba vivir tanto. Pero sí sí, como nunca hice otra cosa, ni sé hacerlo, bueno sí: ir al cine, beber buen vino y escuchar música. Pero nunca pensé en otra cosa que en dibujar", respondió.

 

 

Quino, así se llamaba para todos Joaquín Salvador Lavado Tejón, el dibujante hijo de españoles que nació el 17 de julio de 1932. Desde muy joven sabía que lo suyo estaba en el dibujo, que su personalidad estaba encauzada por lo que podía hacer con el lápiz y que mucho de lo que el mundo necesitaba exteriorizar requería de de un código secreto disfrazado de tira cómica.

Fue la sutileza de los comentarios de su Mafalda la que traspasó los límites de la censura de una época marcada por la dictadura. Chiquita, inocente, mujer: ¿cuál podría haber sido su mensaje? Y si bien en España las recopilaciones si llevaron una faja que indicaba que era una "tira cómica para adultos", muchos censores no entendían la ironía de la niña que hablaba de lo poco que le gustaba la sopa como de lo retorcido de las condiciones políticas mundiales.

El genio y la admiración de sus colegas

Para la dibujante colombiana Adriana Mosquera, creadora de Magola y ganadora del Gran Premio Diógenes en Argentina, gracias a sus personajes interiorizó que "las niñas tenían derecho a protestar, tener voz propia y querer cambiar el mundo".

“Yo no sa­bía que Quino era hom­bre, yo creí que Ma­fal­da la ha­cía una mu­jer. Dice tan­tas co­sas que son de ac­tua­li­dad, hu­ma­ni­dad, eco­lo­gía, pla­ne­ta, de po­lí­ti­ca y lo dice una niña y eso para mí era sor­pren­den­te. Yo es­ta­ba acos­tum­bra­da a ver que todo lo ha­cía hom­bres, su­per­hé­roes y lue­go sale Ma­fal­da con una fuer­za de­mo­le­do­ra”, ex­pre­só la artista.

Parte de esa sensibilidad venía como sello registrado de la personalidad del dibujante, quién siempre se mostró humilde y receptivo. Según sus colegas, en su tiempo libre se dedicaba a contestar todas las cartas de sus lectores, inclusive años después que dejara de dibujar a Mafalda. Uno de sus compañeros de editorial recuerda que cuando le llegó una carta de una muchacha adolescente, muy preocupada porque no se dibujaba más Mafalda, Quino respondió: "mientras tenga lectoras como vos, Mafalda no desaparecerá. La dibujé durante 10 años, imaginate a vos misma desde tus 3 años hasta ahora haciendo la misma cosa ¿hubieras sido capaz? Lo dudo. Vivir es ir cambiando...además la vida nos cambia queramos o no".

Mafalda está incluido en la cultura pop nacional que logró atravesar los límites del territorio: en la estación Argentine del metro de París hay un mural dedicado a las figuras nacionales siendo observadas por la niña, sus tiras cómicas fueron traducidas en 30 idiomas, incluyendo al chino y al finlandés. Quino rechazó varios doctorados honoris causa alrededor del mundo en vida, ya que para él su tiempo estaba dedicado a dibujar.  Su filosofía se cristalizó en una entrevista del diario español El País, donde apenas años antes de su fallecimiento se le preguntó: "Quino, ¿Pensaba usted que tantos años después se iba a seguir dedicando al dibujo?"

"Sí, bueno no esperaba vivir tanto. Pero sí sí, como nunca hice otra cosa, ni sé hacerlo, bueno sí: ir al cine, beber buen vino y escuchar música. Pero nunca pensé en otra cosa que en dibujar", respondió.

 

 

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Reabrió el MALBA con un ensayo documental de Martín Weber

Entre 1992 y 2013, el fotógrafo Martín Weber recorrió América Latina y recolectó sueños para un libro, proyecto que se conjuga con el documental "Mapa de sueños latinoamericanos" que se estrenó en el museo MALBA. "Es ese recorrido de cómo cada sueño se va tomando de la mano del siguiente y cómo reflexiona sobre el anterior", aseguró el autor en Somos PM.

"Fue un trabajo que tomó 30 años de mi vida. Yo me planteaba cómo cambiar la dinámica: en vez de tomar una foto, construir una foto en colaboración con ellos", contó en diálogo con Pía Slapka, Maximiliano Legnani y Ana Sicilia.

Argentina, Perú, Nicaragua, Cuba, Brasil, Colombia, Guatemala y México fueron los países que visitó dos veces Martín Weber para este proyecto. La primera con ojo de fotógrafo en busca de sueños y la segunda, ya como documentalista, buscando a aquellas personas para saber qué fue de ellas y sus sueños.

"Ya en 2010 habían pasado suficientes años y me di cuenta de que hasta yo había cambiado. Me pregunté cómo habían cambiado los sueños de cada uno de ellos y cómo había cambiado su entorno, su pueblo, su familia, su ciudad, país y continente", concluyó Weber.

Podés ver Somos PM con Pía Slapka, Anita Sicilia y Maximiliano Legnani de lunes a viernes de 14 a 17 por IP Noticias.

Entre 1992 y 2013, el fotógrafo Martín Weber recorrió América Latina y recolectó sueños para un libro, proyecto que se conjuga con el documental "Mapa de sueños latinoamericanos" que se estrenó en el museo MALBA. "Es ese recorrido de cómo cada sueño se va tomando de la mano del siguiente y cómo reflexiona sobre el anterior", aseguró el autor en Somos PM.

"Fue un trabajo que tomó 30 años de mi vida. Yo me planteaba cómo cambiar la dinámica: en vez de tomar una foto, construir una foto en colaboración con ellos", contó en diálogo con Pía Slapka, Maximiliano Legnani y Ana Sicilia.

Argentina, Perú, Nicaragua, Cuba, Brasil, Colombia, Guatemala y México fueron los países que visitó dos veces Martín Weber para este proyecto. La primera con ojo de fotógrafo en busca de sueños y la segunda, ya como documentalista, buscando a aquellas personas para saber qué fue de ellas y sus sueños.

"Ya en 2010 habían pasado suficientes años y me di cuenta de que hasta yo había cambiado. Me pregunté cómo habían cambiado los sueños de cada uno de ellos y cómo había cambiado su entorno, su pueblo, su familia, su ciudad, país y continente", concluyó Weber.

Podés ver Somos PM con Pía Slapka, Anita Sicilia y Maximiliano Legnani de lunes a viernes de 14 a 17 por IP Noticias.

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Sergio Olguín y el universo de Verónica Rosenthal

El escritor y periodista Sergio Olguín estuvo en diálogo con Maximiliano Legnani en Biblioteca IP, donde contó parte de su proceso creativo y cómo es su vínculo con los personajes a los que le da vida. “Generalmente es una relación de amor, o de proyección también, de lo que uno quiere ser o hacer”, señaló.

El autor de las novelas policiales que tienen a la periodista de investigación Verónica Rosenthal como protagonista, destacó que su relación con este personaje es “especial”. “Con Verónica tuve una relación más difícil. Todo el tiempo trato de desentrañarla, de entenderla”, remarcó. 

Este año Olguín lanzó La mejor enemiga, la cuarta entrega de las historias de Verónica. Sobre la construcción del personaje, dijo: “Lo bueno de no tener esa relación de amor con Verónica es que me permite que ese personaje haga cosas terribles”, y luego añadió: “Me despierta una expectativa de lo que puede seguir haciendo en los próximos libros”.

Biblioteca IP se emite por la pantalla de IP los domingos de 17 a 18 con la conducción de Maximiliano Legnani.

El escritor y periodista Sergio Olguín estuvo en diálogo con Maximiliano Legnani en Biblioteca IP, donde contó parte de su proceso creativo y cómo es su vínculo con los personajes a los que le da vida. “Generalmente es una relación de amor, o de proyección también, de lo que uno quiere ser o hacer”, señaló.

El autor de las novelas policiales que tienen a la periodista de investigación Verónica Rosenthal como protagonista, destacó que su relación con este personaje es “especial”. “Con Verónica tuve una relación más difícil. Todo el tiempo trato de desentrañarla, de entenderla”, remarcó. 

Este año Olguín lanzó La mejor enemiga, la cuarta entrega de las historias de Verónica. Sobre la construcción del personaje, dijo: “Lo bueno de no tener esa relación de amor con Verónica es que me permite que ese personaje haga cosas terribles”, y luego añadió: “Me despierta una expectativa de lo que puede seguir haciendo en los próximos libros”.

Biblioteca IP se emite por la pantalla de IP los domingos de 17 a 18 con la conducción de Maximiliano Legnani.

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Mercedes Sosa, "La Voz de América Latina"

Un día como hoy, hace 86 años, nació Haydée Mercedes Sosa, "La Negra". La coincidencia de su natalicio, el 9 de julio de 1935, con el Día de la Independencia argentina, pareció un sortilegio del azar para quien honró a Latinoamérica con su voz. Referente indiscutida del Nuevo Cancionero latinoamericano, sus interpretaciones bañadas de  potencia y esperanza, dejaron una profunda marca en la historia del folklore. Cantora de amplia cultura y compromiso social, empezó su carrera artística a los 15 años, en San Miguel de Tucumán, la ciudad en la que había nacido. Sus primeras interpretaciones intercalaron boleros con el cancionero de Antonio Tormo y Margarita Palacios. "Vos vivís el momento más glorioso de tu vida cuando cantás; para un artista no hay instante más elevado, más sublime", es una de las frases que reflejaron su profunda pasión a la hora de subir a un escenario.

Su crecimiento artístico que empezó en 1953, con el lanzamiento de su primer álbum "La voz de la zafra"se intensificó hasta explotar con la llegada del boom de la música folklórica en los ´60. "Todo lo que canto es verdad, todo lo que vivo es verdad", expresó en otra de sus declaraciones a la prensa, cuando ya era conocida en todo el continente por canciones como "La maza", "Duerme negrito" y "Sólo le pido a Dios". Iniciadora del "Movimiento Nuevo Cancionero", un grupo de artistas que cantaban sobre las desigualdades sociales y la lucha de clases, se mudó a Buenos Aires en 1965, el mismo año en que deslumbraría al mundo con su actuación en el Festival de Cosquín. Las referencias musicales de La Negra, fueron ampliándose a medida que se hacía conocida en Latinoamérica, con autores como Jorge Cafrune, Ariel Ramírez, Atahualpa Yupanqui y Violeta Parra. 

Dictadura y exilio

Debido a su fuerte posicionamiento a favor de los más necesitados, Mercedes Sosa fue perseguida por la dictadura cívico-militar de 1976. De familia peronista, "La Negra", que en su juventud se había afiliado al Partido Comunista, terminó abrazando la causa de Juan Domingo Perón. Luego del Golpe del 24 de marzo de 1976, la cúpula de la dictadura la ubicó en una lista negra de artistas, hasta que fue detenida en el escenario de uno de sus recitales, en 1978. “No se puede cantar con miedo. No tuve miedo ni cuando me amenazó la Triple A. Si la mala va a venir no importa, pero no se puede tener miedo al cantar", recordó años más tarde, cuando tuvo que partir obligada al exilio, en 1979. Esos años los pasó en París y Madrid, mientras en Argentina estaba prohibido pasar su música en las radios. Allí tuvo contacto con otros artistas exiliados, como Horacio Guaraní, Jairo y Atahualpa Yupanqui. Porque me duele si me quedo / pero me muero si me voy , fueron las estrofas de Serenata para la tierra de uno, una de las canciones de María Elena Walsh que grabó reflejando el dolor de estar lejos de su patria. 

Vuelta y reconocimiento 

Sosa, que ya era conocida como "La Voz de América", volvió al país en 1982. Por estos años, su reconocimiento se expandió de manera fenomenal, incluyendo otros rubros de la canción como la bossa nova, el tango y el rock. Artista de la talla de Chico Buarque, Milton Nascimiento, Gustavo Santaollalla y Charly García, le abrieron un panorama inédito a la cultura musical. Admirada por todo el arco de autores y compositores del rock nacional, "La Negra" comenzó un romance interminable con este género, que le valió grandes colaboraciones y reconocimientos. “Soñábamos, pero nunca imaginé que la vida me iba a llevar tan lejos. Nunca llegué a soñar todo lo que me iba a pasar en la vida”, declaró en una de sus últimas entrevistas, cuando le consultaron por el camino recorrido. Su último disco, titulado "Cantora" (2009), es una síntesis de todas esas voces que fue sumando a lo largo de su historia, con colaboraciones de Charly García, Fito Páez, Joan Manuel Serrat, Caetano Veloso y Shakira. "La cultura es lo único que puede salvar a un pueblo; lo único, porque permite ver la miseria y combatirla. Permite distinguir lo que hay que cambiar y lo que se debe dejar, como la bondad de la gente", es una de sus frases inmortales que revelan ese espíritu comprometido al cantar. 

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

Un día como hoy, hace 86 años, nació Haydée Mercedes Sosa, "La Negra". La coincidencia de su natalicio, el 9 de julio de 1935, con el Día de la Independencia argentina, pareció un sortilegio del azar para quien honró a Latinoamérica con su voz. Referente indiscutida del Nuevo Cancionero latinoamericano, sus interpretaciones bañadas de  potencia y esperanza, dejaron una profunda marca en la historia del folklore. Cantora de amplia cultura y compromiso social, empezó su carrera artística a los 15 años, en San Miguel de Tucumán, la ciudad en la que había nacido. Sus primeras interpretaciones intercalaron boleros con el cancionero de Antonio Tormo y Margarita Palacios. "Vos vivís el momento más glorioso de tu vida cuando cantás; para un artista no hay instante más elevado, más sublime", es una de las frases que reflejaron su profunda pasión a la hora de subir a un escenario.

Su crecimiento artístico que empezó en 1953, con el lanzamiento de su primer álbum "La voz de la zafra"se intensificó hasta explotar con la llegada del boom de la música folklórica en los ´60. "Todo lo que canto es verdad, todo lo que vivo es verdad", expresó en otra de sus declaraciones a la prensa, cuando ya era conocida en todo el continente por canciones como "La maza", "Duerme negrito" y "Sólo le pido a Dios". Iniciadora del "Movimiento Nuevo Cancionero", un grupo de artistas que cantaban sobre las desigualdades sociales y la lucha de clases, se mudó a Buenos Aires en 1965, el mismo año en que deslumbraría al mundo con su actuación en el Festival de Cosquín. Las referencias musicales de La Negra, fueron ampliándose a medida que se hacía conocida en Latinoamérica, con autores como Jorge Cafrune, Ariel Ramírez, Atahualpa Yupanqui y Violeta Parra. 

Dictadura y exilio

Debido a su fuerte posicionamiento a favor de los más necesitados, Mercedes Sosa fue perseguida por la dictadura cívico-militar de 1976. De familia peronista, "La Negra", que en su juventud se había afiliado al Partido Comunista, terminó abrazando la causa de Juan Domingo Perón. Luego del Golpe del 24 de marzo de 1976, la cúpula de la dictadura la ubicó en una lista negra de artistas, hasta que fue detenida en el escenario de uno de sus recitales, en 1978. “No se puede cantar con miedo. No tuve miedo ni cuando me amenazó la Triple A. Si la mala va a venir no importa, pero no se puede tener miedo al cantar", recordó años más tarde, cuando tuvo que partir obligada al exilio, en 1979. Esos años los pasó en París y Madrid, mientras en Argentina estaba prohibido pasar su música en las radios. Allí tuvo contacto con otros artistas exiliados, como Horacio Guaraní, Jairo y Atahualpa Yupanqui. Porque me duele si me quedo / pero me muero si me voy , fueron las estrofas de Serenata para la tierra de uno, una de las canciones de María Elena Walsh que grabó reflejando el dolor de estar lejos de su patria. 

Vuelta y reconocimiento 

Sosa, que ya era conocida como "La Voz de América", volvió al país en 1982. Por estos años, su reconocimiento se expandió de manera fenomenal, incluyendo otros rubros de la canción como la bossa nova, el tango y el rock. Artista de la talla de Chico Buarque, Milton Nascimiento, Gustavo Santaollalla y Charly García, le abrieron un panorama inédito a la cultura musical. Admirada por todo el arco de autores y compositores del rock nacional, "La Negra" comenzó un romance interminable con este género, que le valió grandes colaboraciones y reconocimientos. “Soñábamos, pero nunca imaginé que la vida me iba a llevar tan lejos. Nunca llegué a soñar todo lo que me iba a pasar en la vida”, declaró en una de sus últimas entrevistas, cuando le consultaron por el camino recorrido. Su último disco, titulado "Cantora" (2009), es una síntesis de todas esas voces que fue sumando a lo largo de su historia, con colaboraciones de Charly García, Fito Páez, Joan Manuel Serrat, Caetano Veloso y Shakira. "La cultura es lo único que puede salvar a un pueblo; lo único, porque permite ver la miseria y combatirla. Permite distinguir lo que hay que cambiar y lo que se debe dejar, como la bondad de la gente", es una de sus frases inmortales que revelan ese espíritu comprometido al cantar. 

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

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Arthur Conan Doyle, el "padre" de Sherlock Holmes

Además de crear al detective más famoso de la historia de la literatura, sir Arthur Conan Doyle fue un autor pro­lífico en varios géneros, doctor en Medicina y un aventurero que participó en dos guerras.También defendió causas algo extravagantes como el espiritismo o la existencia de las hadas. El increíble Dr. Arthur Ignatius Conan, fallecido un 7 de julio de 1930 en el jardín de su casa, fue un deportista consumado, precursor del esquí alpino y el automovilismo, militante del espiritismo y defensor de la existencia de las hadas. Es decir, un personaje que puede resultar incluso más atractivo que el mismísimo Sherlock Holmes.

La curiosidad al respecto era que no le gustaba mucho su criatura más famosa. De hecho, en la única entrevista grabada para la televisión inglesa, Conan Doyle se refirió en forma despectiva a su detective y "al bastante estúpido doctor Watson". Allí contó también como surgió el personaje: "yo era un médico bastante joven en ese momento y tenía un curso de capacitación científica, y solía leer ocasionalmente historias de detectives; solía molestarme cómo en esas historias anticuadas el detective siempre parecía llegar a sus resultados por suerte o por casualidad… Por esto pensé en convertir los métodos científicos, por así decirlo, en el trabajo de investigación del detective". Y agregó que se inspiró en un viejo profesor que se llamaba Bell, quien era "extraordinariamente rápido en el trabajo deductivo." Con solo observar al paciente no solo sabía su enfermedad, sino también su profesión y su nacionalidad. Pensó que ese era su personaje y así escribió las historias de Sherlock Holmes.

5 datos desconocidos sobre Arthur Conan Doyle

  • En la Universidad, fue compañero de estudio de otros escritores famosos como James Barrie (autor de "Peter Pan"), Robert Louise Stevenson ("La isla del tesoro").
  • Fue tripulante de un barco ballenero y navegó por el Océano Ártico alrededor de Groenlandia. Ingresó como médico, pero demostró tal habilidad para la caza de focas y ballenas (actividad considerada normal en la época), que le ofrecieron empleo.
  • Puso de moda el esquí en Inglaterra: se radicó en Suiza junto a su esposa, para mejorar salud respiratoria de ella, y se convirtió en experto esquiador. Sus artículos en la revista The Strand, dónde también publicaba la saga de Sherlock Holmes, incentivaron a miles de turistas británicos a viajar para esquiar en Suiza. 
  • Fue médico en la llamada "Guerra de los Boers", ocurrida en Sudáfrica. Tra­tó más casos de fiebre tifoidea que heri­das bélicas, como les ocurrió a muchos de sus colegas. Al regresar, escribió varios artículos que impactaron en la sociedad británica de la época.
  • Era un apasionado del espiritismo, algo que se intensificó luego de perder a su hijo mayor en la primera guerra mundial. Dictó conferencias, escribió artísticos y varios libros sobre el tema. Eso le valió la condena de algunos de sus colegas mucho más "racionales".  

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

Además de crear al detective más famoso de la historia de la literatura, sir Arthur Conan Doyle fue un autor pro­lífico en varios géneros, doctor en Medicina y un aventurero que participó en dos guerras.También defendió causas algo extravagantes como el espiritismo o la existencia de las hadas. El increíble Dr. Arthur Ignatius Conan, fallecido un 7 de julio de 1930 en el jardín de su casa, fue un deportista consumado, precursor del esquí alpino y el automovilismo, militante del espiritismo y defensor de la existencia de las hadas. Es decir, un personaje que puede resultar incluso más atractivo que el mismísimo Sherlock Holmes.

La curiosidad al respecto era que no le gustaba mucho su criatura más famosa. De hecho, en la única entrevista grabada para la televisión inglesa, Conan Doyle se refirió en forma despectiva a su detective y "al bastante estúpido doctor Watson". Allí contó también como surgió el personaje: "yo era un médico bastante joven en ese momento y tenía un curso de capacitación científica, y solía leer ocasionalmente historias de detectives; solía molestarme cómo en esas historias anticuadas el detective siempre parecía llegar a sus resultados por suerte o por casualidad… Por esto pensé en convertir los métodos científicos, por así decirlo, en el trabajo de investigación del detective". Y agregó que se inspiró en un viejo profesor que se llamaba Bell, quien era "extraordinariamente rápido en el trabajo deductivo." Con solo observar al paciente no solo sabía su enfermedad, sino también su profesión y su nacionalidad. Pensó que ese era su personaje y así escribió las historias de Sherlock Holmes.

5 datos desconocidos sobre Arthur Conan Doyle

  • En la Universidad, fue compañero de estudio de otros escritores famosos como James Barrie (autor de "Peter Pan"), Robert Louise Stevenson ("La isla del tesoro").
  • Fue tripulante de un barco ballenero y navegó por el Océano Ártico alrededor de Groenlandia. Ingresó como médico, pero demostró tal habilidad para la caza de focas y ballenas (actividad considerada normal en la época), que le ofrecieron empleo.
  • Puso de moda el esquí en Inglaterra: se radicó en Suiza junto a su esposa, para mejorar salud respiratoria de ella, y se convirtió en experto esquiador. Sus artículos en la revista The Strand, dónde también publicaba la saga de Sherlock Holmes, incentivaron a miles de turistas británicos a viajar para esquiar en Suiza. 
  • Fue médico en la llamada "Guerra de los Boers", ocurrida en Sudáfrica. Tra­tó más casos de fiebre tifoidea que heri­das bélicas, como les ocurrió a muchos de sus colegas. Al regresar, escribió varios artículos que impactaron en la sociedad británica de la época.
  • Era un apasionado del espiritismo, algo que se intensificó luego de perder a su hijo mayor en la primera guerra mundial. Dictó conferencias, escribió artísticos y varios libros sobre el tema. Eso le valió la condena de algunos de sus colegas mucho más "racionales".  

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

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Las 5 obras más valiosas de Frida Kahlo

Frida Kahlo, nacida Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón el 6 de julio de 1907 y una de las personalidades mexicanas más relevantes en el mundo, ostenta el récord del cuadro latinoamericano más caro de la historia. Su obra "Dos desnudos en el bosque (La tierra misma)", de 1939, fue vendida en 2016 por 8,5 millones de dólares en una subasta de arte moderno e impresionista de la casa Christie's en Nueva York. Es una pintura que mide tan sólo 30 centímetros de ancho por 25 de largo, en ella hay dos mujeres desnudas descansando en un bosque. Al momento de su creación, fue un regalo a Dolores del Río, una de las primeras actrices latinoamericanas que triunfó en Hollywood. Tras la muerte de Dolores del Río, el cuadro pasó a manos de su marido el estadunidense Lewis Riley. Fue subastado por Christie's en 1989 y adquirido por la coleccionista Mary-Anne Martin, quien se lo vendió a un comprador no identificado.

Gracias a sus autorretratos surrealistas y a un estilo propio que mezclaba elementos como el género, la raza y la identidad, Frida Kahlo es un ícono de la cultura mexicana para el mundo.  A través de la fantasía y el realismo mágico de sus obras, plasmó su propio dolor y sufrimiento a raíz de un accidente que tuvo en su juventud, que la mantuvo postrada en cama durante largos periodos de su vida. Por eso su trayectoria artística es inseparable de su vida personal: cada pincelada de sus óleos resultaba en una construcción de su propia persona, una expresión de la angustia. Su relación sentimental con el famoso artista Diego Rivera fue tan apasionada como tormentosa. En ella hubo amor, aventuras con otras personas, un vínculo creativo, odio, un divorcio en 1939 y un segundo matrimonio un año después. 

Creó su propio personaje con su forma de vestir y arreglarse, con vestimentas y abalorios indígenas, con su negativa a depilarse cejas y bigote y su pasión por la cerveza. Frida alcanzó la categoría de mito gracias a las fotografías que le hizo en 1937 y 1946 el fotógrafo estadounidense de origen húngaro Nickolas Murayentre, uno de los primeros en introducir la fotografía en color en Estados Unidos. Su pasión por la vida y sus ansias de libertad, minadas por sus graves problemas físicos, se resumen en sus propias palabras: "Pies para que los quiero si tengo alas pa’ volar".

Los 5 cuadros más cotizados de Frida Kahlo

  • "Dos desnudos en el bosque (La tierra misma)", de 1939, fue vendida en 2016 por 8,5 millones de dólares en Christie's. Anterior a la subasta, “Dos desnudos en el bosque” fue parte de la exposición "Pinta la revolución: Modernismo mexicano, 1910-1950" en el Museo de Arte de Filadelfia,
  • "Raíces" (1943) fue vendida por 5,61 millones dólares en una subasta de Sotheby’s, en mayo de 2006: ella misma es el personaje central de la obra que data del periodo en el que se casó por segunda ocasión con Diego Rivera.
  • Autorretrato (El tiempo vuela), de 1929,  fue subastada por Sotheby´s en 5,65 millones en mayo de 2000. A diferencia de otras obras, en esta pieza se la ve relajada y contemplativa. 
  • Autorretrato con chango y loro’ data de 1942 y fue subastada por Sothebys’ en mayo de 1995, por 3,19 millones de dólares. Integra la colección del Museo Latinoamericano de Buenos Aires (Malba).
  • "Autorretrato con pelo suelto" (1947), fue vendida en Christie´s en mayo de 1991, por 1,65 millones de dólares. En este retrato, Frida aparece delgada y frágil, aunque relajada y sonriendo.

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

Frida Kahlo, nacida Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón el 6 de julio de 1907 y una de las personalidades mexicanas más relevantes en el mundo, ostenta el récord del cuadro latinoamericano más caro de la historia. Su obra "Dos desnudos en el bosque (La tierra misma)", de 1939, fue vendida en 2016 por 8,5 millones de dólares en una subasta de arte moderno e impresionista de la casa Christie's en Nueva York. Es una pintura que mide tan sólo 30 centímetros de ancho por 25 de largo, en ella hay dos mujeres desnudas descansando en un bosque. Al momento de su creación, fue un regalo a Dolores del Río, una de las primeras actrices latinoamericanas que triunfó en Hollywood. Tras la muerte de Dolores del Río, el cuadro pasó a manos de su marido el estadunidense Lewis Riley. Fue subastado por Christie's en 1989 y adquirido por la coleccionista Mary-Anne Martin, quien se lo vendió a un comprador no identificado.

Gracias a sus autorretratos surrealistas y a un estilo propio que mezclaba elementos como el género, la raza y la identidad, Frida Kahlo es un ícono de la cultura mexicana para el mundo.  A través de la fantasía y el realismo mágico de sus obras, plasmó su propio dolor y sufrimiento a raíz de un accidente que tuvo en su juventud, que la mantuvo postrada en cama durante largos periodos de su vida. Por eso su trayectoria artística es inseparable de su vida personal: cada pincelada de sus óleos resultaba en una construcción de su propia persona, una expresión de la angustia. Su relación sentimental con el famoso artista Diego Rivera fue tan apasionada como tormentosa. En ella hubo amor, aventuras con otras personas, un vínculo creativo, odio, un divorcio en 1939 y un segundo matrimonio un año después. 

Creó su propio personaje con su forma de vestir y arreglarse, con vestimentas y abalorios indígenas, con su negativa a depilarse cejas y bigote y su pasión por la cerveza. Frida alcanzó la categoría de mito gracias a las fotografías que le hizo en 1937 y 1946 el fotógrafo estadounidense de origen húngaro Nickolas Murayentre, uno de los primeros en introducir la fotografía en color en Estados Unidos. Su pasión por la vida y sus ansias de libertad, minadas por sus graves problemas físicos, se resumen en sus propias palabras: "Pies para que los quiero si tengo alas pa’ volar".

Los 5 cuadros más cotizados de Frida Kahlo

  • "Dos desnudos en el bosque (La tierra misma)", de 1939, fue vendida en 2016 por 8,5 millones de dólares en Christie's. Anterior a la subasta, “Dos desnudos en el bosque” fue parte de la exposición "Pinta la revolución: Modernismo mexicano, 1910-1950" en el Museo de Arte de Filadelfia,
  • "Raíces" (1943) fue vendida por 5,61 millones dólares en una subasta de Sotheby’s, en mayo de 2006: ella misma es el personaje central de la obra que data del periodo en el que se casó por segunda ocasión con Diego Rivera.
  • Autorretrato (El tiempo vuela), de 1929,  fue subastada por Sotheby´s en 5,65 millones en mayo de 2000. A diferencia de otras obras, en esta pieza se la ve relajada y contemplativa. 
  • Autorretrato con chango y loro’ data de 1942 y fue subastada por Sothebys’ en mayo de 1995, por 3,19 millones de dólares. Integra la colección del Museo Latinoamericano de Buenos Aires (Malba).
  • "Autorretrato con pelo suelto" (1947), fue vendida en Christie´s en mayo de 1991, por 1,65 millones de dólares. En este retrato, Frida aparece delgada y frágil, aunque relajada y sonriendo.

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

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A 57 años de la fundación de Pink Floyd

Roger Waters y Nick Mason estudiaban arquitectura en el Politécnico de Londres cuando decidieron formar The Tea Set, un quinteto de rock underground que había conquistado al público de culto de los circuitos británicos. Pero así como John Lennon dijo que "todo comenzó a moverse realmente" cuando llegó Paul McCartney a The Beatles, la banda casual de estudiantes dio un giro de 180 grados cuando conocieron a Syd Barrett, cantante y guitarrista. Así, el 5 de julio de 1964 se formó Pink Floyd, la banda que rompió el paradigma del rock y abrió paso con su sonido único.

Barrett fue quien llevó la banda a un nuevo nivel y propuso que su deontología se tratara de magia psicodélica, filosofía y una fusión de estilos experimentales. Su primer single See Emily Play llegó al Top 10 de Inglaterra y encarnó el espíritu del "Flower Power" británico, que sumaba mucho más de cinismo Beat que el movimiento en Estados Unidos. 

Pink Floyd fue contracultura para aquellos que rechazaban los ritmos más "pop" de Bob Dylan y The Beatles; se transformó en la cristalización de una visión más adulta a la era de la desobediencia civil. El debate constante sobre el género de la banda subyace en que la experimentación y los procesos de los integrantes partían de una formación musical y personal con una perspectiva completamente distinta. Esto fue lo que finalmente desató una desincronización cíclica que se desenlazó en la separación de la formación original, donde cada uno se aisló y buscó su camino propio luego de perder al espíritu intempestivo de Barrett, a quien el abuso de drogas como el LSD lo llevó a tener un comportamiento demasiado errático como para seguir en la banda.

Pink Floyd fundó los arquetipos de dos de los géneros que se fundaron gracias al cuello de botella entre el rock de Elvis Presley y la popularidad del jazz y blues: el rock psicodélico y un rock progresivo con bases bluseras. Su impronta de crítica política reflejó una sociedad que había comenzado a caer estrepitosamente ante la realidad de la Guerra Fría. 

5 canciones para celebrar su aniversario

  • Comfortably Numb (del disco The Wall)
  • Wish You Were Here (del disco Wish You Were Here)
  • Another Brick in the Wall (Part II) (del disco The Wall)
  • Money (del disco The Dark Side of The Moon)
  • Echoes (del disco Meddle)

 

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

Roger Waters y Nick Mason estudiaban arquitectura en el Politécnico de Londres cuando decidieron formar The Tea Set, un quinteto de rock underground que había conquistado al público de culto de los circuitos británicos. Pero así como John Lennon dijo que "todo comenzó a moverse realmente" cuando llegó Paul McCartney a The Beatles, la banda casual de estudiantes dio un giro de 180 grados cuando conocieron a Syd Barrett, cantante y guitarrista. Así, el 5 de julio de 1964 se formó Pink Floyd, la banda que rompió el paradigma del rock y abrió paso con su sonido único.

Barrett fue quien llevó la banda a un nuevo nivel y propuso que su deontología se tratara de magia psicodélica, filosofía y una fusión de estilos experimentales. Su primer single See Emily Play llegó al Top 10 de Inglaterra y encarnó el espíritu del "Flower Power" británico, que sumaba mucho más de cinismo Beat que el movimiento en Estados Unidos. 

Pink Floyd fue contracultura para aquellos que rechazaban los ritmos más "pop" de Bob Dylan y The Beatles; se transformó en la cristalización de una visión más adulta a la era de la desobediencia civil. El debate constante sobre el género de la banda subyace en que la experimentación y los procesos de los integrantes partían de una formación musical y personal con una perspectiva completamente distinta. Esto fue lo que finalmente desató una desincronización cíclica que se desenlazó en la separación de la formación original, donde cada uno se aisló y buscó su camino propio luego de perder al espíritu intempestivo de Barrett, a quien el abuso de drogas como el LSD lo llevó a tener un comportamiento demasiado errático como para seguir en la banda.

Pink Floyd fundó los arquetipos de dos de los géneros que se fundaron gracias al cuello de botella entre el rock de Elvis Presley y la popularidad del jazz y blues: el rock psicodélico y un rock progresivo con bases bluseras. Su impronta de crítica política reflejó una sociedad que había comenzado a caer estrepitosamente ante la realidad de la Guerra Fría. 

5 canciones para celebrar su aniversario

  • Comfortably Numb (del disco The Wall)
  • Wish You Were Here (del disco Wish You Were Here)
  • Another Brick in the Wall (Part II) (del disco The Wall)
  • Money (del disco The Dark Side of The Moon)
  • Echoes (del disco Meddle)

 

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Mauricio Kartun y el arte teatral

El dramaturgo, maestro y director teatral Mauricio Kartún dialogó con Maxi Legnani en Biblioteca IP sobre su proceso creativo, y su relación con el éxito y la escritura. “Cuando intenté aprovechar la reclusión forzada de la cuarentena para seguir escribiendo algunos proyectos teatrales con los que estaba, me di cuenta que, desaparecida la expectativa de estreno inmediata, se me enfriaban mucho los proyectos”, contó sobre su experiencia con el aislamiento obligatorio.

“Todas las puestas que yo hice estuvieron por lo menos tres temporadas en cartel y todas, en realidad, bajaron por circunstancias exteriores al espectáculo”, comentó el director en relación a sus obras. 

Luego, al ser consultado sobre una construcción narrativa, Kartún señaló: “El tip de los buenos personajes suelen ser sus contradicciones, no tanto qué es lo que quiere o su objetivo, sino en un plano más especulativo, qué se le opone, cuáles son sus conflictos internos”. Y agregó que “cuando uno encuentra este sistema de deseo y contradicción, el personaje se vuelve dialéctico, y por lo tanto, se vuelve más vivo”. 

Biblioteca IP se emite por la pantalla de IP los domingos de 17 a 198 con la conducción de Maximiliano Legnani.

El dramaturgo, maestro y director teatral Mauricio Kartún dialogó con Maxi Legnani en Biblioteca IP sobre su proceso creativo, y su relación con el éxito y la escritura. “Cuando intenté aprovechar la reclusión forzada de la cuarentena para seguir escribiendo algunos proyectos teatrales con los que estaba, me di cuenta que, desaparecida la expectativa de estreno inmediata, se me enfriaban mucho los proyectos”, contó sobre su experiencia con el aislamiento obligatorio.

“Todas las puestas que yo hice estuvieron por lo menos tres temporadas en cartel y todas, en realidad, bajaron por circunstancias exteriores al espectáculo”, comentó el director en relación a sus obras. 

Luego, al ser consultado sobre una construcción narrativa, Kartún señaló: “El tip de los buenos personajes suelen ser sus contradicciones, no tanto qué es lo que quiere o su objetivo, sino en un plano más especulativo, qué se le opone, cuáles son sus conflictos internos”. Y agregó que “cuando uno encuentra este sistema de deseo y contradicción, el personaje se vuelve dialéctico, y por lo tanto, se vuelve más vivo”. 

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Volvió el CCK con conciertos en vivo

Luego del cierre obligado por las restricciones impuestas por la pandemia, el Centro Cultural Kirchner reabrió sus puertas para ofrecer conciertos presenciales durante todos los fines de semana. Tristán Bauer, ministro de Cultura de la Nación, dialogó al respecto con Melina Fleiderman en IP Noticias: "Es una reapertura que hacemos cuidando todos los protocolos". El CCK reabrió sus puertas el viernes nada más ni nada menos que con un concierto en homenaje a Astor Piazzolla. Éste forma parte del ciclo Piazzolla 100 que cuenta con la recreación de sus formaciones emblemáticas, como la Orquesta del ´46 y el Octeto Buenos Aires. 

Además, el centro cultural tendrá un ciclo de música académica y se brindará un homenaje a Chabuca Granda en el que participará Sandra Mihanovich. También en la programación se destaca Cantos del Tucumán, de Alberto Ginastera y durante todo julio habrá actividades presenciales en la Sala Argentina para toda la familia.

La cultura en tiempos de pandemia 

Durante gran parte del 2020 las actividades culturales debieron readaptarse al nuevo contexto de pandemia. Frente a esto, el ministro destaca: "La cultura nunca se detiene; es una construcción de los pueblos. Lo que tuvo una limitación son las distintas actividades artísticas. Tener que cerrar las salas de conciertos y los teatros tuvo un gran crecimiento de la otra forma de expresión: las formas virtuales". 

Bauer se mostró optimista y aseguró que, con el avance de la vacunación, de a poco se van a ir retomando las actividades culturales y destacó: "Esperamos que los artístas se reencuentren con su público".

 

Luego del cierre obligado por las restricciones impuestas por la pandemia, el Centro Cultural Kirchner reabrió sus puertas para ofrecer conciertos presenciales durante todos los fines de semana. Tristán Bauer, ministro de Cultura de la Nación, dialogó al respecto con Melina Fleiderman en IP Noticias: "Es una reapertura que hacemos cuidando todos los protocolos". El CCK reabrió sus puertas el viernes nada más ni nada menos que con un concierto en homenaje a Astor Piazzolla. Éste forma parte del ciclo Piazzolla 100 que cuenta con la recreación de sus formaciones emblemáticas, como la Orquesta del ´46 y el Octeto Buenos Aires. 

Además, el centro cultural tendrá un ciclo de música académica y se brindará un homenaje a Chabuca Granda en el que participará Sandra Mihanovich. También en la programación se destaca Cantos del Tucumán, de Alberto Ginastera y durante todo julio habrá actividades presenciales en la Sala Argentina para toda la familia.

La cultura en tiempos de pandemia 

Durante gran parte del 2020 las actividades culturales debieron readaptarse al nuevo contexto de pandemia. Frente a esto, el ministro destaca: "La cultura nunca se detiene; es una construcción de los pueblos. Lo que tuvo una limitación son las distintas actividades artísticas. Tener que cerrar las salas de conciertos y los teatros tuvo un gran crecimiento de la otra forma de expresión: las formas virtuales". 

Bauer se mostró optimista y aseguró que, con el avance de la vacunación, de a poco se van a ir retomando las actividades culturales y destacó: "Esperamos que los artístas se reencuentren con su público".

 

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Sofía Carmona y el fenómeno L-Gante

Sofía Carmona es locutora, periodista y especialista en cultura joven. De visita en Redacción IP analizó los dichos de la vicepresidenta Cristina Fernández sobre los músicos L-Gante, Wos y Trueno. 

"En principio ella hace esa referencia porque le está hablando a pibes y pibas que podrían encontrarse en la misma situación si tuvieran una compu y, como es una entrega de computadoras, está bueno el enganche", dijo respecto al discurso de la mandataria en el marco del lanzamiento del Plan Conectar Igualdad Lomas de Zamora.

Sofía remarcó que si bien la música de Trueno, L-Gante y Wos deviene del hip-hop, el trap y las batallas de freestyle, las etiquetas se quedan cortas. "Yo llamaría artistas a los músicos", dijo.

"Creo que esta cultura mucha gente elige ignorarla. Quizás tienen primos, sobrinos que escuchan esta música y les dicen '¿Podés sacar esa música molesta?' y no se está permitiendo conocerla. La cultura de hoy en día es de nichos, de cosas muy puntuales, y empieza a pasar eso hay gente muy famosa que si te los cruzás quizás no los reconocés", concluyó.

Redacción IP se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 22 a 23, con la conducción de Patricia Blanco, Andrés Fidanza y Leandro Renou.

Sofía Carmona es locutora, periodista y especialista en cultura joven. De visita en Redacción IP analizó los dichos de la vicepresidenta Cristina Fernández sobre los músicos L-Gante, Wos y Trueno. 

"En principio ella hace esa referencia porque le está hablando a pibes y pibas que podrían encontrarse en la misma situación si tuvieran una compu y, como es una entrega de computadoras, está bueno el enganche", dijo respecto al discurso de la mandataria en el marco del lanzamiento del Plan Conectar Igualdad Lomas de Zamora.

Sofía remarcó que si bien la música de Trueno, L-Gante y Wos deviene del hip-hop, el trap y las batallas de freestyle, las etiquetas se quedan cortas. "Yo llamaría artistas a los músicos", dijo.

"Creo que esta cultura mucha gente elige ignorarla. Quizás tienen primos, sobrinos que escuchan esta música y les dicen '¿Podés sacar esa música molesta?' y no se está permitiendo conocerla. La cultura de hoy en día es de nichos, de cosas muy puntuales, y empieza a pasar eso hay gente muy famosa que si te los cruzás quizás no los reconocés", concluyó.

Redacción IP se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 22 a 23, con la conducción de Patricia Blanco, Andrés Fidanza y Leandro Renou.

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Víctor Hugo Morales y su pasión por Piazzolla

La periodista María Seoane creó el libro "Momentos", un homenaje literario al significado cultural del músico Astor Piazzolla. Víctor Hugo Morales no pudo resistir entrar como colaborador y probar por qué el país tendría que saber un poco más del bandoneonista que marcó un rumbo especial en el tanto argentino. Somos PM se comunicó con el periodista para preguntarle qué inspiró su pasión.

"La Argentina no se pone a la altura de lo que Piazzolla significa en materia musical y cultura", opinó Víctor Hugo Morales y explicó que está fascinado con la figura con él porque "la historia de Piazzolla es la historia de Argentina". También remarcó que una de sus cosas favoritas es dar a conocer su perfil desde el punto de vista de divulgación como manera de humanizar a la leyenda y atraer con las curiosidades que construyeron su carrera. 

Un músico que supo que el tango era su camino cuando todo indicaba que se dedicaría a la música clásica, un artista que integró el sonido de los instrumentos eléctricos y una persona que desde adolescente buscó un espacio en las milongas para tocar aunque sea de suplente: esa pasión es la que se inmortalizó e inspiró a Víctor Hugo a querer escribir sobre una figura que califica como "un personaje crítico porque no es muy popular en el país".

"Todo el mundo ejecuta la obra de Piazzolla. Oblivion debe tener más de 100 versiones en el mundo y por ahí me quedo corto. Los grandes instrumentistas de este mundo apenas conocen su referencia y se enamoran del personaje. Yo creo que la dimensión de Piazzolla nunca ha sido alcanzada por el conocimiento", dijo.

Podés ver Somos PM con Pía Slapka, Anita Sicilia y Maximiliano Legnani de lunes a viernes de 14 hs a 17 hs por IP.

La periodista María Seoane creó el libro "Momentos", un homenaje literario al significado cultural del músico Astor Piazzolla. Víctor Hugo Morales no pudo resistir entrar como colaborador y probar por qué el país tendría que saber un poco más del bandoneonista que marcó un rumbo especial en el tanto argentino. Somos PM se comunicó con el periodista para preguntarle qué inspiró su pasión.

"La Argentina no se pone a la altura de lo que Piazzolla significa en materia musical y cultura", opinó Víctor Hugo Morales y explicó que está fascinado con la figura con él porque "la historia de Piazzolla es la historia de Argentina". También remarcó que una de sus cosas favoritas es dar a conocer su perfil desde el punto de vista de divulgación como manera de humanizar a la leyenda y atraer con las curiosidades que construyeron su carrera. 

Un músico que supo que el tango era su camino cuando todo indicaba que se dedicaría a la música clásica, un artista que integró el sonido de los instrumentos eléctricos y una persona que desde adolescente buscó un espacio en las milongas para tocar aunque sea de suplente: esa pasión es la que se inmortalizó e inspiró a Víctor Hugo a querer escribir sobre una figura que califica como "un personaje crítico porque no es muy popular en el país".

"Todo el mundo ejecuta la obra de Piazzolla. Oblivion debe tener más de 100 versiones en el mundo y por ahí me quedo corto. Los grandes instrumentistas de este mundo apenas conocen su referencia y se enamoran del personaje. Yo creo que la dimensión de Piazzolla nunca ha sido alcanzada por el conocimiento", dijo.

Podés ver Somos PM con Pía Slapka, Anita Sicilia y Maximiliano Legnani de lunes a viernes de 14 hs a 17 hs por IP.

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Videojuegos en clave pandémica

Enrique Salmoiraghi, director de Espacio Byte, presentó en Tarde a Tarde "Videojuegos en clave pandémica", una muestra virtual online. "Videojuegos en clave pandémica ahonda en los comportamientos que experimentamos desde ya hace más de un año a través de los videojuegos que es una de las prácticas artísticas que más se incrementaron", explicó en conversación con Mercedes Ezquiaga.

Salmoiraghi remarcó que la naturaleza de los videojuegos propone una fuerte interacción de distintos sentidos y el usuario está activo en la experiencia artística. "Desde que inició la pandemia intentamos abordar temáticas relacionadas, por eso, el año pasado inauguramos una muestra sobre virus informáticos y ahora estamos con esta nueva exposición", comentó.

Espacio Byte es el primer museo de habla hispana dedicado exclusivamente al arte digital y surgió hace 10 años de la necesidad de generar un espacio acorde al soporte necesario en el arte digital: "En espacios de arte les pedían a los artistas digitales que las exhiban imprimiendo las obras o si había computadoras para mostrar las obras quedaban anuladas porque mucha gente terminaba navegando en internet".

Tarde a Tarde se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 17 a 20, con la conducción de Agustina Díaz e Ignacio Corral.

Enrique Salmoiraghi, director de Espacio Byte, presentó en Tarde a Tarde "Videojuegos en clave pandémica", una muestra virtual online. "Videojuegos en clave pandémica ahonda en los comportamientos que experimentamos desde ya hace más de un año a través de los videojuegos que es una de las prácticas artísticas que más se incrementaron", explicó en conversación con Mercedes Ezquiaga.

Salmoiraghi remarcó que la naturaleza de los videojuegos propone una fuerte interacción de distintos sentidos y el usuario está activo en la experiencia artística. "Desde que inició la pandemia intentamos abordar temáticas relacionadas, por eso, el año pasado inauguramos una muestra sobre virus informáticos y ahora estamos con esta nueva exposición", comentó.

Espacio Byte es el primer museo de habla hispana dedicado exclusivamente al arte digital y surgió hace 10 años de la necesidad de generar un espacio acorde al soporte necesario en el arte digital: "En espacios de arte les pedían a los artistas digitales que las exhiban imprimiendo las obras o si había computadoras para mostrar las obras quedaban anuladas porque mucha gente terminaba navegando en internet".

Tarde a Tarde se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 17 a 20, con la conducción de Agustina Díaz e Ignacio Corral.

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"Momentos", la vida de Astor Piazzolla

La escritora y periodista María Seoane conversó en Tarde a Tarde sobre "Momentos", un nuevo libro sobre la vida y obra de Ástor Piazzolla que escribió junto a Víctor Hugo Morales, a 100 años del nacimiento del ícono.

"Ástor es el Mozart del tango. Después de Ástor el tango tuvo una revolución, mi generación fue profundamente conmovida por este genio. El libro lo hicimos durante la pandemia y en un momento delicado de Víctor Hugo. Él sabe muchísimo sobre la historia musical del Río de la Plata y también trabajamos con un gran equipo en investigación", comentó en diálogo con Agustina Díaz e Ignacio Corral.

El libro "repasa en 30 momentos la música, el cuarteto, su vida personal, afectiva, su relación con el país y las cosas que nos dejó" y además está acompañado por un vinilo de "Piazzolla y su Quinteto en el Teatro Regina", una grabación en vivo de 1970.

Tarde a Tarde se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 17 a 20, con la conducción de Agustina Díaz e Ignacio Corral.

La escritora y periodista María Seoane conversó en Tarde a Tarde sobre "Momentos", un nuevo libro sobre la vida y obra de Ástor Piazzolla que escribió junto a Víctor Hugo Morales, a 100 años del nacimiento del ícono.

"Ástor es el Mozart del tango. Después de Ástor el tango tuvo una revolución, mi generación fue profundamente conmovida por este genio. El libro lo hicimos durante la pandemia y en un momento delicado de Víctor Hugo. Él sabe muchísimo sobre la historia musical del Río de la Plata y también trabajamos con un gran equipo en investigación", comentó en diálogo con Agustina Díaz e Ignacio Corral.

El libro "repasa en 30 momentos la música, el cuarteto, su vida personal, afectiva, su relación con el país y las cosas que nos dejó" y además está acompañado por un vinilo de "Piazzolla y su Quinteto en el Teatro Regina", una grabación en vivo de 1970.

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