Se estrenó Hawkeye, la última serie del año de Marvel en Disney+

La serie está dirigida por Bert & Bertie, y Rhys Thomas. Se sitúa temporalmente dos años después de Avengers: End Game y está inspirada en la serie de comics Hawkeye, escrita por Matt Fraction.

Se estrenó Hawkeye, la última serie del año de Marvel en Disney+. Se trata de una historia nueva sobre uno de los protagonistas de Avengers. Los primeros episodios ya están disponibles en la plataforma de streaming y, como contaron los Malditos Nerds, se acerca más a las clásicas historias de navidad para toda la familia.

La serie está dirigida por Bert & Bertie, y Rhys Thomas. Se sitúa temporalmente dos años después de Avengers: End Game y está inspirada en la serie de comics Hawkeye, escrita por Matt Fraction.

Easter eggs del debut de la serie 

  • Shang-chi ingresó al logo de Marvel Studios. 
  • Un viejo conocido dice presente en la torre de Stane. El villano de la primera película de Ironman, Obadaiah Stane, aparece en una placa que tiene la siguiente leyenda: “El campanario universitario más antiguo de los Estados Unidos. Su piedra angular se colocó el 20 de octubre de 1725. Se volvió a dedicar el 1° de julio de 2006 en honor a Obadaiah Stane”.
  • Las estrellas que interpretan a todos en el escenario son estrellas reales de Broadway.
  • Se encontró un guiño para los y las escritoras de Marvel Comics: en un cameo se puede observar un cartel en el que se nombra a varios de ellos.

Malditos Nerds se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 23:30 a 00:00, con la conducción de Rippy Rizza y Guillo Leoz.

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Malditos Nerds: todos los detalles de “Cowboy Bebop”, el clásico del animé que llegó a Netflix

En este capítulo de Malditos Nerds, Rippy Rizza, Guillo Leoz y Yes Roth nos traen la historia de los cazarrecompensas intergalácticos más queridos del animé. También nos cuentan qué les pareció la adaptación live-action que llega mañana a Netflix.

Esta semana se estrenó en Netflix, “Cowboy Bebop”, la serie adaptación live action del clásico anime que se emitió en 1998 y se convirtió en una obra de culto. La producción original contó con 26 episodios y, desde Netflix, buscarán revivir la franquicia. Este animé combina ciencia ficción con western y sus protagonistas Spike Spiegel, Jet Black, Faye Valentine, Ed y su mascota Ein recorren el espacio en su nave llamada Bebop. Durante las travesías espaciales, los protagonistas buscan criminales para luego pedir su recompensa. De esta forma, serán perseguidos por un sindicato criminal mientras descubren parte de su pasado que los atormentará en el presente. Los hechos se producen en el año 2071 en un universo donde la humanidad colonizó casi todos los planetas. 

¿Por qué "Cowboy Bebop" es considerada una obra de culto?

Uno de los puntos que convirtieron a ”Cowboy Bebop” en una obra de culto es el entrecruzamiento entre varios géneros. La obra no sólo se queda en la ciencia ficción y el western, sino que también explora el policial, el terror y la comedia. Además, la personalidad y vivencias de los personajes como los hechos que viven abren la puerta a distintos debates y reflexiones filosóficas que la serie no escapa. Por otro lado, también destaca por la animación del estudio Sunrise y la banda sonora, elogiada por los fans. 

¿Cómo es la adaptación de Netflix?

Como celebración por la llegada de la adaptación live action de "Cowboy Bebop”, Netflix también publicó el anime original. Esto generó que un montón de gente vuelva a verlo o lo vea por primera vez. Otro de los puntos fuertes de la serie original es su corta duración y narrativa concisa, que funcionan como una gran puerta de entrada al mundo del anime.  Al observar que la animación de "Cowboy Bebop” sigue tan vigente aún hoy en día, crece el interrogante sobre si era necesario o no realizar una adaptación live action. En este caso, la recepción de los fans parece ser ambigua. Por un lado destacan su buena producción, imagen y semejanza con la historia original, mientras que por otro analizan que no brinda mucho más que la serie original. 

Hay que esperar para saber si la adaptación de “Cowboy Bebop” se convierte en un éxito para Netflix o no. De todas formas, algo que sí ya logró es volver a poner a la producción en el centro de la escena para acercarlo a un montón de gente que quizás no lo conocía. Ya sea en su nueva versión o en la original, “Cowboy Bebop” es un clásico de arte japonés que merece ser vista por la grandeza de sus personajes, su narrativa, música y reflexiones sobre el existencialismo y otras cuestiones filosóficas.

 

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Los cómics se adaptan a la moda de los NFT

Rippy Rizza y Guillo Leoz hablaron en “Cuentos de la Crypto” sobre, Oddkey, una nueva plataforma lanzada por el historietista Todd McFarlane y el músico Steve Aoki para convertir los números de cómics en NFT.

Los cómics también buscan adaptarse a la moda de los NFT. Rippy Rizza y Guillo Leoz hablaron en “Cuentos de la Crypto” sobre una nueva plataforma lanzada por el historietista Todd McFarlane y el músico Steve Aoki: Oddkey. Según expusieron los Malditos Nerds, permitirá a los artistas controlar su obra digital para tener más información sobre las ganancias que se producen y lo que les corresponde recibir por ellas.

McFarlane ya había activado la lucha por la propiedad intelectual a través de la creación de su propia editorial independiente junto con colegas. En esta, se le permitía a los artistas mantener la autoría y así también llevarse una parte más importante de las ganancias, a diferencia de aquellas de mayor tirada.

La conversión de estos números de revistas de cómics en NFT sostiene una tradición dentro del género en el que cada publicación tiene un valor específico y varía según la antigüedad y la autenticidad de las mismas. Oddkey buscará repetir el modelo de la publicadora Image Cómics.

Malditos Nerds se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 23:30 a 00:00, con la conducción de Rippy Rizza y Guillo Leoz.

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Se viene el estreno de un nuevo juego de Marvel

Los Malditos Nerds probaron el nuevo juego de Guardianes de la Galaxia y dan su veredicto.

Los Guardianes de la Galaxia tendrán un juego y los Malditos Nerds lo testearon. El estreno está anunciado para el 26 de octubre de este año y, según Rippy Rizza y Guillo Leoz, “le falta un golpe de horno”. Sin embargo, la versión parece tener muchos condimentos “hiteros” para los amantes de los cómics de Marvel. 

El fuerte del videojuego es, sin lugar a dudas, el de los personajes. Manejando a Star-Lord, el usuario será acompañado por el resto de los Guardianes de la Galaxia. Los diálogos simulan la relación que tienen entre ellos en el cómic, de acuerdo con las personalidades de cada uno. Además, los detalles, los comentarios y la estética también fueron puntos valorados por los Malditos Nerds.

Los puntos débiles, entonces, tienen que ver con la jugabilidad y el rendimiento. Ya en el trailer se caían los cuadros y se la animación tironeada, lo que no mejoró en la versión probada en el evento para la prensa. 

Por otro lado, la lógica de equipo que se intentó implementar no funciona del todo bien. Según los desarrolladores, la idea era que el grupo maneje una dinámica de autonomía parecida a la que conocemos en el FIFA, pero, como dice Guillo Leoz: “Medio que si no les das órdenes, no hacen nada”.

Por último, ambos coincidieron en que las versiones que se prueban en estos eventos previos a los estrenos pueden distar de la versión final, por lo que hay que esperar y ver cuál será el producto final.

Malditos Nerds se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 23:30 a 00:00, con la conducción de Rippy Rizza y Guillo Leoz.

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Malditos Nerds: todo sobre el estreno de Evangelion: 3.0+1.0 - Thrice Upon A Time

El 13 de agosto Amazon Prime Video estrenó de manera mundial en más de 240 países la nueva película de Evangelion: “Evangelion: 3.0+1.0 - Thrice Upon A Time”.

El 13 de agosto Amazon Prime Video estrenó de manera mundial en más de 240 países la nueva película de Evangelion: “Evangelion: 3.0+1.0 - Thrice Upon A Time”.

Esta es la cuarta película de la franquicia que cierra la tetralogía y tuvo su estreno oficial en Japón en enero de este año. Evangelion es uno de los animes más relevantes y aclamados de la historia por el fenómeno cultural que inició. La obra de Hideaki Anno tuvo su estreno en 1995 y fue una revolución entre los fanáticos y detractores del anime. En los papeles, Neon Genesis Evangelion es un anime más dentro del género mecha pero en la práctica, es mucho más que eso.

Una obra de culto

Evangelion es una de las obras más confusas de la historia y así lo demuestran los cientos de páginas, videos y foros que analizan y buscan dar respuesta a su final. Detrás de un anime de mechas, se encuentra una trama que mezcla filosofía, religión, historia y simbología psicoanalítica lo que la convirtió en una verdadera obra de culto. Hideaki Anno ideó la serie como una producción que representa sus vivencias, más que nada, su depresión y ansiedad. Es tanta la confusión y teorías alrededor de la serie que existen guías para seguir el anime y entender la trama. Sin embargo, quizás esto es producto de la revolución que generan los fanáticos y admiradores del anime ya que el mismo creador, no coincide en las miles y miles de teorías sobre los significados de su obra.

En el marco del estreno de Evangelion: 3.0+1.0 - Thrice Upon A Time en Japón, Hideaki Anno fue consultado sobre qué es Evangelion a lo que su respuesta fue: “es un anime de robots”. Una de las teorías más fundamentales que existen alrededor de Evangelion es que los personajes no son sólo robots gigantes, sino que tienen vida y rasgos de la humanidad, una teoría que fue creciendo en popularidad con el paso del tiempo, salvo para su creador. Para sorpresa de todos, Hideaki Anno sostuvo que Evangelion es un anime de robots y que está muy agradecido por las ganancias y éxito que alcanzó con el producto de nicho. No quedan dudas que más de un fanático de Evangelion se agarró la cabeza con estas declaraciones, pero qué se le puede decir a quien fue el creador de la obra. Esto abrió el debate sobre cuánto hay de verdad en las miles y miles de teorías sobre una obra tan influyente en la cultura.

 

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Oesterheld: "El Eternauta", un ícono político

El guionista y escritor Héctor Oesterheld nació el 23 de julio de 1919 en Buenos Aires, y fue el creador de El Eternauta, su obra cumbre, considerada uno de los emblemas más poderosos de la narrativa argentina en la segunda mitad del siglo XX. La historia de Juan Salvo -un viajero en el tiempo- y su protagonismo en la resistencia humana frente a una invasión extraterrestre a Buenos Aires, con notables ilustraciones de Solano López, trascendió los límites del cómic. Es un mito cultural con implicaciones sociales y políticas que atraviesa la historia argentina contemporánea: la idea de un hombre convertido en “héroe colectivo” y enfrentado a una maquinaria bélica terrorífica es la fuerza motora de un relato fascinante que mantiene su vigencia y atrae siempre a nuevas generaciones de lectores.

La agitación política de fines de los años '60 y sobre todo, la radicalización del movimiento nacional y popular de principios de los '70 -con el regreso de Perón como hito fundacional-, cambiaron el rumbo de la vida y obra de Oesterheld. En ese contexto, publicó por ejemplo 450 años de guerra contra el imperialismo junto a Leopoldo Durañona, uno de los discípulos de Breccia, a modo de serie gráfica en el periódico de la izquierda peronista El Descamisado. Su activa militancia en Montoneros además, lo había conducido a la clandestinidad: en ese estado escribió El Eternauta II. Ya no era el escritor que imaginaba aventuras, sino el que las vivía en carne propia. 

La trama de esta segunda historia retoma el final de la primera, con Germán -él, en primera persona- encontrándose de nuevo con Juan Salvo, su mujer y su hija, y todos viajando súbitamente a un futuro en el que Argentina había sido arrasada por los extraterrestres. Algunos grupos muy reducidos de humanos subsisten en una nueva edad de piedra. El Eternauta, junto con Germán, intentará ayudarles a luchar contra los extraterrestres, gracias a nuevos superpoderes. La serie fue publicada por entregas en la revista Skorpio, durante 1976 y 1977, en un formato vertical. Desde la clandestinidad, Oesterheld entregaba los guiones en la editorial mediante terceras personas, o pasándose él mismo de incógnito, a horas intempestivas

Secuestro y desaparición bajo la dictadura

En los peores momentos de la represión, Oesterheld fue secuestrado por un grupo paramilitar de tareas, el 27 de abril de 1977, presumiblemente en La Plata. Poco después, fue visto en el centro clandestino de detención de Campo de Mayo. Allí lo reconoció Juan Carlos Scarpatti, uno de los sobrevivientes de ese campo de concentración y exterminio que relató el encuentro en el documental H.G.O.: “Estaba muy golpeado y angustiado. Le pregunté qué le pasaba y me dijo que le habían mostrado las fotos de las hijas muertas”.

Oesterheld pasó también por el Sheraton, un centro clandestino que funcionaba en el interior de una comisaría de Villa Insuperable donde los militares habían llevado a varios intelectuales y artistas. Luego fue trasladado a El Vesubio, otro de los epicentros del horror, y después de eso ya no se supo de él. Desde ese momento continúa desaparecido, aunque como su personaje continúa vivo como viajero de la eternidad.

 

El guionista y escritor Héctor Oesterheld nació el 23 de julio de 1919 en Buenos Aires, y fue el creador de El Eternauta, su obra cumbre, considerada uno de los emblemas más poderosos de la narrativa argentina en la segunda mitad del siglo XX. La historia de Juan Salvo -un viajero en el tiempo- y su protagonismo en la resistencia humana frente a una invasión extraterrestre a Buenos Aires, con notables ilustraciones de Solano López, trascendió los límites del cómic. Es un mito cultural con implicaciones sociales y políticas que atraviesa la historia argentina contemporánea: la idea de un hombre convertido en “héroe colectivo” y enfrentado a una maquinaria bélica terrorífica es la fuerza motora de un relato fascinante que mantiene su vigencia y atrae siempre a nuevas generaciones de lectores.

La agitación política de fines de los años '60 y sobre todo, la radicalización del movimiento nacional y popular de principios de los '70 -con el regreso de Perón como hito fundacional-, cambiaron el rumbo de la vida y obra de Oesterheld. En ese contexto, publicó por ejemplo 450 años de guerra contra el imperialismo junto a Leopoldo Durañona, uno de los discípulos de Breccia, a modo de serie gráfica en el periódico de la izquierda peronista El Descamisado. Su activa militancia en Montoneros además, lo había conducido a la clandestinidad: en ese estado escribió El Eternauta II. Ya no era el escritor que imaginaba aventuras, sino el que las vivía en carne propia. 

La trama de esta segunda historia retoma el final de la primera, con Germán -él, en primera persona- encontrándose de nuevo con Juan Salvo, su mujer y su hija, y todos viajando súbitamente a un futuro en el que Argentina había sido arrasada por los extraterrestres. Algunos grupos muy reducidos de humanos subsisten en una nueva edad de piedra. El Eternauta, junto con Germán, intentará ayudarles a luchar contra los extraterrestres, gracias a nuevos superpoderes. La serie fue publicada por entregas en la revista Skorpio, durante 1976 y 1977, en un formato vertical. Desde la clandestinidad, Oesterheld entregaba los guiones en la editorial mediante terceras personas, o pasándose él mismo de incógnito, a horas intempestivas

Secuestro y desaparición bajo la dictadura

En los peores momentos de la represión, Oesterheld fue secuestrado por un grupo paramilitar de tareas, el 27 de abril de 1977, presumiblemente en La Plata. Poco después, fue visto en el centro clandestino de detención de Campo de Mayo. Allí lo reconoció Juan Carlos Scarpatti, uno de los sobrevivientes de ese campo de concentración y exterminio que relató el encuentro en el documental H.G.O.: “Estaba muy golpeado y angustiado. Le pregunté qué le pasaba y me dijo que le habían mostrado las fotos de las hijas muertas”.

Oesterheld pasó también por el Sheraton, un centro clandestino que funcionaba en el interior de una comisaría de Villa Insuperable donde los militares habían llevado a varios intelectuales y artistas. Luego fue trasladado a El Vesubio, otro de los epicentros del horror, y después de eso ya no se supo de él. Desde ese momento continúa desaparecido, aunque como su personaje continúa vivo como viajero de la eternidad.

 

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Quino, el dibujante que protestó con la voz de Mafalda

Quino, así se llamaba para todos Joaquín Salvador Lavado Tejón, el dibujante hijo de españoles que nació el 17 de julio de 1932. Desde muy joven sabía que lo suyo estaba en el dibujo, que su personalidad estaba encauzada por lo que podía hacer con el lápiz y que mucho de lo que el mundo necesitaba exteriorizar requería de de un código secreto disfrazado de tira cómica.

Fue la sutileza de los comentarios de su Mafalda la que traspasó los límites de la censura de una época marcada por la dictadura. Chiquita, inocente, mujer: ¿cuál podría haber sido su mensaje? Y si bien en España las recopilaciones si llevaron una faja que indicaba que era una "tira cómica para adultos", muchos censores no entendían la ironía de la niña que hablaba de lo poco que le gustaba la sopa como de lo retorcido de las condiciones políticas mundiales.

El genio y la admiración de sus colegas

Para la dibujante colombiana Adriana Mosquera, creadora de Magola y ganadora del Gran Premio Diógenes en Argentina, gracias a sus personajes interiorizó que "las niñas tenían derecho a protestar, tener voz propia y querer cambiar el mundo".

“Yo no sa­bía que Quino era hom­bre, yo creí que Ma­fal­da la ha­cía una mu­jer. Dice tan­tas co­sas que son de ac­tua­li­dad, hu­ma­ni­dad, eco­lo­gía, pla­ne­ta, de po­lí­ti­ca y lo dice una niña y eso para mí era sor­pren­den­te. Yo es­ta­ba acos­tum­bra­da a ver que todo lo ha­cía hom­bres, su­per­hé­roes y lue­go sale Ma­fal­da con una fuer­za de­mo­le­do­ra”, ex­pre­só la artista.

Parte de esa sensibilidad venía como sello registrado de la personalidad del dibujante, quién siempre se mostró humilde y receptivo. Según sus colegas, en su tiempo libre se dedicaba a contestar todas las cartas de sus lectores, inclusive años después que dejara de dibujar a Mafalda. Uno de sus compañeros de editorial recuerda que cuando le llegó una carta de una muchacha adolescente, muy preocupada porque no se dibujaba más Mafalda, Quino respondió: "mientras tenga lectoras como vos, Mafalda no desaparecerá. La dibujé durante 10 años, imaginate a vos misma desde tus 3 años hasta ahora haciendo la misma cosa ¿hubieras sido capaz? Lo dudo. Vivir es ir cambiando...además la vida nos cambia queramos o no".

Mafalda está incluido en la cultura pop nacional que logró atravesar los límites del territorio: en la estación Argentine del metro de París hay un mural dedicado a las figuras nacionales siendo observadas por la niña, sus tiras cómicas fueron traducidas en 30 idiomas, incluyendo al chino y al finlandés. Quino rechazó varios doctorados honoris causa alrededor del mundo en vida, ya que para él su tiempo estaba dedicado a dibujar.  Su filosofía se cristalizó en una entrevista del diario español El País, donde apenas años antes de su fallecimiento se le preguntó: "Quino, ¿Pensaba usted que tantos años después se iba a seguir dedicando al dibujo?"

"Sí, bueno no esperaba vivir tanto. Pero sí sí, como nunca hice otra cosa, ni sé hacerlo, bueno sí: ir al cine, beber buen vino y escuchar música. Pero nunca pensé en otra cosa que en dibujar", respondió.

 

 

Quino, así se llamaba para todos Joaquín Salvador Lavado Tejón, el dibujante hijo de españoles que nació el 17 de julio de 1932. Desde muy joven sabía que lo suyo estaba en el dibujo, que su personalidad estaba encauzada por lo que podía hacer con el lápiz y que mucho de lo que el mundo necesitaba exteriorizar requería de de un código secreto disfrazado de tira cómica.

Fue la sutileza de los comentarios de su Mafalda la que traspasó los límites de la censura de una época marcada por la dictadura. Chiquita, inocente, mujer: ¿cuál podría haber sido su mensaje? Y si bien en España las recopilaciones si llevaron una faja que indicaba que era una "tira cómica para adultos", muchos censores no entendían la ironía de la niña que hablaba de lo poco que le gustaba la sopa como de lo retorcido de las condiciones políticas mundiales.

El genio y la admiración de sus colegas

Para la dibujante colombiana Adriana Mosquera, creadora de Magola y ganadora del Gran Premio Diógenes en Argentina, gracias a sus personajes interiorizó que "las niñas tenían derecho a protestar, tener voz propia y querer cambiar el mundo".

“Yo no sa­bía que Quino era hom­bre, yo creí que Ma­fal­da la ha­cía una mu­jer. Dice tan­tas co­sas que son de ac­tua­li­dad, hu­ma­ni­dad, eco­lo­gía, pla­ne­ta, de po­lí­ti­ca y lo dice una niña y eso para mí era sor­pren­den­te. Yo es­ta­ba acos­tum­bra­da a ver que todo lo ha­cía hom­bres, su­per­hé­roes y lue­go sale Ma­fal­da con una fuer­za de­mo­le­do­ra”, ex­pre­só la artista.

Parte de esa sensibilidad venía como sello registrado de la personalidad del dibujante, quién siempre se mostró humilde y receptivo. Según sus colegas, en su tiempo libre se dedicaba a contestar todas las cartas de sus lectores, inclusive años después que dejara de dibujar a Mafalda. Uno de sus compañeros de editorial recuerda que cuando le llegó una carta de una muchacha adolescente, muy preocupada porque no se dibujaba más Mafalda, Quino respondió: "mientras tenga lectoras como vos, Mafalda no desaparecerá. La dibujé durante 10 años, imaginate a vos misma desde tus 3 años hasta ahora haciendo la misma cosa ¿hubieras sido capaz? Lo dudo. Vivir es ir cambiando...además la vida nos cambia queramos o no".

Mafalda está incluido en la cultura pop nacional que logró atravesar los límites del territorio: en la estación Argentine del metro de París hay un mural dedicado a las figuras nacionales siendo observadas por la niña, sus tiras cómicas fueron traducidas en 30 idiomas, incluyendo al chino y al finlandés. Quino rechazó varios doctorados honoris causa alrededor del mundo en vida, ya que para él su tiempo estaba dedicado a dibujar.  Su filosofía se cristalizó en una entrevista del diario español El País, donde apenas años antes de su fallecimiento se le preguntó: "Quino, ¿Pensaba usted que tantos años después se iba a seguir dedicando al dibujo?"

"Sí, bueno no esperaba vivir tanto. Pero sí sí, como nunca hice otra cosa, ni sé hacerlo, bueno sí: ir al cine, beber buen vino y escuchar música. Pero nunca pensé en otra cosa que en dibujar", respondió.

 

 

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Héctor Oesterheld y "El Eternauta", mucho más que una simple historieta

De padre alemán y madre con ascendencia española, Héctor Germán Oesterheld nació el 23 de julio de 1919, en Buenos Aires. Fue emboscado y secuestrado por un grupo de tareas de la dictadura cívico-militar el 27 de abril de 1977 en La Plata. Permanece desaparecido, igual que sus cuatro hijas —Estela (25), Diana (24), Beatriz (19) y Marina (18); dos de ellas, embarazadas— y tres de sus yernos. Trágico destino familiar, parte de una historia de violencia y persecución política que enluta a la nación.

Oesterheld uno de los grandes apellidos de la literatura argentina en el siglo XX. Su máxima creación, como escritor y guionista, es “El Eternauta”, obra maestra de la historieta mundial. Realizada junto al dibujante Francisco Solano López, cuenta la historia del viajero de la eternidad Juan Salvo, quien se materializa frente a un historietista para contarle sus vivencias de la resistencia ante una invasión extraterrestre a la ciudad de Buenos Aires.

Su aparición con “El Eternauta” marcó un antes y un después en la historia del cómic. Hasta ese momento, la historieta era vista y producida como un medio de comunicación de consumo masivo con algunos recursos narrativos estándares, propios del cine de Hollywood, los folletines o las radionovelas. La figura del guionista no existía como tal y mucho menos, un desarrollo narrativo-literario que potenciaba el peso específico de la historia por contar. Esa fue su mayor contribución. Con el paso del tiempo, “El Eternauta” se convirtió en mucho más que una historieta. Es afiche, remera, graffiti, canción, bandera de militancia y hasta texto escolar de lectura recomendada en el nivel secundario. Es, sobre todo, emblema de una cultura nacional y popular. 





 

De padre alemán y madre con ascendencia española, Héctor Germán Oesterheld nació el 23 de julio de 1919, en Buenos Aires. Fue emboscado y secuestrado por un grupo de tareas de la dictadura cívico-militar el 27 de abril de 1977 en La Plata. Permanece desaparecido, igual que sus cuatro hijas —Estela (25), Diana (24), Beatriz (19) y Marina (18); dos de ellas, embarazadas— y tres de sus yernos. Trágico destino familiar, parte de una historia de violencia y persecución política que enluta a la nación.

Oesterheld uno de los grandes apellidos de la literatura argentina en el siglo XX. Su máxima creación, como escritor y guionista, es “El Eternauta”, obra maestra de la historieta mundial. Realizada junto al dibujante Francisco Solano López, cuenta la historia del viajero de la eternidad Juan Salvo, quien se materializa frente a un historietista para contarle sus vivencias de la resistencia ante una invasión extraterrestre a la ciudad de Buenos Aires.

Su aparición con “El Eternauta” marcó un antes y un después en la historia del cómic. Hasta ese momento, la historieta era vista y producida como un medio de comunicación de consumo masivo con algunos recursos narrativos estándares, propios del cine de Hollywood, los folletines o las radionovelas. La figura del guionista no existía como tal y mucho menos, un desarrollo narrativo-literario que potenciaba el peso específico de la historia por contar. Esa fue su mayor contribución. Con el paso del tiempo, “El Eternauta” se convirtió en mucho más que una historieta. Es afiche, remera, graffiti, canción, bandera de militancia y hasta texto escolar de lectura recomendada en el nivel secundario. Es, sobre todo, emblema de una cultura nacional y popular. 





 

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Marvel Cómics presenta al primer Capitán América homosexual

En el nuevo cómic "Estados Unidos de Capitán América", alguien roba el famoso escudo del personaje, lo que implica que el protagonista Steve Rogers viaje por todo el país para encontrarlo. Durante su aventura, encontrará que hay más de un Capitán América y que todos tienen un perfil justiciero distinto: en este contexto, conoce a Aaron Fischer, una versión de Capitán América que además es activista de los derechos LGTBQ+.

Mientras Disney se ocupa de expandir el universo cinematográfico de Marvel, la editorial de cómics no se queda atrás y comienza a dar pasos más acertados en tanto la diversidad de sus personajes.

"Como persona transgénero, estoy feliz de poder presentar a una persona abiertamente gay que admira al Capitán América y que pelea contra la maldad para ayudar a aquellos que son casi invisibles en la sociedad. Mientras lo dibujaba, pensé que si bien el Cap pelea contra super villanos y salva el mundo casi siempre... Aaron acompañará a aquellos que caminan solos en la calle con los problemas que los atormentan día a día", declaró Jan Bazaldua, artista de la serie limitada. 

"Él representa a los oprimidos y a los olvidados. Espero que su debut en la historia resuene con los lectores y ayude a inspirar la siguiente generación de héroes", escribió el guionista Joshua Trujillo.

En el nuevo cómic "Estados Unidos de Capitán América", alguien roba el famoso escudo del personaje, lo que implica que el protagonista Steve Rogers viaje por todo el país para encontrarlo. Durante su aventura, encontrará que hay más de un Capitán América y que todos tienen un perfil justiciero distinto: en este contexto, conoce a Aaron Fischer, una versión de Capitán América que además es activista de los derechos LGTBQ+.

Mientras Disney se ocupa de expandir el universo cinematográfico de Marvel, la editorial de cómics no se queda atrás y comienza a dar pasos más acertados en tanto la diversidad de sus personajes.

"Como persona transgénero, estoy feliz de poder presentar a una persona abiertamente gay que admira al Capitán América y que pelea contra la maldad para ayudar a aquellos que son casi invisibles en la sociedad. Mientras lo dibujaba, pensé que si bien el Cap pelea contra super villanos y salva el mundo casi siempre... Aaron acompañará a aquellos que caminan solos en la calle con los problemas que los atormentan día a día", declaró Jan Bazaldua, artista de la serie limitada. 

"Él representa a los oprimidos y a los olvidados. Espero que su debut en la historia resuene con los lectores y ayude a inspirar la siguiente generación de héroes", escribió el guionista Joshua Trujillo.

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Dos años de la muerte de Stan Lee: arquitecto del cómic moderno

Stan Lee es reconocido como el arquitecto de la escritura y marketing de los cómics modernos. Gracias a su trabajo, la cultura pop tiene grabado en su ADN a los superhéroes Marvel.

Lee había sido entrenado a la vieja escuela: en un principio escribía historias centradas en el misterio, el horror y los cowboys. Luego de casi 22 años dibujando y publicando historias con un éxito moderado, el artista decidió que era suficiente y pensó en retirarse para siempre del mundo del comic. Fue su esposa, Joan Lee, quien lo convenció que comenzara a dibujar lo que siempre adoró: los superhéroes.

Al poco tiempo, Jack Kirby y él crearon a los Cuatro Fantásticos, una serie que mostraba humanos con poderes sobrenaturales que intentaban convivir con una rutina diaria muy humana. Desde entonces, Stan Lee encontró que representar personas increíbles enredadas en la vida cotidiana era lo que lo llevaría al éxito. Esto marcó la impronta marvelita y ayudó a fundar lo que hoy se conoce como la época dorada del cómic.

En 2018, a sus 95 años, fue denunciado por acoso sexual por las enfermeras que lo cuidaban. Alegaron que les pedía que le practiquen sexo oral en la ducha o en la habitación.

 

 

 

Stan Lee es reconocido como el arquitecto de la escritura y marketing de los cómics modernos. Gracias a su trabajo, la cultura pop tiene grabado en su ADN a los superhéroes Marvel.

Lee había sido entrenado a la vieja escuela: en un principio escribía historias centradas en el misterio, el horror y los cowboys. Luego de casi 22 años dibujando y publicando historias con un éxito moderado, el artista decidió que era suficiente y pensó en retirarse para siempre del mundo del comic. Fue su esposa, Joan Lee, quien lo convenció que comenzara a dibujar lo que siempre adoró: los superhéroes.

Al poco tiempo, Jack Kirby y él crearon a los Cuatro Fantásticos, una serie que mostraba humanos con poderes sobrenaturales que intentaban convivir con una rutina diaria muy humana. Desde entonces, Stan Lee encontró que representar personas increíbles enredadas en la vida cotidiana era lo que lo llevaría al éxito. Esto marcó la impronta marvelita y ayudó a fundar lo que hoy se conoce como la época dorada del cómic.

En 2018, a sus 95 años, fue denunciado por acoso sexual por las enfermeras que lo cuidaban. Alegaron que les pedía que le practiquen sexo oral en la ducha o en la habitación.

 

 

 

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