Patricia Sosa: "Yo hago música y voy entrando en paisaje"

La cantante Patricia Sosa participo de El Planeta Urbano y contó todas las novedades de su agenda: nuevos shows, obras de teatro y un viaje místico a Egipto.

Mística, divertida y espiritual: Patricia Sosa participó en El Planeta Urbano y habló sobre sus viajes espirituales, cómo se siente volver a los escenarios después de tanto tiempo y cómo se transformó de cantante en actriz de teatro.

La pandemia fue un antes y un después para todos los artistas, pero este año ella lo sintió distinto. A casi tres años del lanzamiento de su último álbum, la cantante vuelve para hacer temblar el escenario del Teatro Broadway el 23 de enero: "La gente reaccionó muy bien y lo único que me da es amor", contó Sosa.

"En cuarentena yo compuse mucho, se me dio por el lado creativo. Yo estaba arriba de la montaña en Córdoba en la primera cuarentena que estuvimos todos encerrados. Me quedé ahí como 5 meses y pico y no tenía ni una guitarra. Componía con la boca", contó Patricia Sosa.

Entre los hitos que tiene planificado para el 2022, uno de ellos es la selección para la participación de una meditación masiva en Egipto y cantar en el festival que se organiza ese 2 de febrero. Aunque admite que ya no anticipa nada, el evento la conmueve y le enorgullece de representar un área latinoamericana.

Parte de esa emoción la lleva cuando actúa en "Perdida mente", una obra de José María Muscari que elabora la tragicomedia de la perdida cognitiva por la edad. Sosa admitió que el teatro sí la atemorizó, pero alentada por su hija, se lanzó de lleno a la actuación.

"'¿Cómo me aprendo esto?', dije. Yo hago música y voy entrando en ese paisaje. Acá no, era todo hablar. Muscari nos decía: 'Estas mujeres no piensan, si no, no dirían ni la mitad de cosas que dicen, así que así de rápido, escupirlo'. Al principio me costó. Entonces me dijo: 'Cuando digas la letra como el Padre Nuestro, ahí vas a ver que todo fluye'. Y tuvo razón, ni lo pienso, hago lo que me dijo", contó la artista.

El Planeta Urbano se emite por IP todos los sábados a las 23 con la conducción de Pía Slapka.

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Andy Cherniavsky, la fotógrafa del rock postdictadura

Andy Cherniavsky fue parte de las tres grandes columnas de la fotografía: música, moda y publicidad. En El Planeta Urbano contó el rock le acunó para formarse como artista y cómo evolucionó hasta llegar a ser uno de los exponentes más importantes de la fotografía nacional.

Andy Cherniavsky es una fotógrafa que se crió en el universo del rock y que, como ella misma define, el rubro la acunó en los tiempos más difíciles. La artista debió vivir el exilio de su padre durante la última dictadura militar, quien era representante de artistas como Mercedes Sosa y Nacha Guevara, figuras “no bienvenidas” por el gobierno de facto. Cuando su madre viajó a España, Cherniavsky prefirió quedarse en Buenos Aires mientras estudiaba psicología y trabajaba como fotógrafa.

“La industria como hoy la concebimos y todos los trabajos que yo hacía en ese momento eran por amor a la música, al arte, por aprender, por estar en contacto con todas esas estrellas que tampoco lo hacían ni por la plata ni por nada”, contó la fotógrafa.

El rock de los ‘80 tuvo esa impronta de liberación, donde todas las corrientes artísticas atravesadas por la censura se encontraron libres de descubrir nuevos espacios. Paso a paso, Cherniavsky tejió su carrera “como al crochet” donde admite que cada trabajo que hizo logró capitalizarlo: “Amplié también mi seguridad, mis metas y descubrí nuevos talentos”, contó.

Pero no solo se trató de música: su lente recorrió el camino de la moda y la publicidad, lo que le sumó un bagaje particular a su perspectiva artística y la relación con los protagonistas de sus fotos.

“Yo creo que gran parte de lo que es la profesión de fotógrafo, es poder generar ese vínculo (con el sujeto). Nosotros somos directores, directores creativos, directores de actores. Eso es algo que solo trato de enseñar siempre”, relató.

En su nuevo libro Acceso Directo relató cómo fue formarse como profesional en las décadas más duras de Argentina y cómo venir desde el ambiente del rock la formó para entenderse como fotógrafa y artista.

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Litto Nebbia y su cronología antológica: "Escribo sobre cosas humanas"

IP Cultural cierra el año con Litto Nebbia, el prolífico cantaautor de música popular nacional que no se quedó quieto ni por un momento en pandemia. ¿Con qué terminó Litto su 2021?

Para el músico y compositor Litto Nebbia es impensable haber transitado la pandemia con la mente ociosa. Para cerrar este período, el ícono de la música popular le contó a IP Cultural que terminó por lanzar cuatro álbumes y además una cronología sonora en formato de libro.

Nebbia admite que a la música es clave para su vida y cualquier hecho cultural que lo conmueve termina por aparecer en formato de canción. El principio de estos cuatro álbumes comenzó gracias a su fascinación con el cine francés de los '60, un período que lo obsesionó: "Lo que hice fue dedicarle mi música, mi canción, mi leitmotiv a cada una de ellas (películas), hasta que llegué a escribir 16 clases de música", contó.

Con ese ánimo, encaró la propuesta de la Universidad de Córdoba para crear una antología marca Nebbia. Entre sus 1300 canciones, el compositor seleccionó 258 con el ánimo de ilustrar su crecimiento musical y sumó letras que escribió en su adolescencia hasta las más recientes. De esta manera y en orden cronológico, los lectores pueden pasearse por su evolución como leyenda de la música. Como no podía ser de otro modo, esta antología también está acompañada de un álbum instrumental que ayuda al lector a revivir el momento de producción de estas letras y acompañar la literatura con una banda sonora especial.

"Yo no quise empezar a elegir letras y decir, bueno, como a veces es habitual con la música, seleccionar mis mejores canciones. Es decir, no hay mejor: lo que intenté y pude, fue confeccionar una lista cronológica para que se vaya viendo los cambios que hay en el lenguaje, en la búsqueda de temáticas y la necesidad", lo describió Nebbia.

"Yo escribo sobre las cosas humanas, y lo que escribo en algún momento de la vida le sucede a todo el mundo. Quizá debido a eso la gente se identifica mucho con las letras, porque la música, la canción popular, tiene esa posibilidad de que en dos minutos y medio que dura una canción, a vos sin querer te conoce un montón de gente como si te hubiera conocido antes. Eso es una magia que tiene la música popular ", contó el músico.

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Baile y tercera edad: ¿Cómo es el taller de ritmos latinos para adultos mayores?

La profesora de ritmos latinos, Maby López, dialogó con Paula D´Ambrosio para +IP, acerca del taller de baile para adultos mayores que organiza en San Martín, provincia de Buenos Aires.

La profesora de ritmos latinos, Maby López, dialogó con Paula D´Ambrosio para +IP, acerca del taller de baile para adultos mayores que organiza en San Martín, provincia de Buenos Aires. Además, la especialista en danzas llegó al piso de IP acompañada de su alumno Antonio López, que contó su experiencia en el taller. Desde hace doce años la coreógrafa coordina estos espacios organizados por la Municipalidad de San Martín. "Comencé hace 12 años, cuando desde el Municipio me propusieron dar clases para adultos mayores y me encantó la propuesta". Maby explicó que desde el principio supo que los talleres iban a ser un éxito y hoy tiene más de 300 personas que bailan y despiden el año con una muestra final abierta al público en el Teatro Plaza. 

Baile y salud en la tercera edad

La profesora contó que cualquier persona mayor puede formar parte de sus talleres, sin importar la condición física que tengan. "Nosotros integramos a todos los que vienen. Nos gusta que cada uno baile y se sienta bien, libre, para hacer lo que siente y disfrutar de la música", indicó López. Por su parte, Maby dio detalles sobre su método para armar las clases. "Me encanta hacer ritmos latinos, como salsa, merengue y bachata. Tengo alumnas que pasaron los 90 años y aprenden como si fueran niños, con mucha pasión. El taller también tiene un incentivo final todos los años, que es la muestra de fin de año en el Teatro Plaza, al que asisten unas 600 personas. 

La experiencia de bailar en el taller

Antonio López es uno de los alumnos de baile que se acercó de casualidad al taller de ritmos latinos y sin saberlo terminó bailando. "Nunca me gustó el baile, a veces me movía un poco en los cumpleaños pero nada más. Un día fui con mi señora y me quedé mirando la clase, pero Maby me sacó a bailar y dijo que en su taller se integraba todo el mundo", recuerda Antonio entre sonrisas. El alumno también compartió su experiencia en un grupo que tiene mayoría de mujeres. "Existe el prejuicio de que el varón tiene que bailar tango o folclore. A mí me encanta romper esos prejuicios. Somos pocos hombres, pero nos adaptamos enseguida", declaró Antonio. 

Podés ver IP+, conducido por Paula D´Ambrosio, los sábados a las 15 hs.

 

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Andrea Echeverri: "He vivido construyendo una propuesta feminista, sensible y combativa"

Uno de los caminos de la música neofeminista latinoamericana la marcó Aterciopelados, la legendaria banda colombiana que acompaño a Soda Stereo durante su gira por Estados Unidos. IP Cultural invitó a Andrea Echeverri, vocalista y líder de la banda, para revivir los momentos clave de su carrera.

Pasaron casi 30 años que Andrea Echeverri empezó su carrera con Aterciopelados, la banda colombiana que marcó al rock alternativo latinoamericano y acompañó a Soda Stereo durante sus giras en Estados Unidos. En el camino, Echeverri se encontró con la música de manera más performativa y encarnó un camino único que le permite reflexionar acerca de su identidad con temas como militancia feminista y la exploración de la maternidad.

Con temas como “Mujer Gala”, “Florecita Rockera” y “Cosita seria”, Echeverri definió una actitud neofeminista en los '90, una época donde las disqueras habían comenzado a habilitar la locura de las ídolos pop comerciales. “Era muy chistoso porque íbamos en giras donde eran 90 personas y dos mujeres; y la mayoría eran bandas de 15 testosterónicos. Era duro, bien duro”, contó la cantante.

He vivido como construyendo una propuesta feminista, sensible, combativa. Me parece que hemos hecho la tarea bien”, opinó Echeverri sobre la perspectiva que tomó en su carrera.

Ir de gira con Soda Stereo definió la mentalidad de todo la banda, que ya se había acostumbrado al circuito itinerante del punk rock. Apadrinados por Gustavo Cerati, Aterciopelados encontró otro espacio donde explotar, como el famoso MTV Unplugged que compartieron a través la canción “La Ciudad de la furia”.

Soda fue el primer concierto al que fui en la vida. Entonces después porque éramos de la misma disquera, resulta que estábamos girando con soda. O sea, es como con tu, con tu fantasía, con tu héroe, con la persona que más has escuchado en tu vida “

Andrea Echeverri y Aterciopelados se suman a la lista de invitados del “Gracias Totales”, la gira que cuenta con Charly Alberty y Zeta Bosio (los integrantes de Soda Stereo) y que tiene como misión honrar la visión artística de Gustavo Cerati.

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La historia de Laura Berazategui y "Las Abuelas Raperas" que son furor en redes sociales

Laura Berazategui es una jubilada mendocina que forma parte de "Las Abuelas Raperas", el grupo musical de adultas mayores de 60 años que brillan en las redes sociales con sus canciones y mensajes positivos para la tercera edad.

Laura Berazategui es una jubilada mendocina que forma parte de "Las Abuelas Raperas", el grupo musical de adultas mayores de 60 años que brillan en las redes sociales con sus canciones y mensajes positivos. Las jubiladas se conocieron en el club "Alegres Corazones" de la Municipalidad de Mendoza donde se juntaban para hacer teatro junto al profesor Rodolfo Yáñez. En uno de los encuentros artísticos, una de las mujeres llevó la letra de una canción y decidieron hacerla rap. En ese momento surgió el grupo que hoy cuenta con 13 jubiladas con edades que van de los 60 a los 90 años. Su impronta llena de alegría y humor se refleja en las letras y llegó a ser furor en redes sociales con el hit "Nada de nada". 

La historia de Laura y "Las Abuelas Raperas"

Laura dialogó con +IP respecto de sus inicios en el grupo y el crecimiento que generó a través de la música rap. "Ni yo soñaba con estar en un espacio con abuelas raperas. Todo lo que fue pasando me superó completamente", dijo Laura que llegó al grupo y comenzó haciendo coros. "Beba Moyano es una de nuestras abuelas que hace letras. Hizo el ´Rap de los niños´ y ahora estamos ensayando el ´Rap del planeta´. Estamos muy contentas de seguir adelante con este proyecto tan hermoso", agregó Berazategui que antes de jubilarse trabajaba en el mundo de la abogacía. 

El reconocimiento del rap "Nada de nada". 

Las abuelas ganaron exposición cuando subieron el videoclip del hit "Nada de nada" a las redes sociales. Con más de 120 mil visualizaciones en YouTube, el tema se convirtió en uno de los éxitos de las 13 "chicas" que cuentan historias de la tercera edad. El reconocimiento también les llegó desde la Cámara de Diputados de Mendoza, que les otorgó una distinción "por su mirada activa y positiva". "El rap de los niños es muy bonito porque es un abrazo entre nosotras y nuestros nietos. Ellos nos enseñan muchas cosas y aprendemos cada día del amor que nos brindan", explicó Laura con emoción. 

Podés ver +IP, conducido por Paula D´Ambrosio, los sábados a las 15 horas. 

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Roberto Musso cuenta sobre el retorno de "El Cuarteto de Nos"

"El Cuarteto de Nos" vuelve después de la pausa pandémica y apunta a llenar el Luna Park con el estreno de su nuevo disco "Jueves".

Alternativos, entrópicos y hasta psicodélicos: "El Cuarteto de Nos" es una de las bandas uruguayas que explotó en Argentina y enamoró a toda Latinoamérica. Ellos se definen como "una banda de rock rara", una característica que de alguna manera inspira a Roberto Musso (cantante, guitarrista y compositor de la banda) y habilita que su inspiración no tenga límites. Como hito de la amenización de la pandemia, los músicos celebran su retorno al país con un show en el Luna Park con aforo completo y su nuevo disco "Jueves" .

Musso reconoció que el período de restricciones sanitarias lo dejó en una especie de pausa forzada y reconoció que este retorno también tiene algo extraño: "Fue una cuestión que estaba fuera de los planes y volver hace que se vivan momentos super emotivos", describió. Además, no solo la falta de show hizo efecto: el encierro obligó al artista a buscar una nueva perspectiva dentro del minimalismo y el recuerdo, y gracias a eso, nació la idea de "Fiesta en lo del Dr. Hermes", un videoclip inspirado en la mitología griega.

"Por más que siempre me tiró más la ingeniería y la matemática (de más chico y de grande también), el tema de la mitología griega es algo que me atrapó siempre. Toda esa parte de mezcla de ficción con pseudo realidad. En este caso, justamente se trata de una supuesta fiesta en el cual se tejen los entretelones del poder, donde el anfitrión es un tal Dr.Hermes, quién era el mensajero de los dioses y además era el dios de los mercaderes medio ladrones, medio tramposos. Entonces andaba en cuestiones medio turbias, por eso me gustó ponerle eso al nombre identificativo del anfitrión", contó Musso.

A pesar de que reniega que los temas tengan un relato que describan "los buenos y los malos de la película", sí admite que el video intentó "poner foco en cuestiones que estaban latentes y pendientes". De esta manera, Musso rescató lo que describe como "conspiranoia" que se despertó durante el período pandémico y lo utilizó como inspiración para pensar en cómo plantar el interrogante de qué le espera a la humanidad ahora.

"Se pone sobre la mesa ese tema, los que están invitados a la fiesta y los que están viviendo la fiesta y viéndola desde afuera, que aparecen ahí como uan gente que está asomándose por la ventana", describió.

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León Gieco cumple 70 años: habrá shows homenajes en el CCK y Tecnópolis

El cantautor popular León Gieco cumple 70 años y lo celebrará con distintos shows acompañado de varios músicos argentinos, en el Centro Cultural Kirchner y en Tecnópolis.

El cantautor popular León Gieco cumple 70 años y lo celebrará con distintos shows acompañado de varios músicos argentinos, en el Centro Cultural Kirchner y en Tecnópolis. Este sábado a las 20 horas, el Auditorio Nacional del CCK será escenario de "León cumple" el primer homenaje a Gieco de este fin de semana. Entre las figuras destacadas, se espera le presencia de: Ricardo Mollo, Juan Carlos Baglietto, Teresa Parodi, Raúl Porchetto, Javier Malosetti, Ligia Piro, Lisandro Aristimuño y Eruca Sativa. También serán parte del show: Los Tipitos, Andrés Giménez, Gustavo Santaolalla, Abel Pintos y Lito Vitale, entre otros. El recital se transmitirá en vivo por la TV Pública y las emisoras de Radio Nacional, por la plataforma Cont.ar y los canales de Facebook y de YouTube del Centro Cultural Kirchner.

¿Cómo será el show del domingo en Tecnópolis?

Por otra parte, el domingo será el turno del festejo en Tecnópolis, que tendrá como sede el Microestadio, desde las 18.30 horas. Allí estarán presentes: Hilda Lizarazu, Nahuel Penissi, Liliana Herrero, Leo García, Dani y Cóndor, Julia Zenko, Claudia Puyó, Javier Calamaro, Miss Bolivia y Manu Sija, entre otros artistas. León Gieco participará del cierre del show, que se podrá ver de manera presencial o seguir desde el Facebook YouTube de Tecnópolis. 

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Grammy latinos: Vicentico y Calamaro fueron ganadores

Además, la estrella de la música urbana Nathy Peluso (argentina radicada en España) y el grupo Tinto Tango obtuvieron premios.

Andrés Calamaro, Vicentico, el grupo Tinto Tango y Nathy Peluso fueron los principales argentinos ganadores en la 22° edición de los Grammy Latinos realizada en el MMG Grand Garden Arena de Las Vegas. "El Salmón" se llevó el reconocimiento en la categoría "Mejor Canción de Pop/Rock" por la coautoría de "Hong Kong", el tema que escribió junto al compositor español C. Tangana y el cantautor uruguayo Jorge Drexler.

Por su parte, Vicentico ganó en dos categorías: "Mejor Canción de Rock" por "Ahora 1" y "Mejor Álbum de Rock" por su disco "El Pozo Brillante". Otra de las vencedoras de la noche fue la cantante argentina radicada en España Nathy Peluso, que se alzó el premio de la categoría de "Mejor Álbum de Música Alternativa", por "Calambre". Una de las revelaciones fue el quinteto "Tinto Tango" que recibió el premio por "Mejor Álbum de Tango", gracias a su producción "Tinto Tango Plays Piazzolla". 

Más presencia argentina en los Grammy latinos

Además de los ganadores, varios músicos, productores y artistas argentinos estuvieron presentes en la gala oficial de los Latin Grammy 2021. Uno de ellos fue Fito Páez, que recibió el Grammy a la Excelencia Musical y se subió al escenario para presentar la categoría "Mejor Álbum Vocal Pop" junto a María Becerra. La creadora de música urbana, Nathy Peluso, realizó una performance de acompañamiento en coros junto a Natalia Lafourcade, para la canción "Ingobernable" del español C. Tangana.

Luego actuó Nicki Nicole, con una interpretación de "Pa´Mis Muchachas" junto a las consagradas Becky G y Cristina Aguilera. "Soy la más chica de las cuatro, así que tenerlas a ellas como cómplices y a la vez referentes es súper importante. Aprendo muchísimo. Tuvimos cuatro o cinco ensayos en los que ella (Aguilera) fue un amor", sostuvo la cantante rosarina. Otro de los presentes fue Nahuel Penissi, nominado por "Mejor Álbum Folclórico" por su trabajo titulado "Renacer".  "Es una alegría gigante. Me siento muy contento, en un momento muy lindo de mi carrera, tratando de crecer y aprender", declaró desde la alfombra roja. 

 

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Fito Páez: Grammy Latino a la Excelencia Musical

El músico rosarino fue reconocido en Las Vegas: en el discurso agradeció a sus "maestros" Luis Spinetta, Litto Nebbia y Charly García.

Fito Páez fue galardonado con un Grammy Latino a la Excelencia Musical, en la 22° entrega del reconocido premio internacional. Páez recibió el "Lifetime Achievement Award 2021", entregado por la Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación de los Estados Unidos durante la ceremonia realizada en Las Vegas. "Me siento parte de un eslabón de todo el tesoro americano que se creó y que se inventó en todo el continente y de alguna forma no tengo más que gratitud, agradecimiento y alegría", declaró "Fito" en su discurso de agradecimiento, en el que incluyó alabanzas para Charly García, Litto Nebbia y Luis Alberto Spinetta. 

Grammy a la trayectoria musical

La ceremonia se realizó en el Hotel Four Season Las Vegas, donde grandes personalidades de la música latina desfilaron por la alfombra roja. Entre los invitados y reconocidos de la noche, estuvieron el mexicano Emmanuel, los norteamericanos Pete Escobedo y Sheila E., la dominicana Milly Quezada, el brasileño Martinho da Vila y el puertorriqueño Gilberto Santa Rosa. Además, Páez se reencontró con su "enemigo íntimo", el cantautor español Joaquín Sabina, que también fue premiado con la misma distinción. "Hacía mucho que no le veía. Me lo encontré en el avión viniendo de Miami y fue una alegría muy grande", declaró Sabina, quien realizó en conjunto con Páez el disco "Enemigos Íntimos", en 1998, con grandes discusiones entre ellos por sus diferencias al encarar el trabajo artístico. 

El reconocimiento a Charly, Nebbia y Spinetta

El artista rosarino de 58 años, se encargó de subrayar una retribución a sus amigos y colegas: "Charly" García, "El Flaco" Spinetta y Lito Nebbia. En el discurso de agradecimiento, Páez remarcó que sus logros no hubieran sido posibles sin los consejos de estos tres músicos argentinos, a los que nombró como sus "mentores". "Siento que medio que me la ligué de rebote, porque claro, cuando estás allí en la sala y está Charly García levantándote los dedos y te dice que la oncena se puede tocar o el Fa cuarta se puede tocar con muchísimas menos notas de lo que yo estaba tocando… o Luis Alberto Spinetta te dice que tenés que hacer un arreglo de cuerdas para tal orquesta, o tal cosa, bueno… todo eso evidentemente te pone en una situación de privilegio y de gran responsabilidad", detalló el autor de "El amor después del amor".  "Fito" también agradeció el apoyo de su familia, y le dedicó el premio a sus hijos, Martín y Margarita. 

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Hugo Lobo: de Dancing Mood a la Orquesta "Vamos Los Pibes"

El trompetista y líder la popular banda de ska contó en IP Cultural la puesta en marcha del proyecto social para chicos y chicas en el club Atlanta.

Hugo Lobo es el trompetista que se animó a experimentar con la música y de su laboratorio salió Dancing Mood, la banda nacional formada en el 2000 que interpreta desde rock, ska hasta calipso. "Después de Dancing Mood, un montón de bandas jóvenes empezaron a implementar los vientos. Ya no se te reían mucho cuando te preguntaban '¿qué instrumento tocás?' y vos le respondías 'la trompeta'", rió el artista.

La experiencia cumplió 22 años de una pasión que busca despertar curiosidad al público con su amplio repertorio de géneros. El espectro artístico que abarcan sus shows nunca aburre y logró ser aprovechado en pandemia gracias a transmisiones digitales que llegaron a impactar a lo largo de Latinoamérica y España.

Entre sus pasiones está la Orquesta "Vamos Los Pibes", una iniciativa que dirige en el Club Atlético Atlanta y propone desarrollar el lado musical de chicos y chicas que pueden aprender instrumentos como trompeta, trombón, guitarra, percusión, violín, violonchello, flauta traversa y bajo. Los maestros y maestras que colaboran con la iniciativa lo hacen voluntariamente desde hace ya 11 años, cuando se gestó la idea.

"La verdad es que es fue muy emocionante trabajar con chicos y chicas, creo que es el deber que uno tiene. Por lo menos es lo que yo siento de devolverle a la música lo que a uno le dio, que es la fortuna de poder vivir de lo que a uno le gusta. Compartirlo es mostrarle a los pibes y pibas, y a sus familias, que hay otra oportunidad y otro camino, el del arte y la música, y que se puede tomar de una manera no estrictamente académica", agregó Lobo.

Lobo admite que la pandemia fue un momento duro para el proyecto, donde el encierro propició carencias en todo sentido, no solo desde lo monetario, sino desde el trabajo afectivo y de contención que implica el proyecto donde el mediador es la música. De todas maneras, También recalcó que el trabajo de las ollas populares realizadas en el club, las "Ollas Bohemias", continuaron durante los sábados, donde las personas pueden acercarse a recibir comida hasta las 3 de la tarde.

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Los Pericos celebran 35 años de historia como banda

El cantante de la icónica banda de reggae contó en El Planeta Urbano cómo pasaron este período de pandemia y los preparativos para el festejo de cumpleaños.

No cualquiera consigue llevar adelante una banda como Los Pericos durante 35 años. Esta fue tarea de Juanchi Baleirón, el cantante y líder del icónico grupo nacional de reggae, que se prepara para un show en el Teatro Broadway como antesala a lanzar un nuevo disco.

"Creo que Pericos tuvo un poco de habernos adaptado a los cambio de la industria, a la forma de consumir música, no solamente formato vinilo, compact, MP3...sino a cómo la gente consume la música y por los canales por donde se difunde y los fans la encuentran", contó en diálogo con Pía Slapka en El Planeta Urbano.

Las generaciones de Pericos

Baleirón se ríe nostálgico al recordar lo mucho que vivió la banda, que en definitiva, terminó por ser una familia completa después de casi cuatro décadas. El fallecimiento de Horacio Avedaño, su imperdible saxofonista, fue algo que los marcó mucho y definió su manera de adaptarse al camino de una carrera inusual. Por supuesto, los cambios de la industria y la retirada de Bahiano son momentos que recuerda como definitorios, pero que fueron necesarios para reacomodarse al paso del tiempo.

"En un momento pasaba cuando un cantante dejaba la banda, a veces se diluía o se dispersaban las energías. Acá dijimos que no y de cabezones que somos, de tozudos, tomamos el desafio", contó Baleirón.

En 2004, la principal marca que definía a Los Pericos dejó la banda: el Bahiano decidió partir luego de 17 años de trayectoria, algo que puso en jaque al resto de los integrantes. Aun así, el grupo se negó a perder su identidad y en la búsqueda de una nueva voz propusieron que Juanchi Baleirón también cumpliera el rol de vocalista, como una manera de encontrar su esencia desde el interior de la banda.

"En ese momento la herida de la partida se cerró con la misma carne. No hubo un parche que reemplazó. Esto era un mensaje que llegaba indirectamente, de 'Mirá cómo se arreglan solos' y eso también es como una especie de crédito que tuvimos", describió el músico.

Los Pericos de siempre, con nuevos covers

Baleirón admite que la pandemia lo llevó a disfrutar la música de otra manera: redescubrir géneros que había descartado hacía mucho tiempo y a encontrar el encanto en puntas muy disímiles a su estilo. De esta manera gestaron el nuevo disco de Los Pericos, un estreno que cuenta con covers emblemáticos de la música latinoamericana. El músico admite que fue "un ejercicio de sacarse el prejuicio" y de aprovechar su propia formación rockera para explorar un lado sorpresivo a partir de su bagaje musical.

"Dejamos de lado el disco de canciones nuevas y ganamos este que tiene puntas muy disímiles que vamos de un Roberto Carlos, a un Drexler, de un Robi Draco Rosa a Julio Iglesias, de Marco Antonio Solís a Soda Stereo. Es como amplio, pero todo con una coherencia de producción artística, de una sonoridad propia de Pericos", adelantó.

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Leonard Cohen, poeta y músico de culto

Hace cinco años, el 7 de noviembre de 2016, murió uno de los autores más influyentes de la cultura occidental en el siglo XX.

El 7 de noviembre de 2016 murió, a sus 82 años, Leonard Cohen. Poeta, escritor y cantautor de culto, dejó una extensa obra que lo ubican como uno de los personajes más relevantes e influyentes de la cultura occidental durante el siglo XX. Sus canciones adicionales tenían un toque romántico y existencial que lo establecieron como una de las voces más distintivas de la música pop de los 60 y de ahí en adelante, la estela de su obra habría de prolongarse hasta el presente, cuando ostenta con total certeza el calificativo de "autor de culto" para varias generaciones de personas alrededor del mundo.

Su muerte transcurrió, como buena parte de su vida y obra, alejada del ruido mediático. El fallecimiento se difundió a través de las redes sociales el 10 de noviembre, tres días después de ocurrido. Robert B. Kory, su manager, lo informó en un comunicado de prensa. “Leonard Cohen murió mientras dormía, justo después de una caída en mitad de la noche. La muerte fue repentina, inesperada y tranquila”, dijo. No hubo más detalles sobre los momentos posteriores. . “Quedan sus hijos, Adam y Lorca, y sus tres nietos, Cassius (hijo de Adam), Viva y Lyon”, agregó Kory. Y en una publicación en Facebook de Adam Cohen, uno de los hijos, se supo algo más. “Mi hermana y yo acabamos de enterrar a mi padre en Montreal. Solo la familia más cercana y algunos amigos de toda la vida. Fue enterrado con un ataúd de pino sin adornos, al lado de su madre y su padre. Exactamente como pidió”, escribió. 

Premio Príncipe de Asturias en 2011

En 2011 le fue otorgado el Premio Príncipe de Asturias de las Letras “por una obra literaria que ha influido en tres generaciones de todo el mundo, a través de la creación de un imaginario sentimental en el que la poesía y la música se funden en un valor inalterable”, según el acta del jurado. El 21 de octubre de ese año en el Teatro Campoamor de Oviedo, pronunció un ya célebre discurso de agradecimiento. Este es uno de sus (varios) ricos párrafos, una clave de su pensamiento sobre la creación poética, literaria y musical: 

“Cuando estaba haciendo el equipaje en Los Ángeles, tenía cierta sensación de inquietud porque siempre he sentido cierta ambigüedad sobre un premio a la poesía. La poesía viene de un lugar que nadie controla, que nadie conquista. Así que me siento como un charlatán al aceptar un premio por una actividad que yo no controlo. Es decir, si supiera de dónde vienen las buenas canciones, me iría allí más a menudo”. 

 

 

 

 

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Leonardo Favio, el artista que encarnó la pasión peronista

A 9 años de su fallecimiento, el icónico cantautor y realizador dejó un legado de grandes discos y películas que reflejaron la argentinidad durante el siglo XX.

Leonardo Favio es considerado uno de los directores y cantautores más importantes de la Historia nacional. El artista dejó un legado de 16 discos y 13 películas antes de fallecer de polineuritis (consecuencia de su afección crónica de Hepatitis C) el 5 de noviembre de 2012.

Favio determinó su propio camino ya cuando era pequeño, desde del momento en que su madre, escritora de radioteatros, le conseguía pequeños papeles en el ámbito. Favio reconoció múltiples veces que había comenzado a escribir sus primeros libretos, pero como su primer talento había sido la música, inició su camino en el espectáculo con guitarra en mano. 

"No hay una estética que esté por fuera de la acción de los artistas. Un imaginario no es algo que está ahí vacante y entonces el artista va y se toma de eso. Es el artista quien genera un imaginario", expresó sobre su labor de artista.

La música de la mano de Favio

Su primer debut como cantante lo llevó directo a “La Botica del Ángel”, el espacio artístico porteño creado por el artista Eduardo Bergara Leumann. Ese día, un ejecutivo de la discográfica CBS le propuso grabar un disco que lo alentó a producir Fuiste mía un verano y O quizás simplemente le regale una rosa, dos canciones icónicas de la época. Gracias a su fama expandida, participó en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar (Chile), donde su música sentó las bases del estilo de baladas románticas de la época y alcanzaron éxito internacional.

Entre sus canciones más populares se encuentran Ella ya me olvidó, Fuiste mía un verano, Para saber cómo es la soledad de Luis Alberto Spinetta y Chiquilladas de José Carabajal. Sus canciones alcanzaron tal éxito que fueron traducidas a más de 14 idiomas.

Su lado cinematográfico

Si bien su nombre ya era reconocido por sus canciones, Favio quería expandirse al mundo del cine. Su primera producción fue el cortometraje El Amigo en 1960 y cinco años después lanzó su largometraje Crónica de un niño solo, el cual fue aclamado por la crítica. En el período siguiente realizó películas como Este es el romance del Aniceto y la Francisca (...), El dependiente y Juan Moreira entre otros.

En el 2000, el Museo Nacional de Cine Argentino realizó una encuesta exclusiva para críticos e historiadores de cine y allí Crónica de un niño solo fue elegido como el mejor film de la Historia nacional. 

La militancia a través del arte

Favio tenía un gran lazo con el peronismo, el cual elogiaba no solo como pensamiento político sino como un fenómeno cultural; incluso fue el encargado de organizar el acto de bienvenida de Perón en 1973 después de 18 años de exilio. 

Tras volver a Argentina luego de exiliarse por la dictadura cívico-militar de 1976, reinició su carrera como realizador cinematográfico y realizó un documental de seis horas llamado Perón, sinfonía del sentimiento donde relata la situación del país entre la Primera Guerra Mundial y la muerte de Juan Domingo Perón.

"Creía tener un conocimiento profundo del peronismo. Pero me di cuenta de que era ingenuo pensar que en esta historia sólo se involucra a nuestro país. En realidad, se involucra a toda la América y el mundo, porque es una filosofía que emerge por amor a la gente", comentó al concluir su documental.

 

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Armando Tejada Gómez, el poeta renovador

A 29 años de la muerte del autor de "Canción con todos" y fundador del Movimiento Nuevo Canciones, que renovó el folklore argentino en los 60.

Armando Tejada Gómez fue uno de los poetas más relevantes del folklore argentino en el siglo XX y autor de "Canción con todos", verdadero himno latinoamericano compuesto junto a César Isella. A principios de los años 60 fundó el Movimiento del Nuevo Cancionero junto a Oscar Matus y Mercedes Sosa, y sus letras de profundo compromiso social lo convirtieron en un referente de la música popular de América latina. Murió el 3 de noviembre de 1992.

Tejada Gómez nació el 21 de abril de 1929, en el seno de una familia de bajos recursos, descendiente de los indios huarpes de la región cuyana. Sus padres eran trabajadores rurales humildes que tuvieron 23 hijos, siendo Armando el anteúltimo. Cuando tenía cuatro años murió su padre y la escasez de recursos provocó que la madre tuviera que dar a sus hijos a otras familias para que no murieran de hambre.

Quedó a cargo de una tía, Fidela Pavón, quien fue su mentora y le enseñó a leer y recitar poemas. Debido a su condición de extrema pobreza, tuvo que salir a trabajar desde los 6 años de canillita y lustrabotas por las calles de Mendoza. El contacto con una dura realidad lo volvió sensible a las injusticias sociales. A los 15 años leyó el Martín Fierro y comenzó a trabajar de obrero, interesándose activamente por las luchas de la clase trabajadora. 

Comenzó a escribir y recitar poemas en actos y jornadas de protesta sindicales.  Esta vocación se consolidó en 1950, cuando ingresó a trabajar como locutor en Radio LV10 de Cuyo. Allí conoció a Oscar Matus, con quien formó una sociedad musical  muy productiva. Canciones como "Los hombres del río", "Tropero padre" y "Coplera del viento" entre otras, lo convirtieron en uno de los grandes compositores del género. 

El Movimiento del Nuevo Cancionero

La sociedad musical que Tejada Gómez llevó adelante con Oscar Matus fue creciendo hasta el punto de agrupar a varios nuevos artistas de fines de los ´50, que denunciaban los atropellos del capitalismo y reivindicaban las luchas sociales. En ese marco, y junto a una joven cantante llamada Mercedes Sosa -pareja de Matus- fundaron las bases del denominado "Nuevo Cancionero Nacional". En su manifiesto fundacional hablaba de "la integración de la música popular en la diversidad de las expresiones regionales del país", junto con "la participación de la música típica popular y popular nativa en las demás artes populares". El desarrollo de estas convicciones artísticas y sociales lo convirtieron en un referente indiscutido de la canción popular latinoamericana. En 1969 compuso junto con César Isella, "Canción con todos", uno de los clásicos del repertorio regional, magníficamente interpretado por Mercedes Sosa. 

Un poeta social

Poeta de la problemática social,Tejada alcanzó el segundo lugar en el V Concurso Literario Municipal de Mendoza por la publicación de su primer libro "Pachamama: poemas de la tierra y el origen" (1954). Este libro comenzó a darle una fama cada vez mayor y en 1955 resultó ganador de otro concurso en su ciudad natal que le otorgó la posibilidad de publicar "Tonadas en la piel", su segundo poemario que fue prologado por el reconocido folclorista Jaime Dávalos. El poema "Hay un niño en la calle", de su tercer libro publicado "Antología de Juan" (1958) representó una de las denuncias sociales más impactantes de la época con versos que aún hoy se recuerdan: 

A esta hora exactamente hay un niño en la calle.
(...)
y saber que a esta hora mi madre está esperando,
quiero decir, la madre del niño innumerable
que sale y nos pregunta con su rostro de madre:
qué han hecho de la vida,
dónde pondré la sangre,
qué haré con mi semilla si hay un niño en la calle.

 

 

 

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"Escribir canciones se terminó convirtiendo en mi oficio"

El compositor, cantante y líder de Estelares fue el invitado principal de IP Cultural para hablar de los 25 años de la banda platense.

Un cuarto de siglo es lo que cumplen Estelares, la banda de pop rock que se formó en 1994 resignificó la melancolía armónica de la década. Manuel Moretti, compositor y líder de la banda, confiesa que nunca se imaginó a un conjunto que perdurase por tanto tiempo: "Y de pronto, van casi nueve discos, el primer disco editado en 1996", dijo.

Estelares se convirtió en un clásico nacional a paso lento y seguro, de forma que la influencia de las distintas explosiones culturales del cambio de milenio aseguró a que conservaran un registro que llega a todas las generaciones. Este esquema particular es una réplica de la propia vida de Moretti, quien admite que comenzó tarde en la composición de canciones, pero que su formación en Bellas Artes y su gusto literario lo ayudó a ir moldeando un código intergeneracional.

"La primera canción que escribí, fue en el año '86, me acuerdo patente. "Ardimos", es la canción que cierra "Sistema Nervioso Central" y la terminamos grabando en el 2006. Así que de a poco empezó....bueno, yo estuve cuatro meses en la Facultad Bellas Artes en La Plata, dos años de la escuela de teatro... pero yo ya había empezado a escribir canciones. Terminó convirtiéndose afortunadamente en mi oficio y en algo que quiero y defiendo mucho", contó Moretti.

El trabajo en pandemia no le molestó demasiado porque confesó que siente que siempre estuvo "en fase 1" y que su manera de enfrentarse a la pandemia fue justamente a través del trabajo. De su labor pandémica, "Estelares" ya seleccionó diez de esos temas que ya tienen dos consolidadas en grabación. 

"A mí me gusta la relación que tengo en la melodía, que es otra cosa. Me gusta la relación que tengo con la palabra. A veces en las canciones uno usa palabras que tiene que ver con la melodía. Es decir, que a veces no estás haciendo un ejercicio de literatura, una canción. Pero me gusta la relación que tengo con la palabra y a veces en las canciones uno puede colar algún que otro verso entre comillas, como más poético", describió el cantante.

Podés ver IP Cultural, conducido por Valeria Delgado, todos los sábados a las 16 por la pantalla de IP

 

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Imágenes Paganas, una conexión con el universo de Federico Moura

El director del documental sobre la vida y obra del cantante de Virus estuvo invitado en IP Cultural para homenajear al músico platense.

El 23 de octubre de 1957 nacía, en La Plata, Federico Moura. El músico, cantautor, compositor, productor discográfico y diseñador de ropa argentino es al día de hoy uno de los músicos más influyentes y reconocidos del rock latinoamericano. Fue también el líder de Virus, uno de los grupos más emblemáticos de los años '80.

Su muerte temprana irrumpió en medio de su éxito y dejó a muchísimos fanáticos sumidos en el desconcierto. Este es uno de los temas que intenta abordar Imágenes Paganas, un documental estrenado en 1993, que reconstruye la figura del gran Federico Moura a través de los testimonios de su madre, sus hermanos e integrantes de Virus.

Sergio Costantino, el director del documental, pasó por IP Cultural el día del cumpleaños de Moura para hablar con Valeria Delgado de cómo fue realizar esta pieza. 

"Trabajar sobre la figura de Federico fue algo súper complejo porque nos dedicamos exclusivamente a su obra Federico. Al contrario de Charly (García), fue una persona muy reservada con su vida privada" contó Constantino y agregó: "nos abocamos a la obra de Fede y eso a mí me puso un escalón artístico difícil, porque cuando hacés un documental muchas veces te ayuda el archivo y en este caso no había archivos de él, simplemente sus actuaciones".

En palabras de Cucho Constantini, Moura "era como una figura angelical, fantasmagórica, no se mostraba y era realmente hermoso".

El documental, Imágenes Paganas, está disponible en la plataforma Cine.Ar y puede verse de forma gratuita. 

 

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Condenaron a Lautaro Teruel: 4 claves para entender el juicio

Lautaro Teruel, hijo de uno de Los Nocheros, fue condenado a 12 años de prisión efectiva por abusar sexualmente de una niña de 13 años.

La Justicia de Salta condenó a Lautaro Teruel a 12 años de prisión efectiva en el juicio en su contra por el delito de abuso sexual con acceso carnal agravado por el grave daño en la salud de la víctima, una menor de 13 años. El fiscal había pedido una pena de 17 años de prisión efectiva para el hijo de Mario Teruel, integrante de Los Nocheros. 

Así lo definieron los integrantes de la Sala III del Tribunal de Juicio, que leyeron la sentencia pasadas las 12 del mediodía, y decidieron revocar la detención domiciliaria y ordenó el inmediato traslado al centro de detención penitenciaria.

Teruel también llegó a juicio, acusado de abuso sexual con acceso carnal agravado por ser cometido por dos o más personas, en perjuicio de otra víctima. El Tribunal resolvió absolver por el beneficio de la duda a Silvio Ezequiel Rodríguez y Gonzalo Isaac Farfán, que llegaron acusados de abuso sexual con acceso carnal agravado por ser cometido por dos o más personas en coautoría

Antes de la sentencia, Teruel volvió a pedir perdón: "Voy a seguir trabajando para reparar lo que haya que reparar", había dicho. "Simplemente quiero pedirle disculpas a todos los involucrados, a Jazmín y a su familia", dijo. 

1. Las causas contra Lautaro Teruel

A Teruel se lo juzgó por dos causas. En el primer expediente estaba imputado por "abuso sexual con acceso carnal continuado, agravado por el daño en la salud de la víctima, en concurso ideal con corrupción de menores doblemente agravada por tratarse de una menor de 13 años y por mediar engaño".

En la segunda causa, que se acumuló con la primera, una joven denunció a Teruel y a dos amigos suyos por un abuso sexual cometido entre los tres a principios de 2014. En este caso estaba acusado junto a Silvio Ezequiel Rodríguez y Gonzalo Isaac Farfán, por el delito de "abuso sexual con acceso carnal agravado por ser cometido por dos o más personas".

2. Las penas que pidió la fiscalía

El fiscal que intervino en la causa, Sergio Obeid, pidió 17 años de prisión para Teruel por las dos causas acumuladas, mientras que para Rodríguez y Farfán solicitó 8 años de prisión. En el caso de la primera causa, la defensora de género que representa a la víctima, pidió 15 años de prisión efectiva para Teruel. Señaló la importancia del testimonio de la víctima, las secuelas que persisten en su salud y dijo que, por tratarse de hechos de violencia de género, esto obliga a apartarse del mínimo legal en el pedido de condena. "Nos encontramos ante una violación de derechos humanos", manifestó durante sus alegatos.

3. Qué declaró Lautaro Teruel

"Reconocí los hechos desde el primer instante ante la fiscalía. Es lo que sale en los audios y lo que le reconocí a mis viejos y a la psicóloga, con todo el dolor del mundo. Estoy arrepentido por lo que fui en ese momento. Sé quien soy ahora y quien no quiero ser el día de mañana. Mi intención siempre fue remediar algo que hice y estuvo mal... me pesa en la conciencia", dijo Teruel sobre el primer caso.

Respecto al segundo hecho manifestó que "fue consentido", aunque al mismo tiempo le pidió perdón a la denunciante. En este caso la joven declaró durante el juicio que conocía a los tres imputados y que una noche de 2014, luego de una fiesta, fueron a la casa del hijo del músico. Relató que ella se fue con Rodríguez a una habitación para tener relaciones y que de pronto entró Teruel, la accedió carnalmente y Rodríguez se retiró "sin decir nada". Luego ingresó, "desnudo", Farfán y que entonces ella logró que se detuvieran. La joven describió que le costó reaccionar, que tuvo secuelas y que demoró mucho tiempo en lograr contar lo que había ocurrido.

4. La posición de la defensa de Teruel

Juan Casabella Dávalos, abogado de Lautaro Teruel, pidió la nulidad de lo actuado en la primera causa. Planteó que, al momento de los hechos su defendido tenía menos de 18 años y que, por lo tanto, debería haber intervenido un juzgado de Menores. No precisó la edad y solo sostuvo que tenía "16 o 17 años". Respecto a la denuncia que tuvo a Teruel como acusado junto a dos de sus amigos, requirió la absolución. Consideró que "no hubo dolo ni intención abusiva". Los defensores de los dos coimputados, Marcos Gorriti y Elina Linares, por Farfán, y Pablo del Pino, por Rodríguez, solicitaron también la absolución lisa y llana, y, en el caso de Farfán, subsidiariamente, la absolución "por el beneficio de la duda".

 

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Clara Cantore y un proyecto que conecta música y ciencia

La artista charló con Gabriela Zagordo en Ciencia IP sobre el proyecto musical para visibilizar el trabajo de los científicos en la pandemia.

Clara Cantore es cantautora y bajista, y durante la pandemia llevó adelante un proyecto para conectar el universo musical con el científico, Música por la ciencia. Amiga de la eminencia Andrea Gamarnik, cuando llegó el momento del aislamiento en 2020, pensó en enviarle música para acompañarla de forma remota en su laboratorio. “Le mandaba música por el celu”, contó en diálogo con Gabriela Zagordo en Ciencia IP. “Después de un par de canciones, dije qué pasa si llamamos a figuras visibles y usamos la visibilidad de las figuras para hacer visible el laburo de los científicos”, manifestó.

“Lo hacía desde Unquillo, desde el campo”, contó la artista que colaboraba con otros colegas que se filmaban desde sus casas. “La idea tiene que ver con generar un espacio de diálogo”, comentó después y añadió que muchas veces la ciencia “está en un lugar medio solemne” y que finalmente encontraron “un montón de espacios en común” entre dos mundos que parecen aislados entre sí.

Ciencia IP se emite por la pantalla de IP los domingos de 18 a 19, con la conducción de Gabriela Zagordo.

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Santiago Motorizado, la mente musical detrás de Okupas

Santiago C. Motorizado usó todo su talento como compositor para encontrar la clave músical de "Okupas", la serie argentina que adquirió Netflix. ¿Cómo fue su camino para reconstruir la escena musical de hace casi 20 años?

Él Mató a un Policía Motorizado es una banda que define la postura ideológica de los primeros millenials dentro de la cultura pop. A pesar de la pandemia, Santiago C. Motorizado (cantante líder del conjunto de rock indie) tuvo una misión que resignificó no solo la icónica serie noventosa "Okupas", sino que lo retó a experimentar con métodos que la cuarentena habían dejado en pausa.

El reestreno de Okupas significó la fusión del universo de Netflix con la no tan aceitada prerrogativa de la utilización de música que utilizó la producción nacional; sin dudas, hace dos décadas aún no existía la realidad de los derechos de autor a las plataformas de streaming. Esto impulsó a Bruno Stagnaro, director de la serie, a pedirle a Motorizado un poco de su talento para desglosar toda la ficción en una nueva banda sonora. 

"Bruno, el elenco, yo también, nos sorprendimos mucho con la respuesta que tuvo Okupas 20 años después. Obviamente es un clásico de la televisión argentina, esperaban que los viejos fans que le reclamaban todos los años estén atentos pero fue un poco más allá", contó el músico.

 

El reto del artista fue casi antropología musical: exploró  todos los géneros que musicalizaban a la era y logró hallar la clave del código que convirtie en verosímil la aparición incidental de sus canciones . "Arranqué por el rock, porque era mi terreno y para lo último dejé otras canciones. Recorrí géneros extraños para mi y mi experiencia, como la cumbia, el folklore, la salsa y el tango", describió.

"Obviamente es música popular (la cumbia) que está directa o indirectamente es parte de nuestra vida y está presente. Pero a la hora de componer tuve que hacer un poco más de investigación, sumergirme más en el género, entender bien esas marcas de estilo que lo definen", comentó Motorizado.

El trabajo de musicalizar Okupas se convirtió pronto en un proceso en tándem donde el entusiasmo de Stagnaro ayudó al artista a sentirse incentivado con continuar su exploración y correrse de la zona de comfort. Por suerte, toda aquella energía creativa no quedó encallada luego de terminado el pedido.

Motorizado comenzó a grabar un disco que viene en producción desde el 2016 y logró resignificarlo. "Pero pasó algo que suele pasar cuando uno deja un proyecto a mitad de camino mucho tiempo; no te gusta, no encaja con lo que era aquella grabación", relató el músico y apuntó que volvió a regrabar su disco para volver a encontrar el meollo detrás de aquellas armonías. Entre estos nuevos sonidos, la banda sonora de Okupas y la experiencia de reconstruir el paradigma de géneros que ilustró una generación, Santiago C. Motorizado está más que listo para mostrar a gusto su obra en el Coliseo.

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