Ariel Winograd presenta una otra mirada a la paternidad con "Hoy se arregla el mundo"

IP Cultural entrevistó al director de una de las comedias más esperadas del verano, que no tiene miedo de partir de una base dramática para convertirse en una simpática historia de las relaciones entre un padre y su hijo.

La nueva película de Ariel Winograd ya está en los cines nacionales con el ánimo de convertirse en un clásico de la comedia argentina. La historia, protagonizada por Leonardo Sbaraglia y el joven actor Benjamin Otero, cuenta la reconstrucción de una relación rota entre un pequeño y su padre pero en clave de "buddy movie". En "Hoy se arregla el mundo", el director quería recuperar el humor del cine prepandemia y alivianar la atmósfera para todos sus espectadores.

"Es una comedia familiar que tiene para mi algo muy particular. Siento que es una película con mucha comedia, pero a su vez mucha emoción y también contada desde un punto de vista de un chico", contó Winograd en entrevista con IP Cultural.

El disparador se genera a partir de un drama donde el rol de la madre hiperpresente se lo corre a un lado y da el puntapié para pensar en el rol de la paternidad moderna. Para el director, este interrogante es clave para las nuevas generaciones de padres que rompen con los estereotipos y buscan una nueva impronta en su rol parental. Gracias a este principio que podría excederse en seriedad, Winograd intenta responder con simpatía el momento de incertidumbre donde las personas meditan qué significa convertirse en una figura paterna.

"Ya no hay más una línea clásica, inclusive en nuestra vida y en las historias. Eso es lo importante que hay que tener cuando uno se pregunta 'en qué momento soy papá'. Hay que tener en cuenta que las nuevas no son las narrativas, sino que me parece que todos estamos avanzando culturalmente. Socialmente, se permite contar estas historias de una manera tan natural y también me parece que también es está bueno como sacarle el peso a las cosas", reflexionó Winograd.

Si bien confiesa que sabe los hábitos de consumo de los cinéfilos cambiaron por la pandemia, confía que "Hoy se arregla el mundo" es un título que puede ayudar a alivianar el calor del verano y lograr un lugar junto a su otro éxito "El robo del siglo".

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Daniel Grinbank adelantó "Imagine Van Gogh"

Daniel Grinbank, dialogó en IP Cultural sobre "Imagine Van Gogh", la primera muestra de arte inmersivo que llegará a nuestro país en febrero. 

El empresario y productor de espectáculos, Daniel Grinbank, dialogó en IP Cultural sobre "Imagine Van Gogh", la primera muestra de arte inmersivo que llegará a nuestro país en febrero. "La muestra recopila 200 obras de Van Gogh que están diseminadas en varios museos del mundo. Se extrajeron miles de imágenes para generar un efecto de inmersión que es impresionante. A veces estás adentro de una obra, otras frente a ellas y todo esto te genera distintos planos y experiencias que asombran a todos", detalló Grinbank, que es el responsable de traer la muestra a la Argentina. La experiencia podrá disfrutarse a partir del 16 de febrero en La Rural, aunque las entradas están en su mayoría agotadas por la altísima demanda de público. 

¿Qué es "Imagine Van Gogh"?

"Imagine Van Gogh", es una muestra itinerante inmersiva en honor a Vincent Van Gogh, uno de los artistas más grandes de la pintura del SXX. Con más de un millón de entradas vendidas en todo el mundo, cuenta con tecnología de "imagen total" que permite "entrar" en las obras proyectadas en múltiples planos. Creada en 1977 por el fotógrafo francés Albert Plécy, la muestra continúa sorprendiendo por su desarrollo visual actualizado por la curadora actual, Annabelle Mauger. "Pusimos un paquete famliar para que asistan chicos pero la demanda es gigante. Me parece interesantísmo que todos tengan un acercamiento al arte de este genial artista y ya llevamos vendidas 60 mil entradas. Esto superó el mejor de los escenarios previstos", explicó Grinbank que definió a la obra como "un cóctel entre la obra del Van Gogh y la tecnología incorporada". 

Una muestra muy esperada

La exhibición sumerge al público en "una experiencia inmersiva jamás creada", según detalla su página web. Las obras del artista son proyectadas en paredes y suelos de habitaciones, generando una sensación de "habitar" cada una de ellas. "Es una tecnología que permite al espectador tener distanciamiento social. Acortamos de 500 a 150 personas por función, para resguardar los cuidados contra el coronavirus. Esto también va a generar una oportunidad única de estar con menos gente, para poder apreciar aún más las obras y vivir una experiencia singular", indicó Grinbank. Los 200 cuadros proyectados en la exposición, son parte de distintas colecciones de museos como el Orsay de París, el Van Gogh de Ámsterdam, y el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. 

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Litto Nebbia y su cronología antológica: "Escribo sobre cosas humanas"

IP Cultural cierra el año con Litto Nebbia, el prolífico cantaautor de música popular nacional que no se quedó quieto ni por un momento en pandemia. ¿Con qué terminó Litto su 2021?

Para el músico y compositor Litto Nebbia es impensable haber transitado la pandemia con la mente ociosa. Para cerrar este período, el ícono de la música popular le contó a IP Cultural que terminó por lanzar cuatro álbumes y además una cronología sonora en formato de libro.

Nebbia admite que a la música es clave para su vida y cualquier hecho cultural que lo conmueve termina por aparecer en formato de canción. El principio de estos cuatro álbumes comenzó gracias a su fascinación con el cine francés de los '60, un período que lo obsesionó: "Lo que hice fue dedicarle mi música, mi canción, mi leitmotiv a cada una de ellas (películas), hasta que llegué a escribir 16 clases de música", contó.

Con ese ánimo, encaró la propuesta de la Universidad de Córdoba para crear una antología marca Nebbia. Entre sus 1300 canciones, el compositor seleccionó 258 con el ánimo de ilustrar su crecimiento musical y sumó letras que escribió en su adolescencia hasta las más recientes. De esta manera y en orden cronológico, los lectores pueden pasearse por su evolución como leyenda de la música. Como no podía ser de otro modo, esta antología también está acompañada de un álbum instrumental que ayuda al lector a revivir el momento de producción de estas letras y acompañar la literatura con una banda sonora especial.

"Yo no quise empezar a elegir letras y decir, bueno, como a veces es habitual con la música, seleccionar mis mejores canciones. Es decir, no hay mejor: lo que intenté y pude, fue confeccionar una lista cronológica para que se vaya viendo los cambios que hay en el lenguaje, en la búsqueda de temáticas y la necesidad", lo describió Nebbia.

"Yo escribo sobre las cosas humanas, y lo que escribo en algún momento de la vida le sucede a todo el mundo. Quizá debido a eso la gente se identifica mucho con las letras, porque la música, la canción popular, tiene esa posibilidad de que en dos minutos y medio que dura una canción, a vos sin querer te conoce un montón de gente como si te hubiera conocido antes. Eso es una magia que tiene la música popular ", contó el músico.

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Andrea Echeverri: "He vivido construyendo una propuesta feminista, sensible y combativa"

Uno de los caminos de la música neofeminista latinoamericana la marcó Aterciopelados, la legendaria banda colombiana que acompaño a Soda Stereo durante su gira por Estados Unidos. IP Cultural invitó a Andrea Echeverri, vocalista y líder de la banda, para revivir los momentos clave de su carrera.

Pasaron casi 30 años que Andrea Echeverri empezó su carrera con Aterciopelados, la banda colombiana que marcó al rock alternativo latinoamericano y acompañó a Soda Stereo durante sus giras en Estados Unidos. En el camino, Echeverri se encontró con la música de manera más performativa y encarnó un camino único que le permite reflexionar acerca de su identidad con temas como militancia feminista y la exploración de la maternidad.

Con temas como “Mujer Gala”, “Florecita Rockera” y “Cosita seria”, Echeverri definió una actitud neofeminista en los '90, una época donde las disqueras habían comenzado a habilitar la locura de las ídolos pop comerciales. “Era muy chistoso porque íbamos en giras donde eran 90 personas y dos mujeres; y la mayoría eran bandas de 15 testosterónicos. Era duro, bien duro”, contó la cantante.

He vivido como construyendo una propuesta feminista, sensible, combativa. Me parece que hemos hecho la tarea bien”, opinó Echeverri sobre la perspectiva que tomó en su carrera.

Ir de gira con Soda Stereo definió la mentalidad de todo la banda, que ya se había acostumbrado al circuito itinerante del punk rock. Apadrinados por Gustavo Cerati, Aterciopelados encontró otro espacio donde explotar, como el famoso MTV Unplugged que compartieron a través la canción “La Ciudad de la furia”.

Soda fue el primer concierto al que fui en la vida. Entonces después porque éramos de la misma disquera, resulta que estábamos girando con soda. O sea, es como con tu, con tu fantasía, con tu héroe, con la persona que más has escuchado en tu vida “

Andrea Echeverri y Aterciopelados se suman a la lista de invitados del “Gracias Totales”, la gira que cuenta con Charly Alberty y Zeta Bosio (los integrantes de Soda Stereo) y que tiene como misión honrar la visión artística de Gustavo Cerati.

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Eugenio Cuttica, el artista del simbolismo energético

El artista habló sobre el método que lo guió para emprender el movimiento simbolista nacional.

La energía de lo espiritual atraviesa toda la obra de Eugenio Cuttica, uno de los artistas íconos del movimiento simbolista nacional. Mientras dedica su tiempo a proponer muestras que buscan reconstruir una idea de lo etéreo, señala que el país recién pudo comprender su obra en las últimas décadas. "Ahora hay como un amor correspondido; yo amo a la Argentina y ahora sí, siento ese amor que me viene hacia atrás", describió en IP Cultural.

Cuttica reside en East Hampton, Nueva York, donde tiene un taller abierto a residentes interesados en aprender su método artístico. Su perspectiva evolucionó sobre las ideas del budismo, gracias al cual admite que logró "desandar el camino" que había comenzado como artista plástico expresionista y pensarse como un vehículo de energía representada a través del arte.

"Yo lo que hago es tratar de hacer el amor con la gente a través del lenguaje, de la pintura. Mi trabajo no es intelectual, no es poner un punto acá, una raya y hacer un trabajo de corrección compositiva. Para mí el arte debe ser, debe conmover o si no, no es arte. Entonces todo esto tiene que ver con lo divino, con que todos nacemos, la conexión con lo divino y lo sagrado. La verdadera espiritualidad, entonces, no sale de mi taller ninguna obra que no esté en el punto de emanación energética", describió Cuttica.

El artista tomó como misión personal formar a sus residentes a partir de la cultura basada en la creencia de la energía de los chakras, donde se plantea que el individuo cumple, a partir de las fibras que logra activar, el rol de "sacerdote, mercader y guerrero". Esta creencia personal lo habilitó a poder plantear al movimiento simbolista dentro del siglo XXI y de la industria cultural del arte como mercancía. "Hago ciertos intercambios de horas de trabajo de ellos por coaching que yo les doy (a sus residentes), donde les enseño a ser el sacerdote, mercader y guerrero; casi todos los artistas son sacerdotes en gran medida, en mediana medida son guerreros, pero ninguno sabe cómo ser el mercader. Entonces yo les enseño el arte de vender arte y el arte de saberse vender", contó.

Cuttica reconoce que su obra despegó cuando dejó de pensar en términos de arte catártico sino representativo de algo "más allá". Una de sus últimas muestras convocó a más de 120 mil personas, por lo que logró convertirse en la obra más convocante del Museo de Bellas Artes para un artista vivo.

"Todos los niños han sido artistas, todos hemos sido niños. O sea que todos hemos sido artistas hasta que en un punto dejamos de serlo por fuerza de las obligaciones cotidianas. Le soltamos la mano a ese niño. Un artista adulto es un niño que ha sobrevivido, que se peleó con todos y finalmente logró sobrevivir", describió el artista.

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"El lago de los cisnes" bajo la lupa de la cuestión de género

Jorge Amarante, director y bailarín de ballet, cree en que es momento de sacarle el polvo a "El lago de los cisnes".

El Director de Ballet Jorge Amarante propone que es tiempo de sacarle el polvo a "El Lago de los Cisnes", una de las obras más conocidas de la disciplina. "El público quiere también cosas nuevas", dijo en IP Cultural y contó cómo reversionó este clásico en una fusión con danza contemporánea que desmitifica el romanticismo y pone sobre relieve los conflictos de género.

La historia de "El lago de los Cisnes" supone una tragedia romántica, donde el personaje del Príncipe Sigfrido se enamora perdidamente de Odette, una joven que sufre de una maldición que la convierte en cisne todas las mañanas. Cuando le llega la hora de elegir una esposa, el protagonista se niega a seleccionar a otra que no sea su enamorada, lo cual es aprovechado por el villano Rothbarth quien captura a Odette e intenta ofrecer convertir a su hija para engañar al joven príncipe. Es sobre este eje de la trama que Amarante invitó a la reflexión: "Dentro de mi visión doy la razón del porqué de estas capturas dentro de un ambiente contemporáneo. En nuestra versión, en realidad es el ámbito de Rothbarth (donde se ofrecen candidatas al "príncipe"), que es un personaje muy oscuro. Todos están con máscaras y todos están siendo justamente cómplices de robar", explicó el director.

Esta perspectiva invita a reflexionar sobre la identidad y la propiedad de los cuerpos, además de desmitificar lo que un cuento de hadas muestra como un escenario común dentro de una dinámica de la fantasía: las jóvenes que le son ofrecidas al príncipe no son solo personas que se presentan por su voluntad, sino que son seleccionadas dentro de un circuito de trata. Así, Amarante cuestiona, en forma de ballet, la normalización de las narrativas clásicas en tanto los roles de género.

"Seguir con lo clásico no es correrlo. Es buscarle otra mirada y esos pequeños por qués", concluyó.

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Roberto Musso cuenta sobre el retorno de "El Cuarteto de Nos"

"El Cuarteto de Nos" vuelve después de la pausa pandémica y apunta a llenar el Luna Park con el estreno de su nuevo disco "Jueves".

Alternativos, entrópicos y hasta psicodélicos: "El Cuarteto de Nos" es una de las bandas uruguayas que explotó en Argentina y enamoró a toda Latinoamérica. Ellos se definen como "una banda de rock rara", una característica que de alguna manera inspira a Roberto Musso (cantante, guitarrista y compositor de la banda) y habilita que su inspiración no tenga límites. Como hito de la amenización de la pandemia, los músicos celebran su retorno al país con un show en el Luna Park con aforo completo y su nuevo disco "Jueves" .

Musso reconoció que el período de restricciones sanitarias lo dejó en una especie de pausa forzada y reconoció que este retorno también tiene algo extraño: "Fue una cuestión que estaba fuera de los planes y volver hace que se vivan momentos super emotivos", describió. Además, no solo la falta de show hizo efecto: el encierro obligó al artista a buscar una nueva perspectiva dentro del minimalismo y el recuerdo, y gracias a eso, nació la idea de "Fiesta en lo del Dr. Hermes", un videoclip inspirado en la mitología griega.

"Por más que siempre me tiró más la ingeniería y la matemática (de más chico y de grande también), el tema de la mitología griega es algo que me atrapó siempre. Toda esa parte de mezcla de ficción con pseudo realidad. En este caso, justamente se trata de una supuesta fiesta en el cual se tejen los entretelones del poder, donde el anfitrión es un tal Dr.Hermes, quién era el mensajero de los dioses y además era el dios de los mercaderes medio ladrones, medio tramposos. Entonces andaba en cuestiones medio turbias, por eso me gustó ponerle eso al nombre identificativo del anfitrión", contó Musso.

A pesar de que reniega que los temas tengan un relato que describan "los buenos y los malos de la película", sí admite que el video intentó "poner foco en cuestiones que estaban latentes y pendientes". De esta manera, Musso rescató lo que describe como "conspiranoia" que se despertó durante el período pandémico y lo utilizó como inspiración para pensar en cómo plantar el interrogante de qué le espera a la humanidad ahora.

"Se pone sobre la mesa ese tema, los que están invitados a la fiesta y los que están viviendo la fiesta y viéndola desde afuera, que aparecen ahí como uan gente que está asomándose por la ventana", describió.

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La película "El perro que no calla" contiene un presagio

Entre el estreno nacional de "Las Siamesas", la serie web "Parte de una religión" y la filmación de la película "El perro que no calla", Valeria Lois admite estar fascinada con este nuevo trabajo de la directora Ana Katz.

La actriz Valeria Lois no pidió descanso ni en pandemia: luego de estelarizar Las Siamesas (dirigida por Paula Hernández), película que recorrió los festivales de cine internacionales y ganó el Premio Sur, está filmando "El perro que no calla" que también forma parte de la selección del Festival de Mar del Plata y fue premiado como "Mejor Película" en el Festival de Cine de Colonia.

Este trabajo en particular es algo que ocupa su mente, ya que su narrativa aprovecha las herramientas del cine independiente y deja jugar con el arte. La película, filmada en blanco y negro, sigue la historia de Sebastián, un joven que se desempeña en varios trabajos temporales y ocupa sus espacios libres coqueteando con la idea del amor. Pero a medida que se desarrolla esta trama que parece cotidiana, el mundo también se comienza a desenvolver en lo que parece un inminente apocalipsis.

"Lo que llama la atención es que haya sido filmada antes de la pandemia, porque es apocalíptica. Cuando lo estábamos haciendo, yo le decía a Ana: 'esto es una locura que a vos se te haya ocurrido'. Nos reíamos mucho y acto seguido estábamos todos sumergidos en algo que no pudimos creer", cuenta la Valeria Lois.

Además de vaticinar un cambio de paradigma rotundo, "El perro que calla" también tuvo la fuerza de impresionar a los festivales internacionales. Fue celebrada en enero por el Festival Sudance y en febrero por Rotterdam, donde se llevó el premio a la mejor película de la Big Screen Competition.

La directora Ana Katz no necesitó de mucho para convencer a Lois de participar en este film experimental: la actriz estaba entusiasmada de participar de uno de los mundos que plantea Katz y de dejarse atravezar por el cine arte con una producción independiente. "Ella me llamó y yo por supuesto, prácticamente sin leer el guión, le dije que sí. Fue un sí rotundo", contó.

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El artista plástico que medita sobre el caos

Uno de los exponentes más grandes de la tendencia artística Neofiguración charla y expone sus reflexiones sobre la eterna discusión entre el desorden y la estructura. A sus 88 años, sigue pintando, dibujando y escribiendo: "Quiero apurar, porque yo no sé cuántos años más he de vivir, pero quiero terminar algunas cosas que son escritas, sobre mi tema de siempre: el caos", contó Noé.

El tema siempre fue encontrarse frente al caos: para Luis Felipe Noé esa dialéctica entre la estructura y la entropía es lo que lo impulsa a seguir pintando y escribiendo a sus 88 años. El artista plástico, exponente de la tendencia artística Neofiguración, presentó su casa como un muestrario de sus obras y cumplió con su muestra anual en la Galería Rubber.

"Estoy escribiendo. Quiero apurar, porque yo no sé cuántos años más he de vivir, pero quiero terminar algunas cosas que son escritas sobre mi tema de siempre: el caos. Quiero hacer un ensayo en serio", contó Noé. Si hay algo que lo ha impulsado en la vida es la comprensión del choque entre lo abstracto y lo estructurado: dos mundos que a simple vista parecen incompatibles, pero que el artista insiste en que son dos caras de una misma moneda.

"Uno tiene que tratar de estructurarse frente al caos; no es una cuestión de poner orden al caos porque es como querer tapar una olla grande con una tapa de cacerola más chica. Se hunde. Tenemos que tratar de percibir una parte del caos como uno puede y estructurarse a si mismo en función de eso", reflexionó.

El caos como estructura de sí mismo. Eso es lo que plasma Luis Felipe Noé en sus pinturas y sus escritos. Se piensa en relación con el arte y la expresión entre el dibujo, la pintura y la tensión de los elementos que la componen a ambas. "Como antes me interesaba superar la diferencia entre abstracción y figuración, ahora me interesa la diferencia entre dibujo y pintura", describió. Mientras medita, el artista reconoce que el incesante debate del neofigurativismo contra el estilo abstracto terminó por ser una "discusión absurda" que simplemente se diferencia por cuestiones semánticas.

"En realidad nosotros hablamos todo en abstracto. Yo creo que si hay que hacer una diferencia entre los seres humanos y los animales es que somos capaces de vivir en dos realidades simultáneas (...) Nosotros le damos nombres a las cosas, tenemos una suprarealidad. Lo que nosotros pensamos como realidad es una ficción. Yo pienso que si hay tantos puntos de vista distintos y hay discusiones, es porque no coincidimos en las ficciones", concluyó Luis Felipe Noé.

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Hugo Lobo: de Dancing Mood a la Orquesta "Vamos Los Pibes"

El trompetista y líder la popular banda de ska contó en IP Cultural la puesta en marcha del proyecto social para chicos y chicas en el club Atlanta.

Hugo Lobo es el trompetista que se animó a experimentar con la música y de su laboratorio salió Dancing Mood, la banda nacional formada en el 2000 que interpreta desde rock, ska hasta calipso. "Después de Dancing Mood, un montón de bandas jóvenes empezaron a implementar los vientos. Ya no se te reían mucho cuando te preguntaban '¿qué instrumento tocás?' y vos le respondías 'la trompeta'", rió el artista.

La experiencia cumplió 22 años de una pasión que busca despertar curiosidad al público con su amplio repertorio de géneros. El espectro artístico que abarcan sus shows nunca aburre y logró ser aprovechado en pandemia gracias a transmisiones digitales que llegaron a impactar a lo largo de Latinoamérica y España.

Entre sus pasiones está la Orquesta "Vamos Los Pibes", una iniciativa que dirige en el Club Atlético Atlanta y propone desarrollar el lado musical de chicos y chicas que pueden aprender instrumentos como trompeta, trombón, guitarra, percusión, violín, violonchello, flauta traversa y bajo. Los maestros y maestras que colaboran con la iniciativa lo hacen voluntariamente desde hace ya 11 años, cuando se gestó la idea.

"La verdad es que es fue muy emocionante trabajar con chicos y chicas, creo que es el deber que uno tiene. Por lo menos es lo que yo siento de devolverle a la música lo que a uno le dio, que es la fortuna de poder vivir de lo que a uno le gusta. Compartirlo es mostrarle a los pibes y pibas, y a sus familias, que hay otra oportunidad y otro camino, el del arte y la música, y que se puede tomar de una manera no estrictamente académica", agregó Lobo.

Lobo admite que la pandemia fue un momento duro para el proyecto, donde el encierro propició carencias en todo sentido, no solo desde lo monetario, sino desde el trabajo afectivo y de contención que implica el proyecto donde el mediador es la música. De todas maneras, También recalcó que el trabajo de las ollas populares realizadas en el club, las "Ollas Bohemias", continuaron durante los sábados, donde las personas pueden acercarse a recibir comida hasta las 3 de la tarde.

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"Escribir canciones se terminó convirtiendo en mi oficio"

El compositor, cantante y líder de Estelares fue el invitado principal de IP Cultural para hablar de los 25 años de la banda platense.

Un cuarto de siglo es lo que cumplen Estelares, la banda de pop rock que se formó en 1994 resignificó la melancolía armónica de la década. Manuel Moretti, compositor y líder de la banda, confiesa que nunca se imaginó a un conjunto que perdurase por tanto tiempo: "Y de pronto, van casi nueve discos, el primer disco editado en 1996", dijo.

Estelares se convirtió en un clásico nacional a paso lento y seguro, de forma que la influencia de las distintas explosiones culturales del cambio de milenio aseguró a que conservaran un registro que llega a todas las generaciones. Este esquema particular es una réplica de la propia vida de Moretti, quien admite que comenzó tarde en la composición de canciones, pero que su formación en Bellas Artes y su gusto literario lo ayudó a ir moldeando un código intergeneracional.

"La primera canción que escribí, fue en el año '86, me acuerdo patente. "Ardimos", es la canción que cierra "Sistema Nervioso Central" y la terminamos grabando en el 2006. Así que de a poco empezó....bueno, yo estuve cuatro meses en la Facultad Bellas Artes en La Plata, dos años de la escuela de teatro... pero yo ya había empezado a escribir canciones. Terminó convirtiéndose afortunadamente en mi oficio y en algo que quiero y defiendo mucho", contó Moretti.

El trabajo en pandemia no le molestó demasiado porque confesó que siente que siempre estuvo "en fase 1" y que su manera de enfrentarse a la pandemia fue justamente a través del trabajo. De su labor pandémica, "Estelares" ya seleccionó diez de esos temas que ya tienen dos consolidadas en grabación. 

"A mí me gusta la relación que tengo en la melodía, que es otra cosa. Me gusta la relación que tengo con la palabra. A veces en las canciones uno usa palabras que tiene que ver con la melodía. Es decir, que a veces no estás haciendo un ejercicio de literatura, una canción. Pero me gusta la relación que tengo con la palabra y a veces en las canciones uno puede colar algún que otro verso entre comillas, como más poético", describió el cantante.

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Imágenes Paganas, una conexión con el universo de Federico Moura

El director del documental sobre la vida y obra del cantante de Virus estuvo invitado en IP Cultural para homenajear al músico platense.

El 23 de octubre de 1957 nacía, en La Plata, Federico Moura. El músico, cantautor, compositor, productor discográfico y diseñador de ropa argentino es al día de hoy uno de los músicos más influyentes y reconocidos del rock latinoamericano. Fue también el líder de Virus, uno de los grupos más emblemáticos de los años '80.

Su muerte temprana irrumpió en medio de su éxito y dejó a muchísimos fanáticos sumidos en el desconcierto. Este es uno de los temas que intenta abordar Imágenes Paganas, un documental estrenado en 1993, que reconstruye la figura del gran Federico Moura a través de los testimonios de su madre, sus hermanos e integrantes de Virus.

Sergio Costantino, el director del documental, pasó por IP Cultural el día del cumpleaños de Moura para hablar con Valeria Delgado de cómo fue realizar esta pieza. 

"Trabajar sobre la figura de Federico fue algo súper complejo porque nos dedicamos exclusivamente a su obra Federico. Al contrario de Charly (García), fue una persona muy reservada con su vida privada" contó Constantino y agregó: "nos abocamos a la obra de Fede y eso a mí me puso un escalón artístico difícil, porque cuando hacés un documental muchas veces te ayuda el archivo y en este caso no había archivos de él, simplemente sus actuaciones".

En palabras de Cucho Constantini, Moura "era como una figura angelical, fantasmagórica, no se mostraba y era realmente hermoso".

El documental, Imágenes Paganas, está disponible en la plataforma Cine.Ar y puede verse de forma gratuita. 

 

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Santiago Motorizado, la mente musical detrás de Okupas

Santiago C. Motorizado usó todo su talento como compositor para encontrar la clave músical de "Okupas", la serie argentina que adquirió Netflix. ¿Cómo fue su camino para reconstruir la escena musical de hace casi 20 años?

Él Mató a un Policía Motorizado es una banda que define la postura ideológica de los primeros millenials dentro de la cultura pop. A pesar de la pandemia, Santiago C. Motorizado (cantante líder del conjunto de rock indie) tuvo una misión que resignificó no solo la icónica serie noventosa "Okupas", sino que lo retó a experimentar con métodos que la cuarentena habían dejado en pausa.

El reestreno de Okupas significó la fusión del universo de Netflix con la no tan aceitada prerrogativa de la utilización de música que utilizó la producción nacional; sin dudas, hace dos décadas aún no existía la realidad de los derechos de autor a las plataformas de streaming. Esto impulsó a Bruno Stagnaro, director de la serie, a pedirle a Motorizado un poco de su talento para desglosar toda la ficción en una nueva banda sonora. 

"Bruno, el elenco, yo también, nos sorprendimos mucho con la respuesta que tuvo Okupas 20 años después. Obviamente es un clásico de la televisión argentina, esperaban que los viejos fans que le reclamaban todos los años estén atentos pero fue un poco más allá", contó el músico.

 

El reto del artista fue casi antropología musical: exploró  todos los géneros que musicalizaban a la era y logró hallar la clave del código que convirtie en verosímil la aparición incidental de sus canciones . "Arranqué por el rock, porque era mi terreno y para lo último dejé otras canciones. Recorrí géneros extraños para mi y mi experiencia, como la cumbia, el folklore, la salsa y el tango", describió.

"Obviamente es música popular (la cumbia) que está directa o indirectamente es parte de nuestra vida y está presente. Pero a la hora de componer tuve que hacer un poco más de investigación, sumergirme más en el género, entender bien esas marcas de estilo que lo definen", comentó Motorizado.

El trabajo de musicalizar Okupas se convirtió pronto en un proceso en tándem donde el entusiasmo de Stagnaro ayudó al artista a sentirse incentivado con continuar su exploración y correrse de la zona de comfort. Por suerte, toda aquella energía creativa no quedó encallada luego de terminado el pedido.

Motorizado comenzó a grabar un disco que viene en producción desde el 2016 y logró resignificarlo. "Pero pasó algo que suele pasar cuando uno deja un proyecto a mitad de camino mucho tiempo; no te gusta, no encaja con lo que era aquella grabación", relató el músico y apuntó que volvió a regrabar su disco para volver a encontrar el meollo detrás de aquellas armonías. Entre estos nuevos sonidos, la banda sonora de Okupas y la experiencia de reconstruir el paradigma de géneros que ilustró una generación, Santiago C. Motorizado está más que listo para mostrar a gusto su obra en el Coliseo.

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¿Cómo hizo Rocambole para inmortalizar a "Patricio Rey y los Redonditos de Ricota"?

IP Cultural celebró los 35 años del lanzamiento de "Oktubre" con una entrevista exclusiva con el artista plástico responsable de ilustrar el icónico disco.

Siempre se trató de conmover: Patricio Rey y los Redonditos de Ricota pensaron en desautomatizar a la “gran bestia pop” a través de letras contundentes con ritmos melódicos que parodian el mainstream de la música nacional. Rocambole, el artista plástico creador de las tapas de sus discos, contó en IP Cultural cómo hizo imagen aquel espíritu que rompió el paradigma con sus letras filosas.

 “La idea que yo tenía con mis amigos, en la Cofradía, era que un disco no era solo un compilado de canciones. Un disco nos pareciera una ópera, una obra, un lugar donde se reunía disciplinas diversas: la música estaba presente por supuesto; la poesía, indudable;el resto lo hacía la imagen”, contó el artista plástico.

Con la mente en que las disciplinas que componen un disco (en la era analógica y lejos de las plataformas digitales), Rocambole estudió los afiches de la guerra civil española, los grabados de principios de siglo de Argentina y la gráfica realizada durante y post la Revolución Rusa. Gracias a eso que describió como un “menjunje en la cabeza”, resolvió la idea con los pocos recursos con lo que contaban; después de todo, “Los Redonditos” todavía no habían firmado con ninguna discográfica.

“La impresión de la tapa se hizo de forma artesanal en serigrafía (...). Lo hicimos nosotros mismos; hicimos siete mil tapas en tres días seguidos y sin parar. Los colores tenían que ser pocos porque el sistema de impresión era bastante elemental. Se decidió por el negro, porque era una simbólica anarquista y el rojo no podía faltar si había revolución”, contó Rocambole, describiendo la visual que inmortalizó a “Oktubre”.

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"Brillando Azul", el nuevo disco que redefinió a Ale Kurz

El vocalista y guitarrista de El Bordo pasó por IP Cultural y contó por qué su nuevo lanzamiento es un quiebre en su carrera.

La pandemia no solo gestó personas probando música sino que también logró que músicos consagrados como Ale Kurz descubrieran una nueva faceta que los redefinen como artista. El vocalista y guitarrista de El Bordo encauzó sus pulsiones durante el aislamiento social en su nuevo disco "Brillando Azul".

El músico define sin dudar que su banda es una "muy sanguínea", con un estilo crudo y real, cuya impronta no fue lo que el período de cuarentena le evocó. Su obra pandémica fue una que construyó poco a poco y de manera espontánea, donde las únicas herramientas fueron su voz, su celular y sus ganas de expresar sus inquietudes a través de su arte. Kurz inclusive cuenta que el lanzaiento final fue casi de casualidad; un día le envió las grabaciones a su productor y lo sorprendió: "Me dijo:'esto es muy distinto a todo lo que hiciste antes. Lo tenemos que grabar ya", contó el músico.

"Son canciones que salieron de esa soledad, ese encierro; de estar dos años guardado sin saber qué iba a hacer. Y mi oficio es hacer canciones; naturalmente estas músicas nacieron, crecieron y germinaron en estas que estoy editando ahora", contó sobre sus nuevos temas.

"Brillando Azul" es un disco pensado como vinilo, donde hay dos temas en cada cara y esas cuatro canciones tienen un camino de experimentación distinta. Mientras que en una reverbera la música electrónica, la otra prepondera la batería digital; otra encuentra espacios tradicionales con una mandolina y la final fogonea con una guitarra acústica. "Estoy contento de salir con una canción que rompe el estilo que hago. El camino más intenso es el que es así de riesgoso y salir de la zona de confort está bueno", agregó Kurz.

Su nuevo trabajo está fuertemente entrelazado con su amor por la literatura, algo con lo que pudo reencontrarse durante la pandemia. El artista reconoce que esa pasión fue alentada fuertemente por sus padres y que inclusive de chico las figuras de las letras le llamaban la atención. La progresión entonces se dio de manera natural hacia la poesía y de allí a la lírica.

"A mi siempre me gustaron los rockeros que tenían contenido. Me gustaba la Renga porque tenía conexión con los libros de Castaneda (...). Cuando hay algo detrás, el contenido tiene que ser subrepticio, pero está bueno que esté. Eso le da una profundidad que permite múltiples interpretaciones", explicó Kurz sobre su modo de producción.

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Mirta Busnelli cuenta cómo fue reencontrarse con el escenario en postpandemia

La aclamada actriz, ganadora de múltiples premios Cóndor de Plata y Martín Fierro, participó de IP Cultural y contó qué sintió al revivir su papel en "La Savia".

Mirta Busnelli se sintió muy extraña al reencontrarse con el escenario después del tiempo en pandemia. Pero en IP Cultural contó que "La Savia" es una obra de teatro que no tuvo un comienzo usual y que gracias a eso, encontró una nueva manera de encarar su papel.

"Los nervios vienen con regalo, porque te potencian en el trabajo; el montó de energía que está latiendo resulta ser un combustible", contó Busnelli. La actriz, galardonada en múltiples ocasiones en los Premios Cóndor de Plata, Martín Fierro, Clarín y Konex sigue sintiendo vértigo a la hora de reencontrarse con un escenario que le pertenece a la postpandemia. De qué mejor manera que hacerlo con "La Savia", la obra en la que encarna a una protagonista que siente que se le están escapando las memorias y es momento de escribir un mapa de su historia. 

"Ella se da cuenta que se está deshilvanando en sus recuerdos y decide escribir como una manera de retenerlos. Para eso convoca a estos dos actores, dos personajes imaginarios", explica Busnelli sobre su obra.
 

La idea, que nació de Ignacio Sánchez Mestre, no la sedujo desde un principio. La actriz cuenta que leyó el guion y no consiguió hallarse: "era muy poética la obra, no encontraba la parte de las acciones, lo que tenía que ver con la dramaturgia, con lo teatral", describió. Pero puso su experiencia en juego y ensayo tras ensayo construyó el papel de un personaje que pugna por recuperarse a través de una realidad casi onírica. Quince días antes de estrenar, vio la luz para enfocarse de otra manera y al fin la obra comenzó a "armarse y fraguar". "En general sucede en los proyectos que uno ensaya y un tiempo antes del estreno no le encontrás sentido a nada, como una sensación de extrañamiento... y de pronto todo se empieza a relacionar y tener múltiples significados", comentó.

El curioso "Proyecto Prisma"

Busnelli mantuvo un secreto hasta hace poco: su colaboración con el "Proyecto Prisma", un espacio colaborativo que ofrece la producción de ficción teatral auditiva que habilita a ensayistas, dramaturgas, escritoras y actrices a reflexionar sobre las figuras más importantes del feminismo. Estas "ficciones sonoras" tienen el objetivo de recrear los clásicos radioteatros pero con una perspectiva íntima que invite a los espectadores a relacionarse directamente con el material.

A la actriz le toca encarnar a Hebe Uhart, la escritora argentina famosa por su estilo minimalista y visceral. Quien quiere participar del proyecto como espectador debe esperar los llamados de los actores luego de sacar su entrada gratuita y reviven una conversación con las figuras que hicieron historia en tanto figuras del arte: "Yo en ese momento soy la escritora. Se crea con el oyente una intimidad muy especial, muy medular", describe.

 

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¿Por qué se separaron Los Redondos?

El periodista Humprey Inzillo presentó "La última noche de Patricio Rey", una investigación sobre la separación de la mítica banda de rock nacional. 

El periodista Humprey Inzillo presentó "La última noche de Patricio Rey", una investigación sobre la separación de la mítica banda de rock nacional. 

En diálogo con Valeria Delgado, para IP Cultural, Inzillo dio detalles sobre su libro publicado recientemente. "Las notas con Los Redondos siempre eran especiales, porque los tres autores del libro pudimos entrevistarlos en varias ocasiones y somos ricoteros", empezó abriendo la charla Inzillo, que es coautor del libro, junto con sus colegas Martín Correa y Pablo Marchetti. 

La investigación

"La última noche de Patricio Rey", es un libro basado en entrevistas al Indio Solari, Skay Beillinson y La Negra Poli, los tres miembros fundadores de "Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota", una de las bandas más convocantes de la historia del rock argentino. "Hicimos una charla en 2001, para la revista La García, en el Bar Onduras, que duró seis horas. Los Redondos daban pocas notas, pero larguísimas. Cuando terminó los vimos irse abrazados, desde la esquina de Honduras y Godoy Cruz. Esa imagen me quedó grabada para siempre y es la que quisimos ilustrar en la portada del libro", declaró el periodista. Inzillo recuerda que esa misma noche fue en la que los tres protagonistas se pelearon para siempre y terminaron con la banda. Veinte años después de la discusión bisagra en la historia del rock nacional, se publicó el libro que cuenta el preámbulo de aquella madrugada. "Nos tocó ser testigo de un momento de encuentro de ellos. El Indio contaba que ya no iba a los ensayos y se veían muy poco. Después de la noche se quedaron charlando, en una noche de bohemia en La Boca. No había nada que hiciera sospechar que esa noche de cristal se hiciera añicos", resumió Inzillo.

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El Calafate presenta el primer Festival de Cine del Agua

El ciclo se transformó en el primer espacio cultural internacional cuyo eje es reflexionar sobre el cambio climático y la importancia del agua en la historia sociopolítica de los países.

La crisis del medio ambiente caló profundo sobre las producciones culturales y comenzó a convertirse en una temática común de muchos ejes de representación artística. Así nació el Festival Internacional de Cine del Agua, el primer ciclo cuya temática reivindica la importancia de la conciencia ambiental bajo la codirección de Alejandrina Morelli.

"El cine es un disparador para pensar y para reflexionar, para cambiar. Entonces moviliza a otras artes", comentó la codirectora del festival.

El festival admitió en su competencia oficial tanto largometrajes como cortometrajes sin importar su género, siempre y cuando la temática reivindique la importancia que tiene el agua como parte natural de todas las historias humanas. En el ciclo se contará con películas como "Amazonia" de Orlando Senna, "Punto de no retorno" de Sergio Federovisky y "La ciénaga" de Lucrecia Martel (la cual será presentada por la actriz Graciela Borges).

"El cambio climático es un tema que si no lo encaramos, nos pasa por arriba", remarcó Morelli y destacó que es un momento clave para concientizar sobre el peligro que corre el medio ambiente que ya puso en jaque la forma de vida de ciudades de Estados Unidos, México y Alemania. El ciclo también tiene como objetivo destacar la importancia del agua en la evolución humana y la historia de los pueblos: "por ejemplo, hay una película boliviana sobre la salida al mar y la identidad de Bolivia está determinada sobre esa no salida al mar", contó Morelli.

"El festival fue como cuando uno tira una piedra y se van formando círculos concéntricos alrededor; empezó a crecer, se sumó un grupo de artistas plásticos a hacer una exposición con Eleonora González Videla, también se sumaron poetas, escritores, una movida general artística dentro de El Calafate. Ha crecido muchísimo", describió.

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Luciana Paolletti, la artista que encuentra arte en microorganismos

La doctora en Ciencias Biológicas encontró belleza artística dentro de microorganismos.

Según Antoine de Saint-Exupéry, el famoso escritor de El Principito, lo esencial es invisible a los ojos. Bajo esta premisa, Luciana Paolletti, artista plástica, biotecnóloga y Doctora en Ciencias Biológicas, se hizo consciente que lo que se encontraba en los cultivos experimentales de sus proyectos no solo era parte de la ciencia sino también arte.

"Lo que veía era mucho más que un resultado, era una imagen que me atraía. Eso me hizo ver que yo tenía acceso a imágenes que muchas personas no veían y así fue como empecé a acercarme al arte", contó la especialista sobre su descubrimiento, en diálogo con Gabriela Zagordo en Ciencia IP.

Paolletti, que arrancó con su perspectiva cuando realizaba su tesis doctoral de Biotecnología en la Facultad de Ciencias Bioquímicas y Farmaceúticas de la Universidad Nacional de Rosario (UNR), pudo percibir que a lo que ella estaba expuesta diariamente era un tipo de belleza natural pero que el arte convencional todavía no había percibido. Muy pronto se dedicó a explorar esta rama artística, lo que la ayudó a realizar la conexión entre estos dos rubros distantes.

"A la ciencia no le interesa qué bacterias tengo en el patio de mi casa, pero desde el arte abordo temas donde estudio mi entorno cercano y trato de sacar todo lo que puedo, la mayor información. Hago siempre una fusión entre lo subjetivo y lo objetivo lo que hace que los resultados queden totalmente excluidos de lo científico para pertenecer puramente a lo artístico", comentó.

A medida que su interés por la exposición artística fue creciendo, Paolletti reconoció que fue pensando en su expresión en distintas etapas: a principio fotografías de hongos y microorganismos dentro de un soporte para que les permite crecer y luego, comenzar a pintar con ellos distintos paisajes que terminan de ser revelados una vez que estas entidades invaden la muestra. "Una vez que tenía un gran banco de microorganismos, lo que empecé a hacer fue purificarlos y utilizarlos como pigmentos en obras donde ya dibujaba yo con los microorganismos que antes había aislado de distintos lugares", explicó.

Ciencia IP se emite por la pantalla de IP los domingos de 18 a 19, con la conducción de Gabriela Zagordo.

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Del tecno al vinilo: reedición de "Travesti"

El músico y productor le contó a IP Cultural todos los secretos de la realización tecnológica y cómo se inspiró para construir un disco multifacético.

Hay algo de la pandemia que provocó a los artistas a realizar una revisión musical sobre su propia nostalgia y logró revivir viejas pasiones de obras que parecían olvidadas. Ese fue el caso de "Travesti VIVE" de Daniel Melero, el compositor y productor discográfico que dejó su impronta en bandas como Soda Stereo, Todos Tus Muertos y Babasónicos.

Daniel admite que nunca tuvo gran habilidad para los instrumentos clásicos, pero que algo de los sintetizadores y los sonidos tecnológicos le despertó una pasión. Esa impronta, que para principios de los '80 parecía una locura, lo llevó a dejar su sello innovador en la cultura del rock-pop nacional. Con la re-edición de "Travesti VIVE", un disco editado en 1994 y que fue estrenado en el 2019, el músico descubrió que su lenguaje entró en ritmo de los registros juveniles contemporáneos.

"'Travesti' antes era una palabra que casi era un insulto, era como ser una paria social. Me pareció muy interesante tener una identificación con esto. En definitiva, creo que todos somos trans", comentó sobre su disco.

Volver a tocar un disco que fue puesto en escena solo dos veces lo califica como "algo de ingeniería inversa", donde la banda de Melero volvió a escuchar una grabación casera para revivirlo. "No era un plan que existiera como un álbum en vivo; se registró porque mi mánager pensó que había que grabarlo para nosotros", contó.

El sonido de la electrónica, la experimentación y el ruido es algo que plasmó como un contenido multifacético en su disco. Su pasión por componer se mezcló con la visceralidad de la vibración tecnológica y en "Travesti VIVE" logro vestir y desvestir sus temas para presentar todas sus pasiones.

"La idea era que las canciones estaban maquilladas y vestidas, pero otras prácticamente desnudas. Era un transformismo", describió Melero.

En la tecnología es donde Daniel más se encuentra y por eso volvió a tocar con sintetizadores en forma de catarsis: "Estoy pensando en la música como un armamento. No lo encuadraría como música techno, sino como música tecnológica".

 

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